LA DAMA DE NEGRO:
TERROR GÓTICO EN SU MÁXIMA EXPRESIÓN
La legendaria casa productora inglesa Hammer Films ( creadora de grandes películas de terror) une sus esfuerzos con Talisman Films para ofrecer la versión cinematográfica de “La dama de negro”, que se basa en la novela homónima de Susan Hill, publicada en 1982.
Para dirigirla se contrató a James Watkins (“Edén Lake”) y a la guionista Jane Goldman (“Kick ass”, “Stardust”) para su correspondiente adaptación, ella sumamente hábil, optó por darle más peso a la imagen que al discurso hablado en su narrativa, con lo que la cinta sale sumamente favorecida.
Y como siempre, es necesario tener “un gancho de taquilla” se contrató al joven actor Daniel Radcliffe (famoso desde su caracterización como Harry Potter) para dar vida al atribulado abogado Arthur Kipps, a él se le encomienda ir a vender la casa del difunto Eel Marsh en la aparente tranquila población de Crythin Gifford.
Misión un tanto accidentada, porque nada es lo que parece, y Kipps se irá enfrentando a varios secretos y hechos esotéricos que lo podrán en contacto con su propio duelo. Kipps es un hombre celoso de su deber profesional, al tiempo que se debe hacer cargo de su pequeño hijo de 4 años, es la sensibilidad la que preside sus actos, por eso le afecta lo que vivirá en la mansión del difunto Marsh, quien muere sin dejar resueltos varios conflictos emocionales.
Entre ellos, el haber sido sumamente represivo con su esposa. Lo más destacable de “La dama de negro” son sus espléndidas atmósferas góticas, acentuadas con la música compuesta por Marco Beltrami, escenario y pentagrama fusionados crean un creciente suspense en el espectador, quien permanece en vilo.
Asimismo, es muy interesante el hecho que el pueblo se ponga en contra al idealismo del joven Kipps (interpretado de modo contenido por Radcliffe, quien aparece en pantalla, poco más del 90%).
Objeto que el final es un tanto idílico, pero ello es un tanto comprensible para disminuir la tensión que se vive en el desarrollo de esta película que será estrenada el próximo 10 de febrero.
“La dama de negro” (“The Woman in Black”). Inglaterra, 2011. Dirección: James Watkins. Guión: Jane Goldman, en base a novella de Susan Hill. Música: Marco Beltrami. Fotografía. Tim Maurice-Jones, Intérpretes: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Liz White.
UN PEDACITO DE CIELO:
ENTRE LA MUERTE, EL AMOR Y LOS MIEDOS
Y de repente la vida da un giro de 360 grados, y una existencia exitosa, sin mayores preocupaciones se encuentra en un declive irreversible, tal es lo que le ocurre a Marley(Kate Hudson), una joven y triunfal publicista de Nueva Orleans, a quien le detectan cáncer de colón en fase terminal. Ella es la protagonista de la comedia dramática “Un pedacito de cielo” (“A Little bit f heaven”), dirigida por Nicole Kassell (“The woodsman”) y coprotagonizada por Gael García Bernal, interpretando a un médico mexicano de origen judío.
Estamos ante una película bien intencionada que busca comunicar cómo vencer los miedos y valorar todo aquello que se ha vivido, su problema es que el desarrollo de la historia es en exceso lineal y su contenido un tanto convencional, por más que hay ciertos momentos, en que uno se emociona.
Y es evidente que hay mínima química entre una encantadora Kate Hudson, que también sabe matizar los momentos más dramáticos de la cinta con un Gael García Bernal, que a lo largo del filme se mantiene un tanto tieso.
Sin embargo, ayudan mucho la participación de algunos intérpretes secundarios como son la experimentada y convincente Kathy Bates como la preocupona madre de Marley, Lucy Punch como una de sus amigas más cercanas y Whoopie Goldberg, como una especie de encarnación de Dios.
“Un pedacito de cielo” es el reencuentro de una mujer con sus fantasmas interiores, la necesidad de reivindicarse con quienes quiere, antes de morir, el deseo de valorar su corta estadía terrenal. Se agradece que Kassell, es sobria y ni cae en la cursilería ni en el exceso de dramatismo, en un filme que fluye con buen ritmo.
Sin ser especialmente espectacular es una película que se deja ver con gusto y que en Kate Hudson, tiene a una muy buena protagonista.
“Un pedacito de cielo” (“A Little bit of heaven”). Estados Unidos 2011. Dirección: Nicole Kassell. Fotografía: Russell Carpenter. Música: Heitor Pereira. Guión: Green Wells. Intérpretes: Kate Hudson, Gael García Bernal, Lucy Punch, Kathy Bates, duración: 106 minutos.
J. EDGAR: UN CLINT EASTWOOD EN SU MEJOR FORMA
Clint Eastwood a sus más de 80 años es uno de los mejores directores del cine norteamericano, baste con recordar algunas de sus películas más recientes “Río místico”, “La chica del millón de dólares”, “El gran Torino”, entre varios títulos, ahora se interna exitosamente en un biopic en torno a John Edgar Hoover, el primer director del FBI, Oficina Federal de Investigaciones en los Estados Unidos, desde su fundación en mayo de 1924 hasta su súbita muerte en 1972.
Hombre temido y temerario que estuvo al servicio de 7 presidentes, siendo el primero de ellos Calvin Coolidge. Eastwood intitula su notable película “J. Edgar” y en poco más de dos horas pone al espectador ante un retrato en claroscuro de un hombre represivo que siempre se movió en el ámbito de la ambigüedad moral.
Toca a Leonardo Di Caprio- productor de la cinta- dar vida a Hoover y ofrece una actuación magistral, pienso que él se hará acreedor al Óscar 2012 a mejor actuación masculina, por el momento ha sido nominado en dicho rubro para los Globos de Oro. Y no podía ser de otra manera, porque el actor se mete a fondo en la psique de un personaje, digno a ser estudiado por un psiquiatra.
Un hombre que fue tener una madre castrante y en exceso religiosa (Judi Dench) no se dio el permiso de vivir de un modo liberal. Eastwood nos humaniza a este personaje en una cinta muy bien ambientada en la cual confluyen varias líneas temporales, manteniendo un ritmo fluido, a pesar de ser discursiva- como era de esperarse- en algunos momentos. Sin artificios poéticos y cuidándose de no caer en el sensacionalismo, “J. Edgar” es un trabajo fílmico que atrapa de principio a fin para conocer a ese hombre antisemita, y anticomunista, al hombre radical en su lucha contra cualquier subversión, que según su criterio pudiera afectar la estabilidad de su país.
Un político que actúo para trascender en la historia, siempre respaldado por Helen Gandy, su secretaria particular por más de 5 décadas , así como por Clyde Tolson (Armie Hammer), su amigo fiel y el amor de su vida, en tiempos en que no se podía hablar abiertamente de una relación homosexual.
“J. Edgar” cuenta con una espléndida fotografía de Tom Stern y un hábil guión escrito por Dustin Lance Black, que a pesar de sus saltos temporales, nunca llega a confundir al espectador. Estamos ante un Eastwood en su mejor forma, que sabe equilibrar los ámbitos público y privado de Hoover, un ser humano fiero, combativo e intransigente. Este filme se estrenará el próximo 6 de enero del 2012 en México.
“J. Edgar”. Estados Unidos 2011. Dirección y música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern. Guión: Dustin Lance Black. Intérpretes: Leonardo Di Caprio, Naomi Watts, Judi Dench, Armie Hammer, Josh Lucas. Duración: 136 minutos.
“EL CINE ACTUAL: VERBOS NUCLEARES”,
ES UN LIBRO QUE REÚNE EL CINE CONTEMPORÁNEO QUE HEMOS VISTO EN MÉXICO: PAULA ASTORGA
2011 fue un año sumamente fructífero para el analista, crítico e investigador cinematográfico Jorge Ayala Blanco, se hizo acreedor a la medalla Salvador Toscano el mérito cinematográfico y además publicó dos nuevos libros: La justeza del cine mexicano y El cine actual: verbos nucleares, éste último editado por Cineteca Nacional, fue presentado en dicha institución, el pasado sábado 17 de diciembre.
A decir de Paula Astorga, directora de Cineteca Nacional: “El cine actual: verbos nucleares” es un libro que reúne el cine contemporáneo que hemos visto en México del 2000 al 2005, sumando poco más de 270 películas, muchas de ellas proyectadas en el FICCO. Jorge Ayala Blanco construye sus reflexiones a partir del verbo que acciona cada uno de los filmes reunidos.”
En este libro, el lector tiene la oportunidad de transportarse a una serie de subtextos que subyacen en las imágenes vistas en la pantalla, es un volumen a ser disfrutado ya sea por el cinéfilo o por los docentes, los investigadores y sobre todo sumamente útil para los estudiantes de cine.
Armando Casas, director del CUEC, Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y director de “Un mundo raro” (2001) fue uno de los presentadores, deteniéndose en su intervención en los juegos lingüísticos del autor, mismos que hizo saber se basan en las teorías de Genette: “El libro de Ayala Blanco abarca 270 filmes, que se inscriben desde el verbo abarcando hasta llegar al verbo zopiloteando. En la letra “D” abundan muchos verbos, desquiciando para películas francesas; deshaciéndose para hacer referencia al cine asiático y desentrañando al cine de Canadá. Pienso que el autor propone un juego muy atractivo, donde lo mismo se reúnen y analizan trabajos de Godard o Chabrol, que de Jarmush, Kim Ki Duk o Woody Allen, sin faltar el cine latinoamericano.”
José Luis Ortega, jefe de redacción de Cineteca Nacional, y quien tuvo a su cargo el cuidado de la edición del volumen, hizo saber: “Mi primer acercamiento con Ayala Blanco, fue a partir de su libro “La aventura del cine mexicano”, cuando yo cursaba en la Facultad de Ciencias Políticas de la UNAM, tuve el gusto de conocerlo en 1999 en un diplomado en el Centro de Capacitación Cinematográfica y desde entonces somos amigos.
“Él es un hombre que ha dedicado su vida al cine, siempre está viendo, analizando, escribiendo y ante todo gozando.”
Finalmente, el crítico de cine Rafael Aviña, quien este año publicó el libro “50 años de la Filmoteca de la UNAM, destacó: “Es un trabajo narrativo, fluido, con las fugas y sarcasmos propios del maestro Ayala, quien nos otorga enriquecedoras lecturas paralelas del cine mundial con la sapiencia que lo caracteriza.”
EN 2011, SE ESTRENARON 59 PELÍCULAS MEXICANAS: MARINA STAVENHAGEN
El 2011, está a punto de finalizar, y a pesar de los fuertes embates económicos fue un buen año para la industria del cine en México, pues a decir de Marina Stavenhagen, directora del IMCINE, Instituto Mexicano de Cinematografía, se lograron estrenar 59 películas nacionales, estando a la cabeza en la taquilla, la cinta de animación “Don Gato y su pandilla”.
La producción del séptimo arte en nuestro país ha aumentado, el promedio de películas mexicanas producidas con apoyo del gobierno es de 54 por año. IMCINE dio 88 apoyos de producción para largometraje, 79 fueron nuevos títulos, además que respaldó la realización de 20 cortometrajes. Asimismo, se continúo el programa de estímulo a creadores, mismo que colaboró a la profesionalización de varios guionistas,
Considerando hasta el 30 de noviembre del 2011, en México se estrenaron 325 películas, siendo 59 mexicanas. Otras de las películas taquilleras a nivel nacional fueron “Salvando al soldado Pérez”, “Presunto culpable” y la cinta de animación “La leyenda de la Llorona”.
Asimismo, Stavenhagen en su informe anual para la prensa hizo saber que IMCINE estuvo presente en 120 eventos nacionales, ya sea con películas o colaborando con recursos económicos a los festivales del país. Además que varios filmes participaron en 324 festivales cinematográficos del extranjero, siendo el más reciente, el realizado en Marrakesh.
También este 2011 se trabajó fuerte en el terreno de la divulgación cinematográfica, a través de un portal de Internet que se encarga de actualizar información en torno al cine mexicano, lo mismo que el Programa Cine-secuencias en la televisión a través de Canal 22 y el Canal del Congreso, sin olvidarnos de Cine Secuencias Radio y el arduo trabajo a través de las redes sociales, sobretodo Facebook y Twitter.
MIENTRAS DUERMES:
LA CRUELDAD DE UN SER PERVERSO
El cineasta catalán Jaume Balagueró es un fiel entusiasta del cine del terror, comenzó a brillar con su película “Rec” que hasta tuvo un remake en los Estados Unidos. Ahora vuelve a sorprender con un nuevo filme “Mientras duermes”, el cual tiene atmósferas al estilo de Polanski (“Repulsión”) donde da cuenta de un ser sumamente perverso y obsesivo, capaz de hacer lo indecible con tal de victimizar a quiénes se encuentran a su alrededor.
Si la película de Balagueró funciona, es que tiene en Luis Tosar a un gran intérprete como César, el portero de un edificio español, quien gusta de conocer hasta el más mínimo movimiento de los inquilinos del inmueble. Él hará hasta lo imposible para impedir que la bella Clara (Marta Etura), la vecina del 5 B, deje de sonreír.
La víctima perfecta, a quién irá aniquilando lentamente, con gran maestría, César un hombre mediocre, se siente una especie de Dios. Su madre yace inconsciente en el hospital y en el edificio es vigilado por una niña que también sabrá el significado de una maldad ilimitada. Hacer daño es la consigna de César.
“Mientras duermes” crea atmósferas alucinantes, y causa gran terror en el espectador, el problema es el que guión de Alberto Marini, en momentos se torna un tanto reiterativo y artificioso, es el gran Tosar quien sostiene una película de un poco menos de dos horas de duración.
Una gran secuencia es la que sostiene cuando Tosar lanza un monólogo acerca de la soledad y el abandono a la vecina solterona, quizás sea uno de los momentos más aterradores de la cinta.
Balagueró es hábil para causar miedo y expectación en el espectador. Y sabe construir un gran poderío visual, apoyado en la lente fotográfica de Pablo Rosso.
Si bien, “Mientras duermes” no pasará a la historia del cine, como una película de primer orden, lo cierto es que si cubre su cometido de inquietar y mostrar las regiones más oscuras de la condición humana.
“Mientras duermes”, España 2011. Dirección: Jaume Balagueró. Fotografía: Pablo Rosso. Música: Lucas Vidal. Guión: Alberto Marini. Intérpretes: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Amparo Fernández. Duración: 107 minutos.
LAS 15 MEJORES PELÍCULAS DEL 2011
1. “Havre, Puerto de la Esperanza, Kaurismaki se traslada a la Francia de los 50, para presentarnos una agridulce historia de loosers, quiénes nunca pierden la dignidad.
2. “Erase una vez en Anatolia”, una película minimalista, llena de gran poesía visual y existencial, con toques chejovianos.
3. “Fausto”, un filme abigarrado con apropiaciones de la pintura flamenca, hoy por hoy, Sokurov es el mejor director ruso vivo.
4. “La piel que habito”, truculenta, perturbadora, un thriller posmoderno de primer nivel. No cabe duda, Almodóvar es lo más sobresaliente del cine español contemporáneo.
5. “Rango”, película de animación, metafísica y oscura.
6. “El lugar más pequeño”, ópera prima de Tatiana Huezo, que oscila entre el presente y la recuperación de la memoria. Documental y poesía se fusionan.
7. “Conocerás al hombre de tus sueños”, de nueva cuenta Woody Allen deja constancia del porque es el rey de la comedia intelectual, ni le falta ni le sobra.
8. “José y Pilar”, un retrato documental del gran escritor portugués, destaca la sensibilidad de Goncalves para captarlo, a él y a su amada Pilar.
9. “El cielo abierto” con este trabajo fílmico, Everardo González, refrenda que es uno de los mejores documentalistas mexicanos, esta vez aborda al malogrado Monseñor Romero y la guerrilla en San Salvador.
10. “Miss Bala”, cine de autor de Naranjo, en torno a un tema actual, polémico y doloroso.
11. “El árbol de la vida”. Mallick y Lubeski hacen una estupenda mancuerna en esta película llena de visos filosóficos.
12. “Invierno profundo”, cinta independiente de Estados Unidos, que refleja lo más oscuro de la condición humana.
13. “Submarino” dramática película de VItenberg en torno a dos hermanos y sus desventuras.
14. “Temple de acero”, un western muy al estilo de los Coen.
15. “The Muppets”, que nostalgia por estas graciosas criaturas, llenas de ganas de ser y de vivir.
LAS 5 PEORES PELÍCULAS DEL 2011
1. “Ella y el candidato”, no basta saber filmar bien, si es que se cuenta una historia ramplona y moralina,.
2. “Labios rojos”, cinta presidida por un punto de vista machista y misógino.
3. “Fuera de Satán”, una película críptica y pretenciosa de Bruno Dumont, que no se le entiende.}
4. “Detrás de las paredes”, qué pena que un director tan talentoso como Jim Sheridan filme una película de terror tan desangelada y falta de sustento.
5. “8 minutos antes de morir”, un thriller de ciencia ficción que es en exceso reiterativo y soso.
HERMANOS PARA SIEMPRE Y LA ÚLTIMA PELEA,
DOS PELÍCULAS NORTEAMERICANAS
EN TORNO A LA HERMANDAD
Coincidentemente están por estrenarse dos películas norteamericanas, cada cual aborda desde una perspectiva diferente el tema de la fraternidad. “Hermanos para siempre” (2010) dirigida por Tony Goldwyn se basa en una historia real, la de Betty Ann Waters (una estupenda Hilary Swank) quien durante década y media se pasó abogando para sacar de la prisión a su hermano Kenny (magistral Sam Rockwell), quien injustamente fue encarcelado, acusado de haber asesinado a puñaladas a Katherina Brown.
Mientras que la segunda “La última pelea” (2011) en un marco de las artes marciales mixtas, aborda la rivalidad y posterior reencuentro entre dos hermanos, que se separaron en parte al alcoholismo de su padre (éste magistralmente interpretado por Nick Nolte).
Si bien, los dos filmes transcurren en ambientes diferentes, ambas se conectan en el hecho que la solidaridad humana, el apoyo del uno al otro son necesarios, sobre todo en tiempos tan difíciles como los que vivimos en la actualidad.
“Hermanos para siempre” a pesar de ser una historia sencilla, está cargada de una fuerte dosis de emotividad. Betty Ann tiene 28 años, es madre divorciada de 2 hijos; no tolera la terrible injusticia que se la cometido a su hermano, al grado que para poder apoyarlo ingresa a la facultad de derecho, con objeto de tener más elementos para su defensa.
Es el filme que refleja la lucha contra el sistema muy en el estilo de “Erin Brokovich” de Soderbergh, pero éste hace mayor énfasis en el marasmo de sentimientos y todas las emociones involucradas por Betty Ann en su lucha por la justicia.
Ella se muestra como una mujer tesonera, no mide el sacrificio que tenga que realizar para lograr su noble objetivo. Swank está acompañada de estupendas actrices como Melissa Leo, Minnie Driver y Juliette Lewis.
Tal vez el filme adolezca de grandes valores cinematográficos, aunque su factura es correcta, pero se impone por la potencia de su narrativa y discurso, que conmueve y estremece hasta las lágrimas.
En tanto, “La última pelea” dirigida por Gavin O Connor, en un desenvolvimiento parsimonioso va adentrando al espectador, en dos historias paralelas, el mundo del boxeo y el campeonato Esparta, y por otra parte, una familia desintegrada debido al alcoholismo del padre y cuando éste se rehabilita es un poco tarde.
Actúan también Tom Hardy, como el hermano menor, quien llega traumatizado tras haber participado en la Guerra de Irak y Joel Edgerton, el hermano mayor, quien es maestro de física y en un momento dado debido a una crisis económica que lo rebasa a él y su familia se ve en la necesidad de regresar al box.
Un filme bien realizado y que apasiona por el trazo de atmósferas y personajes y por recordar algunas viejas películas sobre púgiles.
LA PIEL QUE HABITO:
PERVERSIDAD A LO ALMODÓVAR
Un cirujano plástico que durante años se obsesiona por crear “una nueva piel” , que sea estética, pero nunca logrará que permanezca insensible a los estímulos del exterior; un conejillo de indias, un joven que nunca imaginará que será transformado en una grácil mujer, y un ama de llaves fiel, capaz de guardar en su interior la acción más cruenta.
Ellos son los elementos centrales de la más reciente película de Pedro Almodóvar “La piel que habito”, a decir de Michael Schuessler, un thriller posmoderno, que se basa en la novela “Tarántula” de Thierry Jacquot, y que envuelve a evidenciar la genialidad del realizador manchego.
“La piel que habito” que ganó el Premio de la Juventud en el Festival de Cannes de este año, es un filme inquietante, perturbador que contiene buenas dosis de perversidad al estilo Almodóvar, él sabe combinar el minimalismo, con el artificio y lo artificioso; lo aparentemente increíble se transforma en una pesadilla peor que dantesca y mantiene al espectador al vilo, durante las casi 2 horas en que dura el metraje.
La estética y la puesta en escena es portentosa y está apoyada en la espléndida fotografía del experimentado José Luis Alcaine, colores fuertes enmarcan el desarrollo de una trama que cuenta con varias inesperadas vueltas de tuerca, y los puntos de mayor tensión dramática, son matizados por la música de Alberto Iglesias.
En “La piel que habito” Antonio Banderas, uno de los actores fetiches del realizador, trabaja de nueva cuenta con él, caracterizando al temerario y cruel cirujano plástico Roberto Ledgard; por su parte Elena Anaya, despliega su talento como “el conejillo de Indias” elegido para el experimento, es dueña de un impresionante lenguaje corporal.
Y por supuesto Marisa Paredes también ofrece una Marilia, el ama de llaves de primer nivel. Lapidaria e intrigante, de lo ridículo a lo sublime es este el más reciente trabajo de Almodóvar, que no es para todos los gustos, y que fue una de las tres películas que inauguraron la pasada Es. Cine, programada por Rafael Marín.
Ahora llega a su corrida comercial, y sin lugar a dudas, es una de las 10 mejores películas del año, Pedro Almodóvar, hace guiños a otros trabajos suyos como “Matador” y “La ley del deseo”, en ellos, como en “La piel que habito”, Eros y Thanatos van de la mano.
“La piel que habito”. España, 2011. Dirección y guión: Pedro Almodóvar. Fotografía: José Luis Alcaine. Música: Alberto Iglesias. Intérpretes: Antonio Banderas, Marisa Paredes, Elena Anaya, José Luis Gómez. Duración: 117 minutos.
MARTÍN AL AMANECER, LA NOCHE DEL PIRATA
Y ELLA Y EL CANDIDATO EN EL FICA
El Festival Internacional de Cine de Acapulco se ha caracterizado por ser una plataforma para el cine mexicano reciente, por ello, el día de ayer – 19 de noviembre se proyectaron tres funciones de ficción, con sus respectivas alfombras rojas.
Inicialmente se pudo ver “Martín al amanecer” (2009), segundo largometraje de Juan Carlos Carrasco, egresado del CUEC, Centro Universitario de Estudios Cinematográfico, un contenido melodrama en torno a un hombre, que en un momento dado de su vida, se ve en la imperiosa necesidad de dar un giro de 360 grados a sus días y sus horas.
Un ámbito rural es el marco para el desarrollo de una trama que nos remite a la soledad del hombre contemporáneo, los vacíos de comunicación entre él mismo, su entorno y quienes le rodean , además de los quebradizos nexos familiares.
Un contenido Adal Ramones interpreta a Martín el personaje protagónico, destacan en la película de Carrasco el buen manejo de los planos secuenciales, para crear atmósferas cargadas de violencia emocional y emotividad.
A un ritmo lento transcurre “Martín al amanecer” para mostrar que Juan Carlos Carrasco que anda en la búsqueda para consolidar un cine de autor.
Posteriormente se proyectó la película infantil de aventuras “La noche del pirata” de Juan Carlos Blanco, la cual hace hincapié en la necesidad que todo niño (Michael Ronda) tiene la necesidad de tener un amigo imaginario. En este caso su perro Terra Nova, muerto trágicamente, a quien el pequeño vuelve a revivir como una presencia fantasmal, tras conocer a Paddy, un viejo marinero, quien le da la gran lección de su vida “Creer para ver”.
Los efectos especiales son la columna vertebral de una película bien intencionada, que se excede un poco en su duración, puesto que para ser un filme infantil dura casi dos horas, tiene a su favor que sabe conformar una historia apta para los niños, que gustan de tener aventuras. Es de esperarse que Blanco continúe en este tipo de proyectos, que hacen falta para enriquecer el panorama del cine infantil en México.
Y el tercer filme proyectado fue “Ella y el candidato” de Roberto Girault, una comedia dramática en torno a las vicisitudes de un senador convertido en candidato, quien por segunda vez aspira a la presidencia y vuelve a ser derrotado.
En base de un guión del propio director en colaboración con Olivia Núñez Facha se despliega una historia cargada con una buena dosis de moralina, demagogia, que recurre a muchos clisés efectistas, que demeritan la gran factura cinematográfica de la película, porque algo que no pongo en duda es que Girault sabe filmar, tiene oficio y solvencia en la edición, así como en su dirección de actores.
Luis Fernando es caracterizado por el actor Héctor Arredondo, y es el hombre “que pierde piso” por su megalomanía, por su ambición de figurar y ser poderoso, por dicha situación descuida a su familia, conformada por Rocío Verdejo, su esposa y sus tres hijos.
Él es apoyado por su asesor (un solvente Daniel Martínez, que en momento pareciera ser una especie de Fouche). “Ella y el candidato”, podría considerarse como “una película de nicho”, contiene la última actuación de Jorge Lavat, quien aparece como el tío de la esposa del candidato, un hombre viudo que en la poesía encuentra su solaz en la vida.
Girault sabe filmar, esperemos que en su tercer proyecto, elija o escriba un guión más consistente. Hoy, 20 de noviembre, se verán en el FICA “María” de Fernando Allende, “El desconocido” de Rafael Piñero y “Los siete magníficos” de Fernando Sariñana.
“LOS DESCENDIENTES” CON GEORGE CLOONEY
INAUGURÓ LA 7ª EDICIÓN DEL FICA
Y el cine vuelve a habitar el oleaje de Acapulco, el séptimo arte vuelve a hacer presa de este bello puerto de México, quién ahora con la 7ª edición del FICA , se viste de gran glamour con la presencia de dos íconos de la cinematografía mundial de los 70, la diva italiana Sofía Loren y Alain Delon, quien sobresalió en algunas películas del neorrealismo y del cine noir francés.
Ambos, ayer en la noche en el gran Forum recibieron el premio “Acuérdate de Acapulco” por sus respectivas y sobresalientes trayectorias artísticas de primer nivel. Recibieron el galardón por parte del gobernador guerrense Ángel Aguirre, el licenciado Miguel Alemán Velasco y por una omisión por parte del actor Roberto Palazuelos, no fue llamado al estrado el señor Víctor Sotomayor, presidente y director general del FICA.
Al medio día, ambas estrellas dieron una rápida conferencia de prensa en el marco del paradisíaco hotel de Las Brisas. Para la señora Loren “el cine es sumamente interesante, tuve la fortuna de vivirlo a plenitud durante la década de los 60 y los 70… mi drama- ríe-, es seguir permaneciendo bella, cada día-, es mi primera vez en Acapulco y estoy muy contenta, algún día regresar con mis nietos.”
Por su parte, Alain Delon, asertivo dijo: “Antes íbamos al cine para soñar, ahora éste al ser reflejo de la sociedad que vivimos, por ser tan fuerte, ya no nos lo permite. Es mi tercera vez en México, hace 40 años estuve en el rodaje del “Asesinato de Trostsky” y hace 4 en una película de Bernard Levy. Es mi deseo que el FICA alcance el nivel del festival de Cannes.”
Tanto Sofía Loren y Alain Delon presidieron la alfombra roja de la película “Los descendientes”, un largometraje con tintes de tragedia existencial del talentoso cineasta norteamericano Alexander Payne (“Entre copas” y “Confesiones del señor Smith”). La trama se centra en el periplo que debe de vivir Matt King (un estupendo y contenido George Clooney), cuando su esposa entra en estado de coma y él debe de superar su duelo interior, al tiempo que reencaminar las vidas de sus dos hijas, una adolescente yuppie y una niña rebelde de diez años.
Un trasfondo de humor negro recorre este intenso filme, con bellos paisajes del Hawai que son el marco de una familia desintegrada que volverá a unirse al superar su orfandad existencial, al tiempo que es una crónica de que tanto el desencanto y la incertidumbre permea a la sociedad global actual.
Hoy sábado 19 de noviembre continúan las actividades del FICA, con 3 galas de películas mexicanas, entre las que se encuentran: “Martín antes del amanecer” de Juan Carlos Carrasco, “Ella y el candidato” de Roberto Girault y “La noche del pirata” de Juan Carlos Blanco.
EL CHICO DE LA BICICLETA:
UN CUENTO DE HADAS POSMODERNO
Cyril es un niño desubicado, tiene 12 años, su padre lo rechaza, no sabe como poderse arraigarse en su entorno, sufre una terrible orfandad emocional. Samantha (Cecile de France), dueña de una estética se convertirá en su madre sustituta, pero como espectadores nunca sabremos exactamente el porqué se erigirá en una especie de “hada madrina” para el chiquillo.
De esta sencilla premisa parte el trabajo fílmico más reciente de los hermanos Jean Pierre y Luc Dardenne, intitulado “El chico de la bicicleta”, que es una de las 18 películas que conforman la 53ª Muestra Internacional de Cine, que organiza Cineteca Nacional. Cabe destacar que esta cinta ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes.
Y no podía ser menos, hay rigor técnico, contención. Sin mayores aspavientos, los cineastas nos introducen a un mundo donde el principal ingrediente es la soledad, profunda e inexorable. Guy, el padre (Jerome Rénier, uno de los actores fetiches de los Dardanne), es un hombre desobligado, en camino de iniciar un nuevo camino en su vida, se lo sacude como si fuera un estorbo.
En cambio, Samantha se convertirá en salvadora de un niño y su confusión emocional, a punto de caer en las manos de un malhechor, quien le hace sentir que es una basura, como él mismo se experimenta.
Sin caer en el melodrama y menos aún en el chantaje, “El chico de la bicicleta” es una bella película, sustentada en el buen oficio cinematográfico de los realizadores de “El hijo” y “El silencio de Lorna”. A pesar de cierta sordidez, ellos hábilmente dejan abierta una compuerta hacia la esperanza.
Los hermanos Dardanne vuelven a rectificar que son grandes cineastas, posesores de un estilo muy personal, y que saben penetrar por las grietas que siempre amenazan con desmoronar la sociedad contemporánea.
“El chico de la bicicleta”. Bélgica, Holanda, Italia, 2010. Dirección y guión: Jean Pierre y Luc Dardanne. Fotografía: Alain Merceau. Intérpretes: Cecile de France, Jerome Renier, Fabrizio Rongione. Duración: 87 minutos.
LE HAVRE:
COMEDIA NEGRA EN TORNO A LA SOLIDARIDAD
El infatigable cineasta finés Aki Kaurismki (“Un hombre sin pasado”, “Luces al atardecer”), sale de su tierra natal para probar suerte en nuevos paisajes y circunstancias, su más reciente trabajo fílmico “Le Havre: Puerto de la Esperanza”, se desarrolla en Francia, durante la década de los 50.
Primera parte de una trilogía que estará ambientada en ciudades portuarias de Europa, lo importante es que sigue conservando su mirada melancólica y su acre ironía que lo caracterizan, además de construir personajes que son capaces de mantener su dignidad hasta el final.
“Le Havre: puerto de la esperanza” que forma parte de la programación de la 53ª Muestra Internacional de Cine de Cineteca Nacional, fue elegida por Finlandia, para competir por el Óscar a mejor película extranjera y se centra en el bondadoso limpiabotas Marcel Marx (André Wilms, encantador) quien lleva una vida apacible, al lado de su esposa Arletty (Kati Outinen).
Su rutina se trastoca, cuando en forma accidental conoce a Idrassi (Blondin Miguel), un joven de origen africano, inmigrante ilegal, quien requiere llegar a Londres para reencontrarse con su madre. Marcel lo apoyará para que logre cruzar el Canal de la Mancha, pero antes se suscitarán una serie de peripecias, donde no faltará el fragmento del tango “Cuesta abajo” de Carlos Gardel.
Filme que es un retrato de de las posibilidades y alcances de la solidaridad humana, de ese ayudar al otro o los otros de una manera desinteresada. El personaje de Marcel es entrañable, él es una especie de Quijote de los desprotegidos, amén que no ha perdido su inocencia.
En “Le Havre” hay varios valores humanísticos, además de una cinematografía impecable, película que se inscribe en una bien llevada estética minimalista, donde se crean diversas atmósferas sugerentes permeadas por una sutil melancolía.
Kaurismaki ofrece una visión precisa de Francia y su problema de los inmigrantes y vuelve a comprobar que él es el más grande cineasta irlandés vivo.
“Le Havre: puerto de esperanza”. Finlandia, Francia, Alemania, 2011, Dirección y guión: Aki Kaurismaki. Fotografía: Timo Salminen. Intérpretes: André Wilms, Kati Ontinen, Blondin Miguel, Elena Salo. Duración: 103 minutos.
CINEASTAS RECONOCIDOS SE DAN CITA
EN LA 53ª MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE
Y como cada año, desde 1971, ha llegado la oportunidad de un gran banquete fílmico con la 53ª Muestra Internacional de Cine, que organiza Cineteca Nacional, en esta ocasión se han conjuntado 18 películas- una de ellas es mexicanas, “Las razones del corazón” (2011) de Arturo Ripstein, que es el filme con que dará comienzo este evento, a partir del próximo 4 de noviembre en Cineteca Nacional, para el 11 del mismo mes iniciar recorrido por otras sedes en el Distrito Federal y posteriormente viajar a varias plazas de la República, donde este año se suman, Oaxaca, Córdoba, Orizaba y Mérida.
La muestra presentará trabajos fílmicos recientes de destacados cineastas como el húngaro Bela Tarr, el finés Aki Kaurismaki, el ruso Aleksandr Sukorov, y los franceses Bruno Dumont y Olivier Assayas, entre otros. Se trata de un conjunto de propuestas vanguardistas que provienen de Francia, Bélgica, Turquía, Japón, Rusia, España, Estados Unidos y Argentina, entre otros países.
En esta 53ª muestra se podrá ver “En un mundo mejor” de Susanne Bier, que fue la ganadora al Óscar a mejor película de habla extranjera en torno a la cuestión del bullying y la posibilidad de redención; asimismo está la cinta argentina “El hombre de al lado”, que tiene como principal atractivo la participación del afamado dranaturgo Rafael Sprenbergburg, cinta filmada por Mariano Cohn y Gastón Duprat.
Hay también otras delicias como “El chico de la bicicleta” de los hermanos Dardanne, la que hizo acreedora al gran Premio del Jurado de Cannes en 2010, “Fausto” de Soj}kurov, recientemente galardoneada con el León de Oro en Venecia; la más reciente realización de Kaurismaki, “Le havre el puerto de la esperanza” que ganó en el pasado festival de Cannes, el premio Fipresci.
También se podrán ver “Había una vez en Anatolia” con el esteticismo característico deNuri Bilge Ceylán y “Carlos” de Olivier Assayas, entre otras.
Asimismo, en el marco de este festejo para cinéfilos de corazón, se llevará a cabo la Segunda Feria del Libro Cinematográfico y del DVD del 18 al 20 de noviembre.
UNA VIDA MEJOR: DE INMIGRANTES ILEGALES
Chris Weitz , nieto de la legendaria actriz mexicana Lupita Tovar, quien protagonizara la versión muda de “Santa”, tras haber dirigido “La brújula dorada” y “Crepúsculo: luna nueva”, ahora se interna a la inmigración mexicana en los Estados Unidos en el melodrama “Una vida mejor”, mismo que fue la película inaugural del 9º Festival Internacional de Cine de Morelia.
La historia se centra en los reveses que debe enfrentar Carlos Galindo (Demián Bichir) un inmigrante mexicano ilegal que vive en Los Ángeles en compañía de su hijo (José Julián), él se esfuerza por tratar de darle una mejor vida, esa misma que él no tuvo.
Sin embargo, no será algo fácil, porque pasara por una serie de peripecias que pondrán en riesgo su templanza. A un compadre (Joaquín Cosío, en una breve actuación) le compra una troca, pero muy poco le durara el gusto.
Estamos ante una fábula bien intencionada pero que sin embargo se queda en una reflexión superficial del complejo asunto de los migrantes que van hacia la búsqueda del sueño norteamericano, el guión es frágil, lleno de clisés, cae en un tono en exceso melodramático, pareciera que estamos viendo un programa producido por Hallmark.
“Una vida mejor” tiene algunos momentos como cuando aparece Dolores Heredia interpretando a Anita, la hermana del protagonista, conforme avanza el filme, la trama se torna más tediosa y sobre todo previsible.
Si bien es cierto es buena la factura cinematográfica, ello no hace una buena película y sobre todo lo que la debilita de sobre manera es su carga moralista.
“Una vida mejor” (“A better life”). Estados Unidos 2011. Dirección: Chris Weitz. Guión Eric Eason y Roger L. Simon. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Javier Aguirresaroe. Intérpretes: Demián Bichir, Dolores Heredia, Joaquín Cosío. Duración: 98 minutos.
HEARTBEAT OF THE WORD,
AMBICIOSO PROYECTO CINEMATOGRÁFICO
IMPULSADO POR GUILLERMO ARRIAGA
Vivimos en un mundo globalizado, donde las culturas entrechocan y subyace un auténtico caos en cuanto a visiones de la vida y modos de apropiarse del mundo circundante, el arte es uno de los medios para buscar dilucidar los enigmas y para dar una nueva luz a una realidad confusa, obscura, difícil de seguir sobrellevando.
Por dicha razón el guionista y cineasta Guillermo Arriaga, apoyado por el actor y productor mexicano Alex García y su homólogo argentino Lucas Akosin, han planeado el interesante proyecto cinematpgráfico “Heartbeat of the Word”, el cual consiste en 4 largometrajes de ficción, compuesto cada uno de ellos por 10 cortometrajes, realizados por reconocidos directores mexicanos e internacionales.
El objetivo es plasmar a través de imágenes en movimiento, tópicos relevantes de la temática social, concernientes a la religión, la cuestión sexual, los vicios, los manejos de la política, entre otros aspectos.
Para el segundo semestre del 2012 se busca que esté terminado el primer largometraje del conjunto que se intitula “Words with god”, y que su nombre claramente lo indica aborda la relación que el individuo tiene en su relación con la deidad o su falta de cercanía con la misma.
Dicha película contará con cortometrajes dirigidos por Emir Kusturica, Mira Nair, José Padilla, Bahman Ghobadi y el propio Guillermo Arriaga, entre otros.
Dentro de Heartbeat of the Word, también se incluyen los siguientes tres largometrajes: “Encounters”, en torno al sexo como identidad, el cómo las diferencias generan violencia; un tercero “Into the bloodstream” sobre lo que comemos, bebemos, inhalamos y fumamos , explicando como algunas de las sustancias son tóxicas.
Y finalmente, “Polis”, una reflexión sobre la política, sus recovecos más ocultos, las jerarquías, y las rebeliones.
SIN ESCAPE: UN THRILLER PARA LUCIMIENTO DE TAYLOR LAUTNER
FRANCIA EL PAÍS INVITADO
El joven y atractivo actor Taylor Lautner, saltó a la fama con la saga de películas de “Crepúsculo”, desde entonces tiene más de una admiradora adolescente, y no es para menos, el chico es carismático.
Ahora John Singleton , le brinda su primer estelar en “Sin escape” (“Abduction”), un thriller trepidante, de un joven que va hacia la búsqueda de su identidad, cuando día, en forma accidental encuentra en un sitio web, una foto suya cuando niño, donde se le reporta como un niño desaparecido.
Es entonces, cuando Nathan Harper (Lautner) decide no quedarse quieto y se lanza a una investigación para conocer sus orígenes, y claro para que el asunto sea hollywoodense, de un momento a otro él se verá perseguido por policías, agentes del gobierno y para darle más sal y pimienta al asunto por un grupo de sicarios.
Esta es la trama poco convincente que propone “Sin escape” que parece ser el coctel de varias cintas de su género, la salva que está bien dirigida por Singleton y que a pesar de varias situaciones inverosímiles es bastante entretenida.
Asimismo tiene el plus de contar en su reparto con cuatro actores de talento como son: Alfred Molina, Sigourney Weaver , María Bello y el sueco Michael Nyquivist. Que por supuesto son un soporte para el novel Lautner.
Compleja y violenta intriga, que al menos funciona como cine de entretenimiento, no va más allá, en ningún momento levanta vuelo, recomendable sobre todo para las fans de Lautner “que ha cambiado de piel!.
“Sin escape”. Estados Unidos, 2011. Dirección: John Singleton. Guión: Shawn Christensen. Fotografía: Peter Menzies Jr. Música: Ed Sheamur. Intérpretes: Taylor Lautner, Lily Taylor, Alfred Molina, María Bello. Duración: 106 minutos.
FRANCIA EL PAÍS INVITADO
EN LA 5ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE LA MEMORIA
El Festival de la Memoria de Documental Iberoamericano cambia de sede, en esta ocasión se efectuará del 24 de septiembre al 2 de octubre en Cuernavaca, Morelos, gracias haber recibido diversos apoyos de carácter institucional y académico. La función inaugural se llevará a cabo el sábado 24 a las 18 horas en el Teatro Ocampo, con la proyección del documental “Nostalgia de la luz” del afamado realizador chileno Patricio Guzmán.
En dicho documental se aborda la distancia entre el cielo y la tierra; entra la luz y los hombres, para bucear más allá del paisaje de Atacama y dar constancia de varios hombres y mujeres desaparecidos en tiempos de la cruenta dictadura Pinochetista.
Moisés Jiménez codirector de este evento cinematográfico que dirige la documentalista Alejandra Islas, comentó que: “La sección oficial se encuentra conformada por 12 países, México y América Latina, se suma 25 trabajos, con las temáticas de memoria, identidad y arte”. El documental ganador se hará acreedor al Premio Zapata.
En forma paralela, se proyectarán varios documentales franceses, en vista que dicho país, es el invitado en este 2011, destacando la retrospectiva de Nicolás Phillibert, quién llegará al festival, el 28 de septiembre, ciclo, que a partir del 29 se proyectará también en Cineteca Nacional.
También habrá una selección de trabajos de Jean Rouch, Chris Marker y los cortos documentales de Agnés Varda, la llamada “abuela de la Nueva Ola Francesa”.
Mientras que Pablo Gleason, coordinador de producción del Festival de la Memoria, hizo saber que se le rendirá también “un homenaje al prolífico documentalista Oscar Menéndez, exhibiéndose 7 de sus filmes, además de una exposición de sus fotografías en el Centro Cultural Universitario de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos”.
Entre otras novedades, por primera vez se instituye el Premio Luciana Cabarga al mejor trabajo documental dirigido por mujer cineasta de los que compiten en la sección oficial, con una presea diseñada por Rafael Cauduro.
El 5º Festival de la Memoria, inaugura también una serie de actividades académicas, sobre todo dirigida a jóvenes universitarios que contar{a con conferencias, mesas redondas, paneles y una master class de Phillibert.
EN BREVE, LA SEMANA DE CINE NÓRDICO
Como cada septiembre, se presenta en Cineteca Nacional, del 23 al 29, la Semana de Cine Nórdico, donde se encuentran programados 7 largometrajes de ficción, todos ellos coinciden en manejar personajes de profunda complejidad psicológica, sea en el drama o en la comedia más ligera.
El espectador tendrá la oportunidad de ver cintas de Dinamarca, Suecia, Noruega y Finlandia. La Semana de Cine Nórdico inaugura con el drama “Aplauso” (2009) dirigido por el danés Martín Zandvliet, cuyo gran acierto es tener por actriz protagónica a Paprika Steen, habitual colaboradora de Dogma 95.
“Aplauso” maneja dos mundos paralelos, el de la vida cotidiana y el del teatro. Una actriz que se ha rehabilitado de su problema de alcoholismo busca a toda costa recuperar a su familia, al tiempo que actúa en la obra “¿Quién le teme a Virginia Woolf?” de Edward Albee.
Mientras que “Limbo” (2010), es una cinta dirigida y escrita por la noruega María Sodahi, la trama de desarrolla en una zona petrolera del Caribe, para mostrar cómo el trabajo puede ser tan absorbente, hasta ocasionar un gran distanciamiento entre marido y mujer.
El finés Dome Karukoski entrega un filme juvenil “Fruto prohibido” (2009), en torno a dos chicas muy amigas, y el cuándo una de ellas se rebela a la opresiva religión luterana. Mientras que en “La hermandad” (2009) realizada por el danés Nicolo Donato se despliega el romance de dos muchachos homosexuales, quiénes participan en el movimiento neo nazi.
Otro de los filmes de este ciclo es la ópera prima “Beyond” (2011) de la sueca Pernilla August, protagonizada por Noomi Rapace sobre una joven mujer que carga a cuestas con un pasado doloroso, mismo que el espectador irá conociendo a través de diversos flash backs.
La Semana de Cine Nórdico 2011 cierra con “A casa en navidad” (2010) del noruego Bent Hammer, una película coral sobre la hipocresía que permea a la sociedad posmoderna, y la fragilidad de los vínculos humanos.
