"LOS CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE" A PARTIR DE ENERO DEL 2015 EN CINETECA NACIONAL

Al casi cierre del 2014, Cineteca Nacional tuvo una inusitada asistencia de 1,090,401 visitantes, así lo dio a conocer en amena conferencia de prensa, su director Alejandro Pelayo, quien hizo hincapié que la institución que preside sigue buscando mostrar un amplio panorama de la cinematografía nacional y universal. Se llevaron a cabo un total de 103 ciclos, en la actualidad está la retrospectiva de Antonioni; fueron sumamente exitosas ambas muestras internacionales de cine, el foro, así como el tour francés.
Para el 2015, una de las actividades vertebrales será  el ciclo "Los clásicos en pantalla grande", cada fin de semana se proyectarán copias totalmente restauradas de filmes que han marcado un hito en la cinematografía universal como "Los 400 golpes" de Truffaut (en la imagen), "Un viaje a Italia" de Rosellini, "Río grande" de Hawks, o películas de Bergman, Kurosawa, entre otros.
Asimismo se informó que las películas con mayor audiencia fueron "Ninfomanía uno y dos" de Lars Von Triers, "El gran hotel Budapest" de Wes Anderson, "Ella" de Spike Jonze" y Jazmín azul" de Woody Allen, entre otras.
Mientras que "La jaula de oro" de Diego Quemada Diez encabezó las películas más taquilleras, "Los insólitos peces gato" de Claude Saint Lince, "La filosofía natural" de Sebastián Hiriart y "La dictadura perfecta" de Luis Estrada, entre otras.
Alejandro Pelayo destacó que le interesa mucho que se impartan cursos en Cineteca, puesto que ello ayuda a aumentar  a los cinéfilos, él está terminando de impartir uno en torno a Luis Buñuel, y además hay cursos de análisis y teorías cinematográficos que coordina el Doctor Lauro Zavala.
También comentó que en el primer semestre del 2015 se llevará a cabo una exposición sobre grandes cómicos del cine mexicano, cuyo curador será el Fisgón y se seguirán restaurando películas, como "El rebozo de la soledad" de Roberto Gavaldón, que se realiza a la actualidad.

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"LAS HORAS CONTIGO": DE ENCUENTROS Y DESENCUENTROS FEMENINOS

De las primeras películas mexicanas que se estrenarán en el 2014 se encuentra la ópera prima "Las horas conmigo" escrita y dirigida por Catalina Aguilar Mastretta, la cual ganó el premio de la crítica internacional en el XXIX Festival Internacional de Cine de Guadalajara.
En la imagen Cassandra Ciangherotti, quien le da gran vida a este filme intimista como Ema, la nieta a que le duele ver cómo va perdiendo a su adorada abuela (Isela Vega), ella básicamente la crió  en cambio la relación con su madre (María Rojo), una cantante de ranchero ha sido de encuentros y desencuentros.
Una cinta sumamente mujeril, que cuenta un plus con la fotografía de  Berenice Eveno y la música original de Víctor  Hernández Stumphauser. Incluso las dos sirvientas de la casa (Arcelia Ramírez y Evangelina Martínez ) forman parte de un grupo que se cuida y que mucho es lo que se dicen a través de la mirada.
Catalina retoma el tema de la relación abuela-nieta que había ya sido abordado con un poco mayor de fuerza dramática por Natalia Beristaín también en su primer película "No puedo dormir sola".
Como ópera prima "Las horas contigo" está bien realizada, aunque en momentos es tan pequeña la anécdota que se torna reiterativa, pero hay talento y sensibilidad en su joven directora, cuyo trailer acompaña varias de las películas que se proyectan actualmente en Cinépolis. Su estreno está previsto para mediados de enero del 2015.

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"GLORIA": UN FILME QUE SE SUSTENTA EN LA PAREJA PROTAGÓNICA

Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Morelia, el 1 de enero del 2015 llegará a su corrida comercial el filme "Gloria", ópera prima del cineasta de origen suizo Christian Keller, con guión de la dramaturga Sabina Berman, basada en algunos momentos centrales de la polémica cantante de rock Gloria Trevi, quien ha sido todo un fenómeno musical.
El mayor plus de este biopic, correctamente filmado, aunque un tanto cansada, su última media hora de metraje, son las actuaciones de su pareja protagónica, la joven Sofía Espinosa, quien hace toda una creación de personaje como Gloria Trevi, incluso ella canta las canciones de la regiomontana y Marcos Pérez, básicamente actor de teatro quien recrea con gran talento al compositor Sergio Andrade.
"Gloria" tiene una estructura pendular y lo mismo abarca la prisión brasileña donde la cantante y el compositor permanecieron encarcelados, que el ascenso a la fama de la Trevi, su desparpajo e insolencia al presentarse en los medios de comunicación, algunos video clips como "Papas sin catsup" (un tanto excesivo), y el clan regenteado por  la mente enferma y perversa de Andrade.
Cine comercial digno que se puede ver, sobre todo dirigido al público fan de Gloria Trevi.
En lo personal pienso que es un poco prematuro hacer este tipo de filmes, puesto que aún a la cantante, le queda camino por recorrer.

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EN FEBRERO DEL 2015 INICIA EL TALLER CINEMATOGRÁFICO DE MANTARRAYA

En febrero del 2015 dará inicio la cuarta promoción del taller cinematográfico de Mantarraya, el cual busca ser un espacio para la creación y aprendizaje del cine independiente, mismo a que esta productora y distribuidora ha puesto su empeño desde hace década y media.
Uno de sus maestros, el cineasta Carlos Reygadas afirma: "Me da mucho gusto a contribuir que haya más directores; técnica y estudio, generan la diversidad de un arte más sano y exitoso."
A través de este espacio se abre la posibilidad que emerjan nuevos talentos que enriquezcan la cinematografía nacional. Se combinan el conocimiento teórico, y la comprensión sustentada de sus razonamientos al elaborar nuevas propuestas audiovisuales.El taller cinematográfico es multidisciplinario, además que se dan las herramientas para lograr el tan ansiado patrocinio para los diversos proyectos.
Lo crítico y lo práctico se combina en cada una de las sesiones, donde hay como maestros: Lorenzo Hagerman, Julio Hernández Condon, Amat Escalante, >Gregorio Rocha, Lucía Gajá, Yulene Olaizola, Lisandro Alonso, Sandra Rozental, Jorge Volpi y Adriana Estrada entre otros.
Entre las materias que se imparten a lo largo de 15 meses se encuentran: Historia y apreciación del cine, el cine relacionado a otras disciplinas, producción, montaje, fotografía, postproducción y composición dramática.
El taller cinematográfico recibirá documentos de los postulantes, este mes de diciembre; las entrevistas se realizarán en enero, para dar inicio el 2 de febrero del 2015.
Para costos y mayor información se sugiere consultar el sitio www.tallercinematográfico.com

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"HIPOPOTAMIGA" Y "EX...EL PASADO YA NO ES LO QUE ERA" EN EL BENITO JUAREZ

Antes de terminar el 2014, el Teatro Benito Juárez del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del D.F. nos presenta dos frescas puestas en escena: "Hipopotamiga" de la dramaturga canadiense Louise Bombardier , con funciones sábados y domingos a las 13 horas y la obra del uruguayo Gabriel Calderón: "Ex...el pasado ya no es lo que era", con funciones, los viernes a las 20 horas, los sábados a las 19, y los domingos a las 18 horas.
Ambas obras finalizan temporada el próximo domingo 14 de diciembre.
"Hipopotamiga" o como llenar los vacíos de soledad en la tercera edad, nos narra la relación que se establece entre dos mujeres, la una interna en un asilo de ancianos contra su voluntad (Lucero Trejo) y la otra una mujer sencilla quien durante toda su vida ha trabajado en un zoológico (Paloma Woolrich), ambas se ha hecho de un amigo, un hipopótamo imaginario en caso de la primera, una hipopótama real en caso de la segunda.
La dirección con un tono sutil y lúdico es de Alonso Iñiguez, pocos elementos escenográficos (Mauricio Ascensio) y mayor peso en la dos actrices protagónicas, ambas posesoras de gran fuerza expresiva.
Bombardier pinta a la vejez como una etapa de la vida, en donde si es posible hallar nuevos asideros existenciales y hay métodos para que los sueños brillen, estallen y surjan con gran ímpetu.
Producción de Tres Productores(Mariano Ducombs, Eloy Hernández y Andrés Naime)
Lindo montaje no sólo dirigidos para los pequeños, sino para todo el público. Mientras que "Ex... ya no es lo que era" de Gabriel Calderón, con la Compañía Puño de Tierra es dirigida por Fernando Bonilla, texto dramático que rastrea por las heridas recientes de la historia de América Latina y la Guerra Sucia.
A Ana (Valentina Sierra) le duele la vida, no la alcanza a entender en su totalidad, quiere rastrear los secretos que su familia se llevó a la tumba y los convoca apoyada por su pareja (Leonardo Ortizgris) en una delirante cena navideña.
El color blanco de la escenografía contrasta con las pasiones que desatarán en un ir y venir en el tiempo, que en ocasiones torna un poco confusa la obra.
En escena Sergio Bonilla, Pedro de Tavira, José Carlos Rodríguez, Regina Flores Ribot y una brillante Gabriela Murray, como la madre neurótica, al tiempo que una tierna mujer.
"Ex... ya no es lo que era" plantea las contradicciones existenciales, y el cómo nunca terminamos de apresar la esencia del otro.

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"PARAÍSO" Y "VOLANDO BAJO" A DVD

Como por lo general las películas mexicanas tienen una breve corrida comercial, es muy bueno que en forma rápida sean llevadas a DVD, como es el caso de "Paraíso", la segunda película de Mariana Chenillo y "Volando bajo", el filme de Beto Gómez, ambos bajo el sello de ZIMA.
"Paraíso" es una comedia comercial de corte romántico que gira en torno a las peripecias de una pareja con sobrepeso, que ven impactada su armónica relación de pareja en el momento de enfrentarse a un inhóspito D.F. y cuando sus vidas toman caminos opuestos.
Un humor agridulce preside esta cinta de la también directora de "Cinco días sin Nora", quien va entretejiendo una historia donde destaca la mirada amorosa a sus personajes. Una breve intervención de Luis Gerardo Méndez como el dietista es un plus; así como la entrañable actuación de Daniela Rincón la protagonista, bien acompañada por Andrés Almeida.
Mientras que "Volando bajo", es de nueva cuenta la búsqueda de Beto Pérez por rescatar mitos de la cultura popular, si en "Puños rosas" (2005) se introducía en el mundo del boxeo; en "Volando bajo" es mostrar la penetración de dos ídolos de la canción "Los jilgueros del Rosario" en las grandes masas del público.
Él retrata puntual la genésis y desaparción de un dueto musical, quien en Gerardo Taracena, en su primer protagónico cinematográfico tiene un gran intérprete.
Con una serie de flash backs se va construyendo una cinta que nos recuerda el cine mexicano de los 50 y nos habla de la gran necesidad de la aceptación que tiene todo artista, donde poco importa su origen.
Asimismo Gómez introduce momentos de falso documental que dan una mayor credibilidad a lo que propone en su filme.
Tanto "Paraíso" y "Volando bajo" en DVD nos muestran que en el actual cine mexicano hay búsqueda y talento.

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WADJI MOUAWAD: MEMORIOSO

Wadji Mouawad es un dramaturgo de origen libanés, nacido en 1968 y quien gracias a Hugo Arrevillaga ha sido dado a conocer en nuestro país con su teatralogía "La sangre de las promesas" ("Litoral", "Incendios", "Bosques" y "Cielos"). Por primera vez visita nuestro país y presentó dos emotivas funciones de su monólogo "Seuls" ("Sólos", el cual se publicó por primera vez en 2008). Ambas funciones fueron en el Teatro de la Ciudad.
Un escenario casi tan deshabitado como el alma de Harwan (una especie de alter ego de Mouawad, quien escribió el texto, lo actúa y se autodirige) , en un afán de saldar cuentas con su pasado y con su padre moribundo, donde fueron demasiado altas las cuotas de incomunicación.
Huír de un Líbano incendiario, vivir en exilio en Quebec desde 1983, Harwan afanoso busca afanoso busca terminar su tesis sobre el dramaturgo Robert Lepage, que nunca tiene tiempo para hablar con el doctorando.
Lluvia de palabras, preguntas sin retorno; recordar al Líbano y el territorio de los sueños perdidos en la trastienda de la memoria; Reproches y recuerdos se reflejan en el diálogo entre padre e hijo, éste inspirado en 2 cuadros de su admirado Rembrandt "El hijo pródigo" y "El sacrificio de Abraham por Isaac".
Mouawad/Harwan es el binomio del artista no comprendido, así como el hacedor de imágenes entre un yo disímil a la realidad que lo rodea.
También deja entrever decepciones que le ha traído la vida, y al hallar el amasijo de sus voces interiores será capaz de flotar en una realidad multicolor. De ver cielos verdes con estrellas rosadas, vislumbrará su alma creativa como respuesta a su soledad y  orfandad emocional.
El escuchar "Una furtiva lágrima" de Donizzetti transporta al espectador a la interioridad de un Harwan que siempre está dispuesto a renacer.

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"SUEÑO DE INVIERNO": PORTENTOSO POEMA VISUAL

Rodeados de nieve y la agreste estepa de Anatolia, transcurre "Sueño de invierno" (2014), un portentoso poema visual del cineasta turco Nuri Bilge Ceylan, a quien con merecida razón le fue otorgada la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes, una de las películas de la 57a Muestra Internacional de Cine de Cineteca Nacional.
El cineasta de "Lejano" y "Tres monos", entrega un largometraje presidido por la melancolía y la incomunicación, hilos conductores de un discurso un tanto chejoviano.
Sus personajes Aydin (en la imagen, el gran actor Haluk Bilginen), caracteriza a un actor retirado, que tras haber dejado la escena, toma a su vida cotidiana, como un gran teatro, una cosa es lo que dice y otra la que siente.
Él se encuentra acompañado por su joven y bella esposa, una mujer un tanto egoísta, de la cual se encuentra distanciado, así como de su hermana divorciada, una mujer monotemática, quien no encuentra un lugar de acomodo en el mundo. Los tres viven en un hotel, acompañados por Ismail, el más vivaz de los personajes, quien toma la vida como viene, sin detenerse a hacer mayor reflexión filosófica sobre la misma.
En dicho hotel, en la estepa, lejanos de la civilización, los días transcurren lentamente; y Aydin se cuestiona una y otra vez sobre la existencia y sus recovecos más oscuros.
Las suaves notas de la "Sonata 20" de Schubert remarcan los momentos más desoladores de "Sueño de invierno", varias de sus escenas parecieran ser extraídas de la saudade dibujada por Fernando Pessoa.
Es un filme muy bello, con varios planos que parecen ser extraídos de la paleta de un pintor, un conjunto de vidas venidas a menos, iluminadas, apenas por un rayo tenue de luz.

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"¿SIGUIENTE PACIENTE?: ÁCIDA COMEDIA DE ENREDOS

En ocasiones, también hay que ir al teatro, a pasar un buen rato, a reírse y olvidarse de la pesada rutina cotidiana, así lo entiende Juan Carlos Vives al entregarnos la ácida comedia "¿Siguiente paciente?", que se estrenó el pasado 12 de noviembre en el Círculo Teatral.
Vives es también el responsable de una funcional puesta en escena donde un quinteto de personajes se sumergen en la par de confusiones en el consultorio de un ginécologo (Juan  Ríos), todos ellos comandados por la graciosa enfermera (Gloria Andrade).
Es así como a lo largo de 80 minutos veremos interactuar a la firme y afligida  Alicia Mondragón(con una buena interpretación de Guadalupe Damián) quien se encuentra a su ex novio Gerardo Blanco (con una deliciosa interpretación de Pedro Mira), quien a su vez es esposo de una de las pacientes Ivonne de Blanco (Thania Paulinni).
Y no ya no sigo contando de los hilos que se enredan y desenredan, porque en una nota no hay que vender la trama. Estamos ante un divertimento que nos remite a las bajas pasiones humanas, y a ese afán por herir al otro, cuando una o uno se encuentra vulnerable.
"¿Siguiente paciente?" constata lo alguna vez apuntado por Julio Cortázar: "La risa cava túneles más profundos que las lágrimas".
Estamos a un divertimento bien dirigido y actuado con una producción de pocos recursos pero donde la creatividad va en primer lugar.

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"BIRDMAN": UN ACTOR BUSCA RECONSTRUIRSE

Tras haber sido la película inaugural del 71 Festival Internacional de Cine de Venecia y del 12 Festival Internacional del Cine de Morelia, llega a su corrida comercial, la tan esperada cinta de Alejandro González Iñárritu: "Birdman: o la inesperada virtud de la ignorancia", cinta producida en los Estados Unidos, donde con el gran Emmanuel Lubeski, tiene un gran cómplice en una fotografía impecable que realizan la proeza casi de utilizar un plano secuencia a lo largo del filme, o una acción continua que se torna trepidante en una comedia de humor muy negro donde un actor en plena decadencia trata de reconstruirse a sí mismo: hace una veintena de años fue el protagonista exitoso de la saga de un súper héroe, ahora busca recolocarse como un gran intérprete en Broadway adaptando el ácido texto de Raymond Carver: "De qué hablamos cuando hablamos de amor".
Michael Keaton es el protagonista de "Birdman" él le da vida a Riggan Thompson, un hombre inseguro, un tanto esquizoide puesto que escucha una y otra vez a su alter ego para dejarse conducir, no siempre con paso firme. Un looser que busca volver a brillar y a volar muy alto.
"Birdman" que cuenta con un guión delirante de la propia autoría de González Iñárritu, en colaboración con Nicolás Giocobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo, también nos traslada ante la competitividad que se da entre los actores, Thompson versus Mike (estupendo Edward Norton), las inseguridades de una actriz (Naomí Watts), o él como un frenético productor de teatro se afana en seguir con un proyecto, pese a todos los problemas que se antepongan en el camino.
El sonido de una batería, remarca los momentos más álgidos del filme, en una música compuesta por Antonio Sánchez. Cabe destacar el especial lucimiento de la joven actriz Emma Stone como Sam, la hija de Thompson; lo mismo que el cuestionamiento que es arte y que se limita a ser entretenimiento para las masas.
Pese a su débil final, "Birdman" es una película brillante, donde Alejandro González Iñárritu deja las cintas de historias entrecruzadas como: "Amores perros", "Babel" o "Biutiful" para brindarnos un enloquecedor trabajo fílmico que reitera su talento.
P.D. Tuve la oportunidad de ver esta cinta en Cinépolis, donde días antes vi "Las nubes de María" de Oliver Assayas, que bien tiene momentos muy bellos y líricos, no logra penetrar como "Birdman" en el mundo interior de un intérprete.

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"PETUNIA SOLA Y ABANDONADA EN UN RESTAURANTE FAMOSO"

César Enríquez es un artista en todo el sentido de la palabra del teatro cabaret, tras espectáculos como "Disertaciones de la chingada", él se encuentra en la actualidad presentando el show "Petunia sola y abandonada en un restaurante famoso" en el Foro A Poco No" de viernes a sábado.
Estamos ante una breve comedia musical que es el monólogo de una mesera gordita, pero no se acompleja por ello, muy sola y sumamente trabajadora, que ha sufrido más de un desengaño y maltrato, pero sin embargo ella busca mantenerse de pie, y salir adelante.
Con dramaturgia del propio Enríquez en colaboración con Gustavo Proal se despliega este espéctaculo que también hace una crítica a los malos gobernantes, a los asesinatos injustos y al bullying que puede surgir en cualquier trabajo.
Petunia (caracterizada por César Enríquez) es tierna y simpática y hace las delicias del espectador, al sumergirlo en una historia real llena de encanto y de tristeza a un mismo tiempo.
Se presentará hasta finales de este mes de noviembre.

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"UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS": ENTRE SIMULACROS Y CERTEZAS MÍNIMAS

Se vive dentro de la órbita de los ritos cotidianos, entre la sumisión y la rebelión , se establecen una serie de juegos un tanto macabros para lograr sobrevivir la opacidad de la vida. Ello nos queda planteado en la obra "Una luna para los malnacidos" del dramaturgo norteamericano Eugene O Neil, que por primera vez se lleva a escena en México en el ciclo"Los grandes dramaturgos del siglo XX". La traducción de Humberto Pérez Mortera tiene especialmente vuelos líricos en el segundo acto, el más estremecedor.
La desesperanza recorre esta obra dirigida por Mario Espinosa quien le imprime un tono contenido a la interacción entre un padre decrépito y alcohólico (un correcto Patricio Castillo) y su hija Jossie (con una interpretación sobresaliente de Karina Gidi). Padre e hija se odian y se aman a un mismo tiempo, y el escenario es una granja tan erosionada como su propia alma.
Se suman en este aquelarre emocional de simulacros y certezas mínimas  T. S. Haiden (José Juan Sánchez), un personaje incidental y James Tyron (con una buena actuación de Rodolfo Arias), un hombre destructivo, muerto en vida a quien Jossie ama, y lo apoyará en su redención.
Gloria Carrasco es la artífice de una sugerente escenografía, a base de hojas secas y un árbol, en tanto la iluminación diseñada por Ángel Ancona acentúa la angustia que se vive en escena.
"Una luna para los malnacidos" se presentará hasta la primer semana de diciembre en el Foro Sor Juana del Centro Cultural Universitario. Es un gran retrato de seres vulnerables y su lucha por sobrevivir.

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"SIN ATISBO DE REVELACIÓN"

SIN ATISBO DE REVELACIÓN
No hubo un acto precautorio
posible:
Tocaste las puertas del infierno
tu cuerpo fue trastocado
por una materia incandescente.
Se desvaneció esa frágil frontera
que aísla la locura
del torrente de la razón.
No supiste cuando sucedió.
Fue una fecha que se evaporó
en tu bitácora existencial
presidida por el caudal
de olvidos imprudentes.
Sin sentirlo
te sumergiste en un thriller
donde te transfiguraste
en una casi invisible sombra.
No hubo hora ni señal
simplemente sucedió
imperaron las rugosidades
de un azar que sin saberlo
desvío su ruta.
Sentiste estallar
las texturas de tu cerebro,
se confundieron:
te convertiste
en una exiliada de tu cuerpo.
Día sin fecha
ni ubicación
en un mapa palpable.
Día de severas indecisiones:
Triunfó la mansedumbre
del dolor.
Fuera de tu centro,
fuiste traspasada
por el bisturí
de las no certezas.
Deletrear tu nombre
se convirtió en una
tarea fatigosa,
reconocer tu condición
de mujer fragmentada
fue uno de tus fracasos.
Fuiste vencida,
arrasada por un remolino
de fuerza centrífuga
que te condujo a los subsuelos
de tu ser
y no hallaste
más que una gran oquedad
la de una paria del mundo
desterrada
de un equilibrio emocional
que se pulverizó ante el azoro
del mediodía.
Todo atisbo de revelación
desapareció:
quedaste sepultada
entre
la ventisca insidiosa.
¿Y dónde quedó la memoria?
¿Hacia dónde surcaron
tus sueños más íntimos?
¿Habría algún camino
de retorno?
¿Cómo recobrar las dimensiones
de la transparencia?
Descender sin señales,
perderse
a la mitad del caos,
navegar por mares
desconocidos,
naufragar sin dar alcance
a una isla guía
a un puerto salvador.
Tembló el cielo:
tú no lo percibiste
te llamaban por tu nombre
y tú no escuchabas.
Largo cabalgar
hacia una tierra sin nombre,
largo recular
por los misterios
casi imperceptibles de la nada.
Fuiste incapaz
de desmontar tu status
de mujer enloquecida
al ser envuelta
por la intemperie de tu mente.
¿Cómo volver a ser
la artífice?
Un grito fiero
se enreda en 
la cartografía de tu cuerpo;
un grito fiero enmudece
en la cavidad de tu boca
y tú oscilas
entre la desesperanza
y la tenue posibilidad
de salvarte al impregnarte
de la fuerza de la luz.
                 Perla Schwartz, octubre 2014

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"TRANCE": UNA MUJER Y SU AFÁN DE RECONSTRUCCIÓN

Un escenario casi vacío, tan sólo una mesa, con una ensaladera, algunos vegetales y un cuchillo, al lado una silla negra y una mujer que comienza a monologar, primeramente de temas de la cotidianeidad, para después internarse en su negro pasado, donde da a entender que fue objeto de trata de blancas y violación, evento traumático que no ha logrado superar y que le cercena el alma.
Así se presenta "Trance", obra escrita y dirigida por Silvia Peláez, teniendo en Carmen Ramos a una gran intérprete quien logra traspasar la piel de Tessa, una mujer que a pesar de tener 7 años de casada, se siente muy sola e impotente para lograr establecerse en una vida normal; el vino es su válvula de escape que la aletarga para que su dolor existencial se aminore.
Ella habla frente a una pequeña cámara de video; sus palabras se le enredan, su pensamiento va más rápido que su capacidad de habla.
La dirección escénica es sencilla pero va acorde a los requerimentos del texto,una sobria iluminación de Xochitl González es el complemento.
A lo largo de una hora los espectadores se enfrentan a una mujer y sus necesidad de reconstrucción, superar el trance donde se siente inmersa, reconstruir su alma erosionada y lograr salir adelante. Así como su profesión es chef, ella ansía hallar los mejores ingredientes para curarse y salir a flote.
"Trance" es una obra conmovedora que nos enfrenta a la necesidad del resurgimiento. Aún le restan tres funciones, el 10, 17 y 24 de noviembre a las 20:30 horas en el Foro El Bicho.

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DE CUBA LLEGA "CONDUCTA" A LA 57a MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Toda una revelación resultó ser la película cubana "Conducta" (2014), segundo largometraje de Ernesto Daranas el cual centra su historia en una escuela en La Habana donde prevalece una anquilosada burocracia, donde los cambios son difíciles,puesto que pesa más la inercia. Y como centro una relación entrañable que se establece entre Chala (muy buena actuación de Armando Valdés Freire) con su maestra Carmela (Alina Rodríguez), de hecho ambos son el eje rector de este conmovedor melodrama.
Chala de escasos 11 años de edad tiene una vida difícil, vive con su madre drogadicta y para lograr el sustento económico de su hogar debe de entrenar a perros de pelea. Él es arisco y rebelde, será la maestra Carmela quien logre comprenderlo y darle cariño.
"Conducta" bien filmada, con sencillos planos cinematográficos nos coloca en los problemas de la escolaridad,cuando prevalecen más los intereses personales que la necesidad de educar.
La fotografía en color de Alejandro Pérez es el marco para un filme sencillo nada pretencioso que forma parte de la programación de la 57a Muestra Internacional de Cine de Cineteca Nacional, al lado de otros títulos como "Campo de estrellas" de Cronenberg, "Relatos salvajes" de Damián Szifrón, "Gueros" de Alonso Ruizpalacios y "Mommy" de Xavier Dolan, entre otros.

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LO MEJOR DEL FESTIVAL DE CINE DE MORELIA EN CINÉPOLIS

Como ya es costumbre cada año, lo mejor del Festival Internacional de Cine de Morelia, llega a Cinépolis,son 4 las sedes donde se están proyectando trabajos fílmicos destacados: Diana, Plaza Carso, Plaza Universidad y Perisur. Es así como se podrán ver entre otras películas: "El hombre más buscado" de Anton Corbijn, la última actuación de Philip Seymour Hoffman, un atractivo thriller en torno a la unidad de espionaje de inteligencia alemana y el cómo reaccionan con la llegada de un inmigrante ilegal; "Birdman", la mulipremiada cinta de Alejandro González Iñárritu quien presenta una comedia de humor negro en torno a un actor decadente y sus ansías por recuperarse a sí mismo, el protagonista es Michael Keaton.
Asimismo, se proyectará "Sueño de invierno", el estilizado filme de Nuri Bilge Ceylán sobre lo que sucede en un hotel perdido en la inhóspita estepa de Anatolia. "Respira" de Melanie Laurent es un drama de adolescencia que remite a la difícil transición de vida, mientras que "Leviathán" del ruso  Andrey Zvyagimtsev  reelabora la historia de Job a la Rusia actual.
Mientras que el veterano Wim Wenders presenta un bello documental, filmado en Brasil "Sal de la tierra" sobre un fotógrafo que capta los virajes de la humanidad.
También se podrá ver "La teoría de tod" del inglés James Marsh en torno a Stephen Hawking, su vida marital y sus importantes hallazgos científicos, el argentino Damián Szifrón presenta "Relatos salvajes", una perspectiva un tanto sombría del mundo globalizado y su exceso de violencia.
En lo mejor del Festival de Cine de Morelia, también fueron programados los filmes mexicanos premiados como son: "Gueros" de Alonso Ruizpalacios, "Matria", un documental aguerridos y los cortometrajes.
Las proyecciones serán hasta el próximo 5 de noviembre.

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"EL ÚLTIMO DE LA BOLA", PRIMER CORTOMETRAJE PRODUCIDO POR CONTRABAJO FILMS

Fue en 2011 en que se fundó la casa productora Contrabajo Films y este 2014 lanzan su primer cortometraje producido "El último de la bola", dirigido por Tony Macías, escrito por Enoc Leaño-en la imagen-, quien también actúa y producido por Idalia Figueroa; ellos tres son los socios de este naciente proyecto que busca afanoso el posesionarse en el cine nacional.
Este cortometraje que ya se presentó en el Festival de Cannes en el Short Film Corner, tiene como protagonista a Roberto Sosa, padre quien interpreta a un revolucionario, que formó parte del ejército villista, actuación creíble, retazo de la historia de México que ganó una mención honorífica en el SAMO INDIE.
Por ahora "El último de la bola" se continúa presentando en diversos festivales nacionales e internacionales. Contrabajo films tiene otros proyectos, la filmación de tres nuevos cortometrajes: "Los lilos", "El escribidor" y "Los parquistas", así como el inicio de la filmación en diciembre próximo del largometraje de ficción "La última neurona" con guión de Enoc Leaño y la dirección de Efrén Gutiérrez.
Asimismo, se está proyectando una serie de televisión en torno a la Decena Trágica y están buscando financiamiento para poder rodar en 2015 el largometraje "Jeremías 33.3".
Contrabajo films busca la calidad en cada uno de sus proyectos audiovisuales, para ello se han unido tres personas muy creativas como Enoc Leaño, egresado del Cut de la UNAM con más de 20 años de experiencia como actor profesional, especialmente recordado en cine por su participación en "Colosio" y en "Rudo y Cursi".
En tanto, Idalia Figueroa es oriunda de Sonora y la vimos en "7 soles"; mientras que Tony Macías egresado de la Universidad Iberoamericana, ha dirigido varias campañas publicitarias y realizado videos institucionales.

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"ELSA Y FRED": REMAKE DE LA PELÍCULA DE CARNEVALE

En 2005, Marcos Carnevale realizó una tierna comedia romántica en torno a un inesperado amor senil, protagonizada por una inolvidable China Zorrilla y el actor español Manuel Alexandre, ambos ya desaparecidos. Poco más de 10 años después Hollywood realiza un remake de "Elsa y Fred", ahora la acción dramática se traslada a Nueva Orleans, y la dirección le fue encargada a Michael Radford, ("El cartero"), que si bien da un trabajo fílmico digno, no llega a tener la chispa de la cinta en que se basó.
A su favor tiene que es protagonizada por dos grandes actores, Chsitopher Plummer, que está delicioso como un Fred, irónico y caústico y Shirley Mc Claine, que si bien está graciosa no logra superar a China Zorrilla.
Estamos ante un melodrama que hace hincapié en la soledad de las personas de la tercera edad, quienes deben de inventarse más de una nueva estrategia para superar el tedio y la monotonía, para Fred será todo un hallazgo conocer a su imaginativa vecina Elsa, quien le inocula el entusiasmo vital.
Elsa tiene el gran sueño de viajar a Italia y sumergirse en la Fuente de Trevi como hicieran Anita Ekberg y Marcello Mastroianni en "La dolce vita", Fred le cumplirá su sueño.
Un ritmo ágil preside esta película, que a pesar de su buena factura era innecesaria por la redondez de su predecesora. Una vez más queda patente la falta de imaginación de los guionistas hollywoodenses para generar nuevas historias.

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"ROSA MEXICANO": UN PESADILLESCO CUENTO DE HADAS

Un humor corrosivo e impío preside la dramaturgia de Luis Ayhllón en la obra "Rosa mexicano" que busca ser una fuerte crítica al Star System de la televisión mexicana, y al mismo tiempo el cómo una serie de ilusiones rosáceas desembocan en un laberinto pesadillesco, digno de las autorías de Dante o Franz Kafka. Flor (la joven Gimena Gómez) es la protagonista de una historia de la cual no podrá prever su desenlace, conocer y platicar con su actor admirado le costará muy caro.
Ayhllón le hace guiños al imaginario del cineasta David Lynch, en cuanto a su discurso fragmentario y el juego con máscaras de animales, que el realizador uitlizó en su película "El imperio". La dramaturgia de "Rosa mexicano" se presenta como un modelo para armar; entre la televisora, el bosque impenetrable, la casa de la madre posesiva y la ciudad en abstracto.
Actúan en diversos papeles, Rodrigo Virago y Francisco Cardoso, así como la gran actriz Aída López, indudablemente por su experiencia y talento la mejor del conjunto.
La dirección certera es de Martín Acosta, que encuentra su buen complemento con la sencilla escenografía de Julia Reyes Retana y la iluminación de Matías Gorlero.
"Rosa mexicano" es una obra que perturba por el manejo del lenguaje y la incertidumbre de lo que vendrá después hasta el hada que caracteriza Aída López es macabra y Flor el personaje más inocente terminará sometida ante la crueldad del universo.
El 9 de noviembre, "Rosa mexicano" termina temporada en el Teatro El Galeón.

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"LAS HERIDAS DEL VIENTO", SE DEVELAN MISTERIOS DOLOROSOS

No siempre conocemos a las personas en su esencia íntima, las apariencias engañan, cada ser humano guarda secretos que se encuentran albergados en lo más profundo de sí mismo. De ello da constancia la obra "Las heridas del viento" del dramaturgo español Juan Carlos Rubio, que se presenta los martes a las 20:30 horas en el Círculo Teatral, en la colonia Condesa hasta mediados del próximo mes de diciembre.
Dos personajes se confrontan el hijo de un hombre recién fallecido (Javier Olguín), quien alterna funciones con Allan Flores y un hombre de edad madura, decepcionado por la vida, quien supo amar intensamente (un estupendo Antonio Algarra).
Unas cartas un tanto amarillentas son las que develerán el misterio, y en algún momento de la obra dirá uno de los personajes: "Siempre me ha sorprendido el interés de las personas por conocer a los demás en una faceta distinta a la que nos presentan... Todos tenemos derecho a guardar una buena ración de misterio."
Una escenografía minimalista preside este montaje, semeja un muelle para remitir al espectador a un inminente naufragio. El joven y el hombre maduro terminarán por comprenderse el uno al otro, a partir de una mirada.
Luly Rede es la autora de una dirección sensible, donde fragmentos de música melancólica dan mayor realce a la acción dramática.
"Las heridas del viento" cuenta con un lenguaje poético habitado por las metáforas y nos permite corrobar en el presente montaje que la sencillez y la desnudez en escena, donde se da mayor peso al trabajo interpretativo bien valen la pena.

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"COROLIANO":ENTRE LA LUCHA DEL PODER Y EL SACRIFICIO

Este 2014 se celebraron los 450 años de William Shakespeare (1564-1616), sin lugar a dudas una de las cimas de la dramaturgia de todos los tiempos, quién no recuerda su fantasía de "Sueño de una noche de verano", lo mismo que su gran tratado de los celos en "Otelo", o esa gran tragedia de la vejez que es "El rey Lear" o las dudas existenciales de un titubeante "Hamlet", por mencionar tan sólo cuatro de sus obras.
La Compañía Nacional de Teatro tuvo a bien montar la trilogía Coroliano, la primera de ellas con el texto del propio Cisne de Avon, la segunda la adaptación que hiciera Bertold Brecht y una tercera en base al imaginario de Gunter Grass.
David Olguín es el director del montaje de "Coroliano" de Shakespeare, que la semana pasada ofreció 4 funciones en el teatro Julio Jiménez Rueda, es una tragedia escrita en 5 actos, traducida por Otto Minera. La puesta en escena dura 3 horas con 20 minutos y tiene como ejes temáticos: La política, el poder, la guerra y el hambre.
El argumento se resume en Cayo Marcio (Juan Carlos Remolina) un general romano quien tras abatir la población de Corioli es llamado "Coroliano", él sigue avanzando para salvar a su pueblo de la miseria y hambre que padece, y su madre (en la imagen Julieta Egurrola, gran interpretación) y su atribulada mujer Virgilia (Erica de la Llave) le piden que salve a la ciudad. Coroliano tendrá un trágico fin.
La obra más política y menos lírica de Shakespeare cuenta con una funcional escenografía de Jorge Ballina, a base de dos paredes móviles que se van moviendo para dar diversos espacios y tiempos de la acción teatral.
Además de los actores mencionados, participa elenco estable de la CNT, donde destacan Óscar Nárvaez, Diego Jaurégui, Enrique Arreola, Emma DIb y Rodrigo Vázquez, entre otros.
"Coroliano" es un lamento estridente en torno de la injusticia social y la necesidad de una auténtica democracia. Es tan actual como al momento de haber sido escrita. Tendrá de nueva cuenta funciones en el Jiménez Rueda, del 13 al 16 de noviembre de este año.

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"PALABRAS DE AMOR EN ALEMÁN". DE LA MIGRACIÓN Y SUS CONTORNOS

""Palabras de amor en alemán" es una obra escrita y dirigida por Gilberto Guerrero, que aborda de una manera lírica el tema de la migración. Cuatro personajes en escena dan cuenta del porque se vieron en la necesidad de cambiar de país y cuales son sus expectativas de su nueva vida.Lucía (Ana Luisa Alfaro e la imagen) es la mujer que los acoge amorosamente en una casona de Alemania, tal vez por su temor de terminar totalmente sola, o quizás por seguir teniendo cierto nexo con México, su país natal.Es así como el espectador conocerá a Guadalupe (Karen  Daneida) quien emigró por cuestiones económicas y por poder ayudar a su familia; a Abel (Abel Ignacio Hernández) un joven estudiante quien busca expander sus horizontes universitarios.  Y finalmente a la bella Lucía (Abril Pinedo) quien se muda de país, al haberse enamorado de un alemán, pero al paso del tiempo se da cuenta que no todo es lo que parece. Los cuatro mexicanos unidos por el azar, se dan calor humano para sobrevivir en un espacio ajeno al suyo propio.La obra en ningún momento se torna panfletaria y su mayor acierto es jugar con los hilos de la memoria, que va en vaivén como las olas marinas."Palabras de amor en alemán" se presenta hasta el próximo 26 de octubre en el Teatro Benito Juárez, anteriormente tuvo una corta temporada en el Teatro El Milagro.

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"LA DICTADURA PERFECTA": Y TERMINA LA TETRALOGÍA

A Luis Estrada le gusta la farsa, la sátira como una herramienta para criticar la situación que vive un México cada vez más resquebrajado; de ello dejo constancia desde su filme "La ley de Herodes", primera parte de una tetralogía que hoy culmina con "La dictadura perfecta", película que contenderá para buscar su nominación a mejor película iberoamericana en los Premios Goya.
La frase del título del filme pertenece a Mario Vargas Llosa, quien hace algunos años así definió a México.
Con un guión del propio Luis Estrada en colaboración con Pablo Sampietro se despliega una cinta que tiene dos vertientes temáticas, por un lado la manipulación de la información por parte de la televisora local, el punto alto de la trama y por la otra, la corrupción de un gobernador de poca monta Carmelo Vargas (caracterizado por Damián Álcazar el actor fetiche del director).
Con casi dos horas y media de metraje se desarrolla "La dictadura perfecta", que si bien tiene buen ritmo, no profundiza en su crítica al gobierno y tampoco presenta situaciones realmente hilarantes.
De lo más destacable de este reparto multiestelar están las actuaciones de Oswaldo Benavides como el reportero estrella, de Saúl Lisazo como el comentarista televisivo, una breve participación de Joaquín Cosío como el diputado de la oposición y de una sutil Silvia Navarro.
Para quien esto escribe "La dictadura perfecta" es una película mediana, que si bien muestra el oficio de Luis Estrada, se queda en la epidermis de los problemas que muestra.

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"LOS NIÑOS DEL CURA": FOMENTAR LA NATALIDAD A TODA COSTA

Un incisivo humor negro es el que preside a la película "Los niños del cura" (Croacia, Serbia, 2013) dirigida por Vinko Bresan, con un guión de su autoría en colaboración con Mate Matisic.
Fabjan (Kresimir Mikic) es un joven cura idealista que llega a trabajar a una pequeña isla dalmata. Él se sorprende que es mayor el número de las muertes que los natalicios por lo que decide poner en acción, una sui generis campaña, pincha los preservativos para aumentar los natalicios.
Lo hace en complicidad  con Petar (Nikia Butijeri), un afable dueño de un kiosco de revistas. Con un ritmo trepidante transcurre este filme que formó parte de la programación del 34 Foro Internacional de Cineteca Nacional, en esta sátira se critica de modo acre a instituciones sumamente atrasadas en algunos de sus preceptos como la iglesia.
Asimismo hay apuntes en torno a la pederastia y el abuso a menores.Ridiculizar es el centro de un filme realizado con oficio por  Bresan y que hace las delicias de un espectador que busca una comedia ligera y crítica.

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"HUÉRFANOS"<. DE LA DESPROTECCIÓN Y LA SOLEDAD

"Huérfanos" es una obra escrita por el dramaturgo y actor norteamericano Lyle Kessler, que data de 1983 y que ahora ha sido llevada a escena por el actor Hernán Mendoza, marcando su debut como director en el Teatro Milán. 
Estamos ante una obra que entremezcla el drama con algunos tintes de comedia, y que nos habla de la desprotección y la soledad de los seres humanos que se encuentran desarraigados y que sucumben en un túnel oscuro sin salida.
"Huérfanos" (trasladada a la realidad mexicana) narra la historia de dos hermanos un agresivo Tomás (Mauricio Arguelles, a quien le falta un poco de soltura) y del tierno Felipe (César Rodríguez), un ser inocente que es cuidado por su hermano mayor y quien no puede desprenderse del recuerdo de su madre.  Él pasa la mayor parte del tiempo, en un departamento que está maltratado y a la mano de Dios.
El tercer personaje en pugna es Héctor (con muy buena caracterización de Hernán Mendoza), un hombre ambiguo, quien al entrecruzarse con la vida de Tomás buscará erigirse en un guía espiritual, su presencia en escena hace que la obra tome mayor aliento.
La dirección de Mendoza es pulcra y uno de sus hallazgos es terminar las escenas, con una especie de congelamiento de los movimientos, como si se tratase de una instántanea fotográfica lo que da más fuerza al desarrollo de la historia.
Sobre la obra comenta Hernán Mendoza en el programa de mano: "Esta extraordinaria obra me hizo reflexionar que muchos de nosotros somos huérfanos, aún teniendo mami y papi... Y que algunos también somos "niños de la calle" aún teniendo techo y comida".
"Huérfanos"se presentará hasta mediados de diciembre en el Teatro Milán, con funciones de viernes a domingo.

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XI MUESTRA INTERNACIONAL DE MUJERES EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN

Ya son once años que se lleva a cabo la Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión, que es un escaparate para trabajos fílmicos realizados por cineastas de México y el mundo. En este 2014, la muestra que ayer jueves 9 de octubre se inauguró en Cineteca Nacional cuenta en su programación con varios documentales y cortometrajes que permiten ver el cómo la mujer se ha ido posesionando en la realización cinematográfica. La muestra fue inaugurada con el primer corto dirigido por la actriz Giovanna Zacarías intitulado "Ramona" teñido por un dejo de humor negro y que fue el último trabajo de la recientemente desaparecida Columba Domínguez; asimismo se exhibió el documental "Aquí es muy lejos" de la brasileña Eliza Capai que narra un viaje por diversos países de África donde se ocupa de retratar la situación de varias mujeres de dichas entidades.
Dentro de la programación de la XI Muestra podremos ver: "El arte en rosa: Maris Bustamante", un cortometraje documental de Sachiko Uzeta donde se valora el papel del grupo "Polvo de gallina negra", de los primeros de carácter feminista en nuestro país.
El intenso documental de Shula Erenberg "Rosario" en torno a la activista que ha sido incansable en lucha por la defensa de los derechos humanos; en tanto Luisa Riley presenta un documental "Javier Sicilia en la soledad del otro" que es una crónica en torno al México en  resistencia.
Asimismo se estrena el documental de Maricarmen de Lara sobre Alaide Foppa, una precursora feminista quien desapareció en su natal Guatemala, al partir a la búsqueda de su hijo. De Canadá veremos "Martha que viene del frío" de  Marquise Lepage, una lección de supervivencia en momentos críticos. Y por primera vez se verá en el Distrito Federal la ópera prima de ficción de  Catalina Aguilar Mastretta "Las horas contigo", una revaloración de la maternidad que se conecta con la muerte inminente de la abuela de la protagonista.
Uno de los platos fuertes es el estreno del documental "¡Qué caramba es la vida!" de Doris Dorrie sobre una mujer mariachi, que se proyectará el 23 de octubre a las 20 horas en el Instituto Goethe.
Finalmente cabe puntualizar que el espectro de los cortometrajes de ficción,documental, animación y videoarte es muy amplio, y los hay de diversos países como: Alemania, Brasil, Suiza, España, Argentina, Estados Unidos, Bosnia y Bélgica, entre otros países, y por supuesto México está incluido.
En suma, la XI Muestra de Mujeres en el Cine y la TV, es todo un banquete para degustar el imaginario femenino.

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"LE JOURNAL": UNA CONJUNCIÓN DE TÉCNICA CLOWN Y CINE MUDO"

Basta una banca y un parque para que la fantasía se desate; poco importa a que entidad o ciudad pertenece, porque es la creatividad junto con la frescura los principales elementos del espectáculo "Le journal" que se presenta los sábados a las 13 horas en el Foro Shakespeare. Artús Chávez es el director y autor de un montaje que tiene como ejes centrales la técnica clown así como elementos del cine mudo.
Tres mujeres son las que reúnen Madame Masha Mellow, una dama de la alta sociedad, va acompañada de su fiel asistente Matilde; ellas se encuentran casualmente con una vagabunda Mildred, que es aficionada en coleccionar periódico viejo. Las actrices son: Nohemí Espinosa, Cecilia Noreña y Jimena Saltiel, todas ellas realizan un gran trabajo.
La música original de Deborah Silberer le imprime al espectáculo, una gran alegría y ritmo. Imaginación, juego e improvisación se unen en una puesta en escena, donde los parlamentos son mínimos, puesto que el énfasis recae en la mímica y el lenguaje corporal.
La trama de "Le journal" es mínima, puesto que lo esencial es propíciar la aventura tanto para niños como para adultos que aún son capaces de rescatar la dosis de asombro que guardan.
Estamos ante un montaje muy profesional producido por Once Once Producciones.

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"CANTINFLAS": UN ESTUPENDO ÓSCAR JAENADA

Desde su primera película "El fantástico mundo de Juan Orol",Sebastián del Amo, había dejado constancia de su habilidad de recrear atmósferas y traer al presente épocas pasadas. Una vez más, esto se repite en su segundo filme "Cantinflas" (México, 2014), donde el diseño de arte y la puesta en escena son dos de sus principales virtudes.
El epicentro de "Cantinflas" es el estupendo actor catalán Óscar Jaenada quien da vida de modo muy creíble al binomio Mario Moreno/ Cantinflas; en ningún momento se nota su acento español, él es el alma de la película.
Estamos ante un biopic (película biográfica) que se centra en la preproducción y la filmación de "La vuelta al día en 80 días), excéntrico proyecto del productor Mike Todd, que buscaba con ello sacudir al Star System de Hollywood, trabajo que ganó 5 Premios Oscar y un Globo de Oro para Cantinflas como mejor comediante.
A partir de este hecho, se manejan varios flash backs en el guión escrito por Edu Tijerina y el propio del Amo, siendo uno de los más significativos cuando Mario Moreno en una de sus actuaciones en la carpa es bautizado como "Cantinflas".
Asimismo hay algunos episodios de su relación con Valentina Ivanova (Ilse Salas), su esposa, con la que nunca pudo tener descendientes.
Sebastián del Amo presenta al hombre mito, casi no relata nada de su vida personal, pero si deja en claro el cómo Mario Moreno se posesionó de la comicidad y el modo en que ganó popularidad, siendo sus filmes sumamente taquilleros.
El filme es ameno, tiene buen ritmo y un reparto multiestelar donde participan Luis Gerardo Méndez, Ximena González Rubio, Rodrigo Murray, Bárbara Mori y Jorge Zárate, entre otros.
"Cantinflas" es candidata para representar a México en los próximos premios Goya y es de desearse que abra camino para que se filmen nuevas cintas en torno al cine y sus grandes figuras.

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"CLAUSURA DEL AMOR": LA DESTRUCCIÓN DE UNA PASIÓN

Y de repente, el amor se acaba se torna polvo imperceptible; de repente el amor deja de lanzar su fuerte llama para transformarse en cenizas que se las lleva la fiereza del viento. Una pareja se despide con fuertes reclamos en "Clausura del amor", un estupendo texto del dramaturgo francés Pascal Rambert, con una traducción sonora y lírica a cargo de Humberto Pérez Mortera.
Hugo Arrevillaga es el responsable de un montaje sensible, que apuesta por el escenario vacío y el duelo verbal que se establece entre dos que algún día se amaron con intensidad; además del lenguaje corporal de los dos personajes.En primer instancia habla el hombre (Antón Araiza) quien transluce como sus sueños se derrumbaron y ya no tolera ver a su compañera, que en alguna vez fue parte intrínseca de su ser; ella le escucha mostrando rabia e impotencia.
Él hace alusión de cuando la vida se asemejaba a una canasta de fresas (clara referencia metafórica al filme "Fresas salvajes" de Ingmar Bergman). Él decide seguir su camino al no poder recobrar las riendas de su corazón desorbitado.
Turno seguido habla ella (Arcelia Ramírez) y le devuelve con agresividad sus palabras, se halla instalada en el desamor y no tiene mayor compasión a quien va a dejar de ser su pareja. Ella se muestra poderosa en su discurso y está dispuesta a salir adelante, aunque lo tenga que hacer sola y cuidando a sus tres hijos.
"Clausura del amor"  es una tragedia contemporánea, un montaje redondo que se agradece y que toca la sensibilidad del espectador. Se presenta jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas en el Teatro El Granero Xavier Rojas hasta el próximo 19 de octubre.

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CARMEN ALARDÍN :LA PALABRA LUMINOSA

Ella fue oriunda de Tamaulipas, pero hija adoptiva de Monterrey. Su nombre Carmen Alardín, (1933-2014) una vida dedicada a la poesía, su primer libro "El canto frágil" data de 1950. Perteneció a la generación de Jorge Cantú de la Garza y de Isabel Fraire.
Poeta prolífica, dueña de una palabra luminosa, donde entreteje lo clásico y lo moderno. En 1984 "La violencia del otoño" la hizo acreedora al Premio Xavier Villaurrutia. El año pasado fue editado su poemario "Para que las estrellas la recuerden".
Este año la Universidad de Nuevo León le publica en forma póstuma "La caída del ángel".
Un libro con poemas urbanos, claroscuros de una ciudad que se ama y se odia: "Para ti, mi ciudad debió ser triste/ renunciar a ser lago en la memoria/ para ser sólo bloque de concreto/ que se hunde sin rabia y sin motivo."
Un ritmo acompasado preside la pluma de Carmen, el tiempo siempre es insuficiente para elevar el canto, en una ciudad vampírica, ojerosa como la viera López Velarde.
"La caída del ángel" implica una lectura gozosa de una voz pura que entre el asfalto y las construcciones altas busca su lugar de acomodo.

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"¿QUIÉN LE TEME A VIRGINIA WOOLF?": SOBRE ODIOS PROFUNDOS

Edward Albee (1928) es uno de los dramaturgos norteamericanos que mayor fuerza tienen en su discurso dramático, recordemos "Historia del zoológico" o "Tres mujeres altas". De él con adaptación de Víctor Weinstock se ha vuelto a montar "¿Quién le teme a Virginia Woolf?" en el Foro Chapultepec. Esta obra fue estrenada en 1962 y llevada al cine por Mike Nichols en 1966 con las actuaciones de Richard Burton y Elizabeth Taylor.
Ahora el responsable de la puesta en escena es el talentoso director y dramaturgo argentino Daniel Veronese, quien logra un montaje ágil, donde el duelo verbal es el principal protagonista. Martha (una estupenda Blanca Guerra) es hija de un rector universitario, ella es frágil y vulnerable además de alcohólica; ella está casada con Jorge (Álvaro Guerrero) un hombre frustrado, quien es profesor de historia.
Ambos están casados y tienen una relación autodestructiva donde salen a flote una y otra vez, sus odios más profundos. Cierta noche tras una velada invitan a su departamento, a un joven matrimonio formado por un profesor de ciencias (un carismático Sergio Bonilla) y Linda su mujer (Adriana Llabrés, la actriz más débil del elenco).
La velada se convierte en una serie de desajustes emocionales, nadie se libra al enfrentar las laberínticas relaciones interpersonales.
"¿Quién le teme a Virginia Woolf?" es una gran obra teatral, y se agradece que se halla vuelto a montar tras tanto tiempo. La temporada finaliza este septiembre.

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"LA BICICLETA VERDE": CONTRA UNA MORAL ASFIXIANTE E HIPÓCRITA

Haifaa Al Mansour tiene el gran privilegio de ser la primer mujer árabe que dirige una película en su país, ella también es la responsable del guión de "La bicicleta verde" ("Wadja"), filme rodado en el 2012 y que en otros premios se hizo acreedor al Bafta a mejor película de habla no inglesa.
Y no podía ser para menos porque estamos ante una película entrañable, agridulce enfocada desde una mirada femenina que reivindica los derechos de la mujer desde pequeña.
Reem Abdullah y Waad Mohamed son las protagonistas de una historia cálida y sencilla, que con pocas pinceladas nos narra la historia de la pequeña Wadja de 10 años y sus deseos de obtener una bicicleta para poder competir con su amigo Abdullah; ella pasará por varias peripecias para dar cuenta del sometimiento mujeril en una sociedad sumamente patriarcal como la árabe.
Filme minimalista en el sentido que la directora hace énfasis en lo cotidiano y en la relación madre e hija que se va transformando a lo largo del desarrollo de la cinta.
Con una cinemtografía muy limpia, la fotografía de Lutz Reitemer es el marco ideal para el desarrollo de la trama que deja ver una moral hipócrita y asfixiante.
La niña Wadja es encantadora y se gana al público por su dulzura y suave picardía.
En suma "La bicicleta verde" es muy recomendable, sobre todo por su perspectiva humanista, es un retrato

etnográfico digno de ser visto.

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POETA INVITADO: PABLO NERUDA ODA A LA MALVENIDA (fragmento)

 ODA A LA MALVENIDA
Planta de mi país, rosa de tierra,
estrella trepadora,
zarza negra
pétalo de luna en el océano
que ame con sus desgracias y sus olas,
con sus puñales y callejones,
amapola
erizada,
clavel de nácar negro,
por qué
cuando mi copa desbordó y cuando
mi corazón cambió de luto a fuego,
cuando no tuve para ti, para ofrecerte,
lo que toda la vida te esperaba,
entonces
tú llegaste,
cuando letras quemantes
van ardiendo en mi frente....
(fragmento inicial de un bello poema)

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"CIVILIZACION": DE TRANSAS Y CORRUPTELAS

Sin lugar a dudas, Luis Enrique Ortiz Monasterio, LEGOM, es uno de los dramaturgos mexicanos más punzantes que sabe hacer uso de la ironía para dar constancia de problemáticas sumamente actuales. Una vez más vuelve a dar constancia de ello en la obra "Civilización", que el domingo 24 de agosto, cumplió 150 representaciones en el Foro Lucerna, ocasión en que fue develada una placa por Enrique Singer, director de actividades teatrales de la UNAM, productor de la misma y la actriz Laura Zapata.
"Civilización" es una farsa satírica< del enfrentamiento de un rico empresario decadente (José Carlos Rodríguez) y un político de poca monta (estupendamente caracterizado por Juan Carlos Vives).
Ambos personajes dialogan sobre la construcción de un gran edificio en una ciudad colonial.
Cada cual busca sus intereses, sin importarles si emplearán dinero público para el proyecto o si dañaran los intereses de terceros.
La obra dirigida con sutileza por Alberto Lomnitz  transcurre con hilaridad y nos muestra un retrato de las transas y corruptelas tan comunes en las esferas de poder.
Un texto inteligente que requiere de mínimos elementos escenográficos diseada por Edyta Rzewuska, un telón que muestra un verde paisaje, una mesa y dos sillas son suficientes para el desarrollo de una obra que tiene su mayor peso en la palabra.
Complementan el reparto Hamlet Ramírez quien de vida a un ingeniero idealista y Salvador Velásquez como el mayordomo del empresario.
"Civilización" nos da cuenta de un sombrío panorama, de una sociedad que se agrieta, y del cómo el pez grande devora al chico.
Aprovecho para felicitar a Pablo Ferroni y Mariana Garza por haber creado un nuevo espacio para montajes teatrales de calidad.

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CECILIA TOUSSAINT, LA ALEGRÍA DEL CANTO

Tiene más de 30 años cantando, de prestar su voz a composiciones generalmente bluseadas; debutó con La Nopalera en 1977 y desde entonces a la fecha, ella se ha mantenido como una de las principales voces femeninas en México. Su nombre Cecilia Toussaint, el sábado 9 de agosto brindó un concierto en el Teatro de la ciudad llamado certeramente "Cronología" donde hizo un recuento de los principales compositores que han nutrido su canto, estuvo acompañada por su conjunto de músicos Íntimo acústico, conformado por el guitarrista Ángel Chacón, el baterista Juan Luis Gedovius, el bajista Giovanni Buzzuro y el pianista Pepe Morán. A lo largo de dos horas, Cecilia deleitó al público asistente con su clara y potente voz. Primeramente estuvo acompañada 'por Pepe Elorza; acto seguido recordó algunas
de las canciones compuestas por Jaime López, para después integrarse en  algunos duetos con José Manuel Aguilera, y así se escucharon algunas de sus grandes creaciones como "Prendedor", "Carretera", "Sácalo" y "Caracol". Uno de los momentos más emotivos fue cuando Cecilia Toussaint interpretó 4 canciones de Consuelito Velázquez, entre ellas "Que seas feliz".
Fue un bello concierto para quienes saben disfrutar de una bella voz como la de Cecilia, que equilibra el sentimiento con la sonoridad.

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"BESOS DE AZUCAR": UN TRÁGICO PRIMER AMOR

Tras cinco años de dirigir "Rudo y cursi" (2008), Carlos Cuaron regresa a la dirección cinematográfica con "Besos de azúcar" (2013), parte de un guión propio, escrito en coautoría con Luis Usabiaga. La historia se despliega entre el ambulantaje, el bullying, la violencia y la corrupción. Es un melodrama con tintes trágicos en torno al romance de dos pre adolescentes Nacho (César Kancino) y Mayra (Daniela Arce), debutando ambos ante las cámaras.

Una historia que pretendía ser fresca, y que tiene un estupendo inicio cuando Nacho va cargando a cuestas con un colchón viejo que lleva a su hacinado hogar, donde vive con su abuelastra, su padrastro que lo maltrata(Enrique Arreola) y sus dos hermanos, la historia se va tornando un tanto densa, puesto que hay abuso de palabras soeces y altisonantes, las cuales pueden llegar a cansar al espectador.

Nacho y Mayra se erigen en una especie de Romeo y Julieta tepiteños, y creen en el sentimiento que los une con esa inocencia y frescura que subyace en el primer amor. El trasfondo de "Besos de azúcar" son los tianguistas, las corruptelas, y las mafias que son retratadas con tino, y el apoyo de la gran música escrita por Felipe Pérez Santiago y Pablo Lach. También hay que destacar la buena fotografía de Kenji Katori.

En algunos momentos, la cinta de Cuaron nos recuerda la de "Voy a explotar" de Gerardo Naranjo", así como "Amar te duele" de Fernando Sariñana.

"Besos de azúcar" es una cinta que se puede ver, pese a que se queda a medias, por los altibajos de su historia, y porque la pareja protagónica actúa de un modo un tanto acartonado.

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"A LA INTEMPERIE": DE LA SOLEDAD, LOS AFECTOS Y EL TIEMPO

Una novela corta a tres voces es la que entrega Aline Petterson en "A la intemperie" (Alfauguara),como una especie de Matrioshka rusa se van uniendo el trío de personajes centrales. Está la escritora, tal vez alter ego de la propia Aline quien con un dejo de ironía habla de los entretelones de la escritura; Pedro de la Serna un escritor de poco más de 70 años que comienza a tener olvidos repentinos, pero resucita a la pasión y el deseo al interrelacionarse con Nora, una bella mujer, periodista cultural que a partir de sus silencios lo lleva a internarse por la magia de los sentimientos y el arquitecto Javier Acuña,. sensible hombre de unos cuarenta años que es el personaje de la novela que escribe Pedro de manera afanosa.
Con un buen manejo del lenguaje y varias citas literarias como a Funes el memorioso de Borges, el no escribiré más del "Bartleby" de Melville, los textos del romano Lucrecio o la evocación de grandes poetas como Fernando Pessoa a través de su poema "La tabaquería" o Rilke a través del fragmento de una de sus elegías, se va desarrollando "A la intemperie", una novela que también se refiere al inexorable paso del tiempo, a la soledad existencial, al saber transitar de un tiempo lineal a uno circular.
Se trata de una lectura gozosa, guiada por el trazo de la memoria y ante todo el placer de unir palabras y hacerlas vibrar: "Me gustaría pensar y, claro creerlo, que la memoria es un espacio inagotable en el no espacio de la mente, que todo lo que uno desea que le quepa, ahí va a dar y ahí va a quedarse..."
Me agrada que el final sea tan abierto como el fluir del mar o la densidad del viento.

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"MANTO ACUÍFERO": DE LA SOLEDAD Y ABANDONO INFANTIL

Tras su exhibición en el Festival de Cine de Roma y el Festival Internacional de Cine de Morelia, la segunda cinta de Michael Rowe "Manto acuífero" (México, 2013) forma parte del  XXXIV Foro  Internacional de Cineteca. Estamos ante una cinta que apuesta por retratar la cotidianeidad de la pequeña Caro (Zaili Sofía Macías), una pequeña de siete años, sumamente sensible, que resiente el divorcio de sus padres y que no encuentra el modo de sentirse a gusto con su padrastro Felipe (Arnoldo Picazzo), ella opta por refugiarse en el pozo que se encuentra en la parte trasera de su casa de Puebla y ahí dar rienda a su imaginación, para lograr proseguir con una rutina a la que siente no pertenecer.

En un ritmo lento va transcurriendo este filme que dura escasos 80 minutos, y que tiene vasos comunicantes con "Sangre" de Amat Escalante, ya que ambos trabajos retratan el tedio y la soledad cotidianos.  Diego García es el responsable de una fotografía que apuesta por destacar los detalles, el cómo una hoja es movida por el viento, o los ojos tristes de Caro, quien no siente apoyo de su madre, un tanto indolente (Tania Arredondo). Lo más interesante del filme de Rowe es contar su historia desde el punto de vista de una niña que debe de valerse de sí misma para no decaer y salir adelante.
"Manto acuífero" conmueve por su carga emocional, que se torna más incisiva, por los fundidos en negro que son una especie de marca para reflejar la soledad y abandono infantiles. Esta película y el documental "Eco de la montaña" de Nicolás Echevarría son los dos únicos trabajos fílmicos mexicanos dentro de la programación del Foro de Cineteca.

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