POR LOS ESCENARIOS, POR LOS LIBROS TEATRALES..

"Dios o no ser".-  Una disquisición filosófica al tiempo que sumamente poética es la que desarrolla David Gaitán en su obra "Dios o no ser", misma que se presenta bajo la dirección de Martín Acosta en el Teatro Benito Juárez hasta el próximo domingo 24 de febrero.
Poco recursos de producción, pero una eficaz dirección escénica que conserva el tono de principio afin, con un reparto encabezado por Diana Sedano- la más destacada, sobre todo por su gran lenguaje corporal, así como Mariana Gajá y el mismo dramaturgo..
Obra en torno a la incomunicación, la soledad, el suicidio, el desmoronamiento de las relaciones interpersonales, como los viajes existenciales que son necesarios de ser realizados para sobrevivir.
Obra culterana- no apta para todos los públicos-, pero que cuenta con bellísimas imágenes escénicas como el hachazo a un trozo de hielo. "Dios o no ser" en momentos hace guiños a "La voz humana" de Cocteau cuando aparece una cabina telefónica de la nada.
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NOVEDADES DE EL MILAGRO.- El teatro no sólo sucede en el escenario también es acogido entre las páginas de un libro. Como cada mes, Arte y Escena Ediciones ha sacado varias novedades, de éstas destacan: "El ensayo del titiritero" de Carlos Converso , quien es fundador y maestro del Centro de Estudios en el Arte de los Títeres en Xalapa Veracruz.
Estamos ante una obra  que tiene dos tramas paralelas, en las cuales se confronta la vida y la muerte.
La vejez es el eje central de un texto dramático que presenta un juego de espejos entre el actor moribundo que fue alguna vez titiritero y un títere que se posesiona del actor moribundo.
Asimismo se editó el libro "El fulgor de Clara"  de Martín Zapata que fue  galardoneado con el Premio Juan Ruiz de Alarcón 2018. De nueva cuenta esta obra presenta su obsesión como dramaturgo, el manejo de dos realidades, la fantasmal  y el mundo de los vivos.
Dos hermanos son los protagonistas de una obra donde se resaltan los sueños y la fraternidad en una existencia que no siempre es fácil de ser sobrellevada.
Asimismo, se publicó un volumen con dos obras de Gilberto Guerrero, quien ha mantenido una lucha por mantener el arte escénico en tiempos altamente tecnológicos. A últimas fechas fundó el foro alternativo El Cubo.
"Sin memoria" es el título de un volumen que contiene dos textos dramáticos, el primero de ellos que da nombre al libro, es la conversación entre dos mujeres de alrededor de 40 años quiénes bajo los influjos del alcohol, develan lo que no pueden cambiar de la vida, así como sus expectativas y sus sueños de juventud que se perdieron ahora que viven de la prostitución.
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CIEN REPRESENTACIONES DE "EL TRAFICANTE DE HISTORIAS"
Dentro del ciclo "La Risa" de Microteatro se develó la placa de 100 representaciones de la obra "El traficante de sueños" dirigida por Alberto Estrella, placa develada por María Rojo y Víctor Carpinteiro.
Obra en que destaca la actuación de Rosa María Trujillo como una femme fatale que busca convencer al traficante de libretos teatrales que le de uno nuevo.
La puesta en escena retoma elementos del cine noir y del cine gangsteril. Propuesta atrayente que no sólo posibilita el acercamiento de los actores con el público, sino que propicia una reflexión en torno de  la pasión escénica, aunque sea necesario derribar más de un molino de viento.

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ESPECTADORA INSACIABLE: "UN TRANVÍA LLAMADO DESEO" Y "LADRONAS DE ALMAS"

Me declaro una espectadora insaciable y una lectora irredentamente incontenible. Por eso en esta ocasión haré referencia a dos propuestas, una en el teatro y la otra en el cine. Y como posdata, la recomendación de una lectura.
"UN TRANVÍA LLAMADO DESEO".- Este texto canónico de Tennessee Williams es revisitado por Iona Weissberg y Aline de la Cruz pero no con mucha fortuna, la puesta en escena no llega a la fuerza de la dramaturgia de su autor. El refinamiento de Blanche Dubois contra el primitivismo de Stanley Kowalski es uno de los temas vertebrales de una obra que continúa siendo actual por el modo en que bucea en las contradicciones emocionales del ser humano.
Digo que la puesta en escena es un tanto fallida, por la música creada por Mario Santos, ex profeso y que parece de aeropuerto o de oficina sin tener ese toque de nostalgia presente en las palabras de Williams-dramaturgo.
Además los colores de la escenografía de Sergio Villegas son en exceso estridentes y remiten más a un filme de Almodóvar que a un departamento decadente.
La que salva un poco este montaje es la siempre eficaz y talentosa Mónica Dionne como Blanche Dubois, mientras que María Aura pone su mejor esfuerzo para caracterizar a Stella Kovalski, en cambio Rodrigo Murray no tiene espacio para lucir sus dotes histriónicas y Marcus Ornellas como Kovalski nos ofrece una interpretación muy débil.
"Un tranvía llamado deseo" se presenta  de viernes a domingo en el Teatro Helénico hasta el próximo 30 de abril.
"LADRONA DE ALMAS".- Este viernes 21 de abril se estrena la cinta "Ladrona de almas", 18o trabajo fílmico de Juan Antonio de la Riva, película de época que se inscribe en el género de terror gótico, filmada en el 2015 y que fue reconocida como mejor película en el Festival Feratum.
Para quien esto escribe lo que más destaca de esta propuesta es el indudable oficio como cineasta de Juan de la Riva, sobre todo por su capacidad de generar atmósferas atractivas, amén de hilvanar con acierto la narrativa cinematográfica. 
La cinta se desarrolla en México en 1815, cuando unos supuestos insurgentes le piden asilo a un hacendado, y son otras sus intenciones. Destacan las actuaciones del trío protagónico conformado por Sofía Sisniega, Ana Sofía Durán y Natasha Dupeyrón.
Da gusto cuando un cineasta se arriesga a experimentar en otros géneros, mostrando su capacidad en el manejo del celuloide.
PD.- Y la lectura ese remedio infalible contra la soledad y el tedio me lleva a la valiosa relectura de "La naúsea" de Jean Paul Sartre, donde literatura y filosofía van de la mano, amén de que es un retrato de la deshumanización del hombre en el siglo XX.

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"MOSCÚ": CUANDO LA REALIDAD APABULLA A LOS SUEÑOS

Conocí la dramaturgia de Mario Diament por su obra "Cita a ciegas", un canto al amor y la solidaridad humanas. Hoy de nueva cuenta tenemos un texto suyo sumamente trabajado y con destellos poéticos: "Moscú" que se basa en "Las tres hermanas" de Chejov.
El tedio, la desesperación, la desesperanza, las ganas de superar el letargo de la rutina son algunos de los temas vertebrales de esta obra dirigida con sensibilidad y mano firme por Víctor Carpinteiro.
Un dejo a melancolía, permea la escenografía y la iluminación diseñadas por Mónica Kubli; a lo largo de 75 minutos, los espectadores se enfrentan a tres hermanas que mantienen entre sí una fuerte relación de amor y odio a un mismo tiempo.
Tres hermanas a quienes les duele vivir en la provincia rusa, cuando su anhelo sería radicar en Moscú. Masha, Olga e Irina, tres mujeres que se sobreviven en una soledad acompañada y que sienten cada una de ellas que su circunstancia apabulla una y otra vez la realización de sus sueños.
Tres son las actrices que dan vida a ese trío fraterno: Claudia Marín, Mikaela Lobos y Carmen Baqué, las tres ofrecen un buen trabajo actoral, sin que éste sea especialmente sobresaliente, pero sí muy digno.
"Moscú" de Mario Diament es un montaje recomendable que se presenta los viernes a las 20:30 horas y los sábados a las 19 horas en el Círculo Teatral, ubicado en Avenida Veracruz número 107 en la Colonia Condesa. Es un montaje que vuelve de nueva cuenta a reafirmar el talento chejoviano para la creación de personajes en claroscuro realmente entrañables. 

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"ContrAcciones": El feroz bullying laboral

Las grandes empresas se han deshumanizado. Sus empleados forman parte de una masa amorfa; difícilmente los unos saben los nombres de los otros. Se trabaja en un ambiente de gran tensión e incluso desconcierto.
Los contratos suelen ser leoninos, contienen cláusulas inverosímiles, llegan a invadir los comportamientos de las vidas personales.
Esto lo plantea la obra "ContrAcciones" del joven dramaturgo inglés Mike Bartlett; obra que fue estrenada en el 2008 y que ahora llega a México, un texto inteligente, con un humor sumamente ácido que si bien hace reír, también duele de sobremanera.
A lo largo de 75 minutos, se dan reuniones entre la gerente (espléndida Aída López), una mujer desalmada, inconmovible que se refugia en su lap top, como un parapeto para llenar un vacío existencial que se intuye. Es una mujer que goza ejerciendo el bullying. La perfección que busca se vuelve casi imposible.
Ella sostiene pláticas con Emma, una de sus subalternas (conmovedora interpretación de Carmen Mastache), una mujer dedicada a su trabajo, que casi nunca se queja. Una mujer  que aún quiere ser benévola y que se encuentra dispuesta a amar.
Hay un contraste marcado entre  las dos personalidades que son casi opuestas, y que el director del montaje Alejandro Velis sabe manejar con gran sensibilidad. Él se vale de diversos claroscuros y puentes musicales, mismos que intensifican el desarrollo de una trama que desemboca en el alto costo que implica trabajar en una empresa- quizás transnacional.
Como escenografía, una plataforma, donde ambas mujeres transitarán una y otra vez, y al fondo un archivero que contribuye a dar un ambiente oficinesco. Los diálogos son entrecruzados por una ironía, que es sumamente punzante. Pareciera que un Big Brother estuviera presente, espíando lo que hace cada uno de los empleados.
A final de cuentas, nada es lo que parece. La gerente seguirá por los días de los días en su puesto como si no hubiera pasado nada. Emma sucumbirá en su fragilidad y en un momento dado estará a punto de enloquecer, por el hostigamiento al que es sometida. Su sonrisa se desvanecerá de su rostro.
Un buen montaje que es un tour de forcé entre dos grandes intérpretes que tiene temporada en el Teatro El Granero Xavier Rojas, los lunes y martes a las 20 horas hasta el próximo 8 de diciembre.

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"ESCORIAL": EL INTERCAMBIO DE ROLES

Noche oscura, los perros aúllan y las campanas no dejan de repicar; noche de duelo, la reina yace moribunda en sus aposentos, y el rey se encuentra atribulado, pese a la relación tormentosa que mantiene con ella, tiene miedo a la muerte, se quiere regocijar y llama a Folial, su bufón para que lo haga reír. Tales son los elementos central de la obra "Escorial" del dramaturgo belga Michel de Ghelderode (1898-1962), una sátira intensa  en torno a la decadencia, el poder, la locura, las pasiones humanas, la lealtad y el amor.
Bajo una cuidada dirección de Luly Rede, quien también adaptó el texto, se despliega una puesta en escena que tiene dos grandes protagonistas: Un sobresaliente Patricio Castillo como el rey, y un espléndido Roberto Sosa como Folial, el bufón, quien destaca por su gran manejo de su lenguaje corporal. Ellos intercambiarán sus roles, de manera momentánea, buscando una paz espiritual que no logran hallar. Entrando a un juego de teatro dentro del teatro.
El bufón se sentirá a sus anchas como el rey, aquel que es capaz de mandar, aquel que es capaz de imponer su voluntad; en tanto el rey aligerará sus tribulaciones como un bufón lúdico y despreocupado. Complementan el elenco Paula Comadurán con dos breves aparaciones como la reina espectral y Roberto Ríos "Raki" como el monje quien cumple a toda ley las órdenes del rey.
A lo largo de una hora, el espectador tiene la oportunidad de compenetrarse a un juego de luces y sombras, un juego donde se desconoce donde se encuentra la verdad, y en que momento todo deriva en una ficción.
Con tintes de crueldad y en momentos con énfasis en lo grotesco, Ghelderode presenta una obra- que pese aunque se siente un tanto avejentada nos remite al estira y afloje del poder.
"Escorial" tendrá temporada  hasta el próximo 25 de noviembre, los miércoles a las 20:30 horas en el Teatro Helénico.

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"LAS HERIDAS DEL VIENTO", SE DEVELAN MISTERIOS DOLOROSOS

No siempre conocemos a las personas en su esencia íntima, las apariencias engañan, cada ser humano guarda secretos que se encuentran albergados en lo más profundo de sí mismo. De ello da constancia la obra "Las heridas del viento" del dramaturgo español Juan Carlos Rubio, que se presenta los martes a las 20:30 horas en el Círculo Teatral, en la colonia Condesa hasta mediados del próximo mes de diciembre.
Dos personajes se confrontan el hijo de un hombre recién fallecido (Javier Olguín), quien alterna funciones con Allan Flores y un hombre de edad madura, decepcionado por la vida, quien supo amar intensamente (un estupendo Antonio Algarra).
Unas cartas un tanto amarillentas son las que develerán el misterio, y en algún momento de la obra dirá uno de los personajes: "Siempre me ha sorprendido el interés de las personas por conocer a los demás en una faceta distinta a la que nos presentan... Todos tenemos derecho a guardar una buena ración de misterio."
Una escenografía minimalista preside este montaje, semeja un muelle para remitir al espectador a un inminente naufragio. El joven y el hombre maduro terminarán por comprenderse el uno al otro, a partir de una mirada.
Luly Rede es la autora de una dirección sensible, donde fragmentos de música melancólica dan mayor realce a la acción dramática.
"Las heridas del viento" cuenta con un lenguaje poético habitado por las metáforas y nos permite corrobar en el presente montaje que la sencillez y la desnudez en escena, donde se da mayor peso al trabajo interpretativo bien valen la pena.

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"ÉXITO A CUALQUIER PRECIO": TRIUNFAR A TODA COSTA

Me parece un gran acierto, que los productores Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo han decido llevar al gran público, un texto de David Mamet (Chicago, 1947), uno de los más emblemáticos dramaturgos norteamericanos, se trata de una adaptación de "Glengarry Glen Ross", que en su montaje lleva por título "Éxito a cualquier precio", la adaptación es de Alberto Lomnitz (con un exceso de palabras altisonantes, tal vez para tornar más áspero lo que sucede en una oficina de bienes y raíces) y la dirección es de Enrique Singer, quién hace 3 años, montó otra obra de Mamet, la perturbadora "Oleanna".
Siete actores son los que participan en "Éxito a todo precio" y son: Héctor Bonilla, Juan Carlos Colombo, Julio Bracho, Patricio Castillo, Juan Carlos Beyer, Javier Díaz Dueñas y Bruno Bichir, siendo estos dos últimos, los que tienen un mejor desempeño electoral.
La trama gira en torno al cómo los empleados son puestos a competir para no perder su empleo, y ello deriva en una serie de tensiones interpersonales, donde aunque se recurra a embustes o a la corrupción, se hace necesario sobrevivir cueste lo que cueste.
De lo más destacable de este montaje es la bella escenografía diseñada por el talentoso Jorge Ballina, que consiste en una oficina con vetustos escritorios, casi en ruinas, y el decorado de un restorán chino, donde diversos personajes se reúnen para conspirar.
En poco menos de dos horas, el espectador se compenetra con los efectos de un mundo globalizador y competitivo, y a pesar que Mamet escribiera esta obra hace casi 3 décadas, en 1984, es más actual que nunca.
"Éxito a cualquier precio" se presenta en el Teatro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Ángel (se sugiere consultar cartelera para los días y horarios)

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"UN CHARCO INÚTIL": LAS HERIDAS EXISTENCIALES

David Desola es uno de los dramaturgos españoles contemporáneos que ha desplegado su pluma en torno a temas con fuerte carga social. Recientemente, la familia Bonilla presentó su conmovedor melodrama "Almacenados" en torno a la jubilación laboral; ahora podemos apreciar "Un charco inútil", una obra que nos remite a las heridas existenciales, esas que dejan tatuajes abisales de dolor en el alma.
Son 3 personajes: Irene (espléndida Úrsula Pruneda), una mujer que no logra superar la muerte de su pequeño hijo, y que cree que aún vive; un profesor (eficiente Tomás Rojas) que no sólo cojea de un pie, sino que su timidez y falta de valor lo mantiene en un resquebrajamiento emocional y finalmente, quizás el personaje más interesante del trío, un viejo y cínico profesor (con una gran interpretación de Miguel Flores) quien representa una especie de conciencia en torno a la sabiduría que debe de prevalecer en toda vida.
Carlos Corona es el director de esta obra, opta por un trazo minimalista y por manejar un escenario en dos niveles, a modo de metáfora: una cuestión es lo que les mostramos a los otros; y una segunda, el convulsionado mundo interior que intentamos enmascarar.
Esta obra a decir del propio Desola en el programa de mano, surgió a raíz de los Atentados del 11-M en Madrid España, son "los  personajes que se refugian en la locura para mantenerse cuerdos."
En efecto, "Un charco inútil", permeada en momentos por un humor agridulce nos invita a una reflexión en cuánto al culto que le damos a nuestros muertos, así como la necesidad de reencaminar los pasos, tras la tragedia.
Se presenta los lunes y martes a las 20 horas en el Teatro Xavier Villaurrutia hasta el próximo 30 de abril. 

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INANNA: EL MITO DE UNA DIOSA TEATRALIZADO

Inanna, la diosa sumeria, con una existencia que rebasa cuatro milenios, la Diosa del Cielo y la Tierra, la Diosa del Amor y la Guerra, su leyenda es llevada a escena por la talentosa directora Lorena Maza, en una producciòn de la Compañìa Nacional de Teatro. Son dos ejes a los que recurre Maza para darle teatralidad a su espectáculo; por un lado la presencia de Enheduanna (Angelina Peláez), una de las poetas más antiguas de la humanidad, quien funge como narradora; en tanto Jerónimo Best da vida al especialista de Asiria Samuel Kramer (1897-1990), quien se interna en la epòca de Inanna.
"Inanna" es una montaje que apuesta a lo visual, combina música en vivo, dirigida por Manuel Mejía, así como cantos religiosos en las voces de Carmen Mastache, Rocío Leal y Kaveh Parmas, éste último también tiene a su cargo la gran interpretación de Enki, Dios de la Sabiduría.
Inanna caracterizada con sutileza por Renata Ramos, busca su otredad, aspira a confrontar sus demonios ocultos, razón por la cual baja al inframundo.
Erotismo y sensualidad permean el desarrollo de una obra, que en algunos momentos los menos, se siente un poco didáctica, pero que tiene a su favor, el poseer altas dosis de poesìa, lo mismo en su texto y sobre todo a nivel visual donde uno de los aciertos es contar con río simulado, parte de la escenografía e iluminación diseñadas por el eximio maestro Alejandro Luna.
Lorena Maza apuesta por el color ocre, en diversas tonalidades para introducir al espectador a un mundo que fluye entre el misticismo, la espiritualidad y la invaluable sabidurìa de Inanna ( Ishtar en Babilonia, Astarté en Fenicia y Afrodita para la cultura griega).

"Inanna" es un espectáculo gozoso, diferente a lo que acostumbramos ver, y que del 10 de enero al 3 de febrero del 2013 , reanudarà temporada en el Teatro El Galeòn.

 

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"SALÓN PARAÍSO": FUE EN UN CABARET...

Y dice la canción "Fue en un cabaret, donde te encontré bailando..." esta letra se ajusta al divertimento teatral "Salón Paraíso", cuyas dos historias se desarrollan en un cabaret de mala muerte, cubierto por el manto nocturno y distorsionado por el humo de los cigarrillos, ahí se huele alcohol, bajas pasiones y perversidad. Esta obra dirigida con sensibilidad por Gabino Hernández Aguirre, tuvo temporada en varios foros como son Voces en Tinta, el Trolebús aledaño a la calle de Guadalajara por el Parque España y este viernes  16 de noviembre, ofrecerá una función gratuita en el Foro de la Comedia, a las 21:30 horas.
"Salón Paraíso" se conforma por el melodrama patológico "Es que me voy de vacaciones, Manita" de la autoría de Luis Márquez, que relata la complicidad que se establece entre una prostituta sin escrúpulos y un judicial para encubrir las tendencias homosexuales de un policía.
En tanto, la segunda escrita con humor caústico por Javier Flores se titula "El número 5" y se centra en un hombre casado que se sumerge en una pesadilla surreal, y resulta que su gran fantasía sexual tiene posibilidades de transformarse en realidad en un travesti .

Un equipo conformado por un cuarteto de actores hacen las delicias de los espectadores, ellos son: Claudio Castañeda, Eugenia Guerra, Alejandra Hera y Miguel Ángel Santamaría. Estamos ante un proyecto independiente, que se interna en esos submundos nocturnos que existen en toda gran urbe, de una manera humorística.

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HORROR MÓVIL. DE LA COMUNICACIÓN EN TIEMPOS DEL VACÍO

Vivimos tiempos acelarados, de incomunicación profunda, estamos juntos, pero apenas si sabemos algo el uno del otro, son más los enigmas que las realidades. Así lo deja constar "Horror móvil", comedia de humor negro del autor finés Juha Jokela, que se presenta en el marco de Dramafest 2012.
Tan sólo le bastan 4 personajes para mostrar un microcosmos de incertidumbre y falacias, de búsqueda de refugio en teorías espirituales o en sanguinarias novelas policíacas; 4 personajes que se saben por sus nombres, pero que ignoran el uno del otro, sus esencias primigenias.
Mario Espinosa es el responsable de esta bien trazada puesta en escena, que cuenta con muy buen ritmo, y que equilibra el peso actoral, con un texto dramático, que en momentos colinda con el absurdo y el pastiche.
Theri (estupenda Arcelia Ramírez) es la jefa de una oficina donde se fabrican aplicaciones para teléfonos celulares, acaba de pasar por una crisis emocional severa, y ha encontrado un refugio en el pensamiento pacifista de Gandhi, mismo que quiere poner en práctica en esta microempresa; Edyta Rzewuska, responsable del vestuario, por ello la presenta con camisola y pantalones blancos: por otra parte, está su contrincante  Seppo (un telúrico José Carlos Rodríguez) quien no tolera que su compañera destaque más que él.
A ambos, se les suma el timorato Mikke (Raúl Briones, una revelación), diseñador y apasionado de la literatura policíaca y con menos intervenciones el jefe del trío (Juan Carlos Beyer).
Gloria Carrasco diseñó una funcional escenografía tres sillones, un tapiz otoñal, la pantalla para un multimedia dosificado, y en la parte superior del escenario una especie de sauna.
"Horror móvil" estupenda sobre todo en su primer acto, nos habla de la comunicación en la era del vacío. donde a veces se inventan productos tan descabellados, como aplicaciones de "horror", castillos góticos, fantasmas, dragones para poder ser vistos a través del teléfono celular.

Gran acierto de Aurora Cano, actriz y directora de Dramafest el haber elegido esta obra- que confíemos que en tiempo futuro, puesto que por el momento "Horror móvil" culmina temporada el próximo domingo 2 de septiembre en el Teatro "El Granero" Xavier Rojas en el Centro Cultural del Bosque.

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CONNECTING PEOPLE: CUANDO LA INCOMUNICACIÓN SE AGUDIZA

La telefonía celular ha trastocado al mundo actual, en vez de establecer sólidos puentes de comunicación, cada vez la gente está más aislada entre sí. Cada vez el ser humano se ha tornado más egocéntrico y a esto ha de añadirse que el contacto piel contra piel es mínimo, y que para algunos el sexo se ha convertido en un asunto de mera evasión. Estos son algunos de los temas de la farsa "Connecting People") escrita por la dramaturga mexicana Elena Guiochins ("Caída libre", "Prendida de las lámparas"), una de las puestas en escena producidas por Dramafest 2012.
La directora finlandesa Hilkka Iislivanainen es la responsable de una puesta en escena- para quién esto escribe un tanto estridente, y en momentos en exceso ilustrativo del discurso dramático- Un escenario rodeados en su totalidad por mallas (de hilo, aunque parecieran de metal), encapsula a los cinco personajes centrales, un director de cine, que ha logrado el gran éxito buscado y 4 mujeres_ abuela, madre y sus hijas, aunque no lo es lo que parece.
Un humor negro, con ciertos elementos que se conectan con la filosofía de Woody Allen. no en vano hay una recreación de un fragmento de su película "Vicky Cristina, Barcelona", tornan esta obra a un mismo tiempo jocosa pero contenedora de un profundo dolor en torno a la soledad existencial que se ha vuelto inconmensurable en los tiempos globalizadores. 
Del elenco destacan sobre todo Pilar Boliver y Mónica Huarte, ambas experimentadas actrices, con un especial talento para la comedia, complementan el reparto: Amanda Schmelz, Paulette Ailine, Fabiana Perzabal y Ernesto Álvarez.

"Connecting people" tiene funciones martes, miércoles y jueves a las 20 en el Teatro "El Granero" Xavier Rojas hasta el próximo 30 de agosto.

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LA MADRIGUERA: DUELO POR EL HIJO

EN 2007, el dramaturgo David Lindsay-Abaire se hizo acreedor al Premio Pulitzer por su obra "Rabbit- Hole", que ahora se presenta en el Distrito Federal como "La madriguera", con la dirección de Iona Weissberg en el Teatro Rafael Solana del Centro Cultural Veracruzano.
Melodrama que linda con los terrenos de la pieza y que aborda como una pareja afronta el duelo por la muerte intempestiva de su pequeño hijo Dany. Alex (Mario Iván Martínez) y Sofi (Ludwika Paleta) son un matrimonio con una relación firme, pero que se comienza a desmoronar cuando Dani es atropellado por perseguir a su perro.
En estos momentos climáticos de la vida, deberán sobrevivir su duelo, tarea nada fácil, en compañía de la cuñada (Dominika Paleta) y Marilú , la madre de ambas mujeres (Isela Vega en su retorno a los escenarios teatrales) y el punto de quiebre, es el joven que accidentalmente atropelló a la criatura (Luis Arrieta).
Sin lugar a dudas estamos ante un montaje redondo, funcional escenografía de Sergio Villegas; iluminación llena de matices de Matías Gorlero, que incluso algunos de los colores que emplea nos va remitiendo a los estados anímicos de los personajes, y sobre todo la orquestación equilibrada de Iona Weissberg quien con mano firme maneja a sus actores.
Sobresalen Ludwika en el mejor papel- que hasta el momento ha desarrollado en escena e Isela Vega, que con su interpretación fársica da un espacio de respiro al intenso drama que se despliega en escena.
La producción es de Teatro de Primera (Juan Torres y Guillermo Wiechers), productores que se han preocupado por presentar teatro comercial de alta calidad.

En lo personal, fue una grata sorpresa ver una puesta en escena, que conjuga un buen texto y un entregado equipo creativo. Pero como todo lo que empieza termina, el primero de julio, se baja el telón de "La Madriguera", pero ojalá pronto se vuelva a reponer.

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THEATERWELT: TEATRO ALEMÁN, SUIZO Y AUSTRÍACO

Es muy importante tener la posibilidad de asomarnos al teatro que se está escribiendo en otros lugares. Theaterwelt es una buena oportunidad para ello. El ciclo que inició en el teatro El Granero "Xavier Rojas", el pasado 10 de marzo y que culminará el próximo 30 del mismo mes, nos lo permite. Para esta ocasión fueron seleccionadas 6 obras de dramaturgas alemanas, suizas y austriacas, dirigidas todas ellas por talentosas y propositivas directoras mexicanas.
El ciclo dio inicio con la lectura dramatizada de "Inocencia" de Dea Loher de Alemania, con la dirección de Luly Rede, obra expresionista que nos remite a las debilidades humanas, en situaciones límites, donde resulta difícil avasallar los miedos. Situaciones que paralizan e impiden el crecimiento personal.
Posteriormente se presentó también de Alemania, la obra "Tanta ferocidad ya no existe en nuestros bosques" de la autoría de Theresia Walser, dirigida por Angélica Rogel, en una acción que se desarrolla en una estación de tren, cuyos personajes se encuentran desesperanzados en tiempos globalizadores.
La tercer obra elegida y dirigida por Carmina Narro, lleva por título "Irse a dormir" de la dramaturga austriaca Gerhild Steinbuch en torno a la complejidad de las equidistancias relaciones de pareja. Acto seguido se presentó la tragicomedia "La vida de Helge" de la germana Sybille Berg, con la dirección de Rocío Belmont, donde unos animales quieren ver una obra de teatro basada en la vida de seres humanos comunes y corrientes.
Un humor corrosivo preside un texto que pone el dedo en la llaga en los miedos y las debilidades humanas.
Para la próxima semana, se presentarán las dos obras restantes: "Arañas" escrita por la suiza Sabine Wen- Ching Wang con la dirección de Dana Stella Aguilar, cuya acción transcurre en un hospital psiquiátrico para dar cuenta de una sociedad contemporánea, donde nadie se cura y "El panm de cada día" de la alemana Gesine Danckwart, con la dirección de Lydia Margules un texto discursivo que se divide en cinco voces que remiten a la profunda soledad contemporánea.

Theaterwelt es un ciclo organizado por el Instituto Goethe y la Coordinación de Teatro del INBA en un afán de acercar a las audiencias al teatro que se genera en otros países.

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LA PAZ PERPETUA: ALEGORÍA DE UNA SOCIEDAD GLOBALIZADORA

Juan Mayorga es uno de los dramaturgos españoles más propositivos de la actualidad, de él, la Compañía Nacional de Teatro, presenta su estupenda obra "La paz perpetua", bajo la dirección de Mariana Giménez. El título está tomado de la obra filosófica homónima de Immanuel Kant, el pensador germano en 1795 reflexionaba en torno al cómo hallar una estructura mundial, con una perspectivas de gobierno que favorecieran la paz.
Esta premisa la retoma Mayorga de manera afortunada para a partir de 4 perros y 1 humano, hablar en torno a la libertad, la violencia, el terrorismo, la ética, la justicia y la existencia de Dios, entre otros temas, en nuestra sociedad globalizadora.
Mariana Giménez apuesta por la capacidad de su equipo actoral, sólo usa 3 bancos y el resto corre a cargo de sus intérpretes, es así como tenemos a Enrique Arreola como Od´´in, un Rottweiler impuro, perro callejero y grilloso; a Emmanuel, un pastor alemán, que es el can filosófico de la obra a cargo de Marco Antonio García.
Como contraparte Israel Islas, con gran lenguaje corporal da vida a John-John un perro, producto del cruce de varias razas, que es el más naif. En tanto Diego Jáuregui es Casius el labrador que pondrá a prueba a los otros 3 perros en sus habilidades para enfrentarse a posibles terroristas y Andrés Weiss es el único humano en escena.
"La paz perpetua" es una obra  que nos remite a una polisemia, el espectador debe de bucear en lo que escucha y ve para hallar un sinnúmero de interpretaciones. Estamos ante un montaje sencillo, pero con gran fuerza expresiva y lo que más se agradece un texto profundo e incisivo. Bien apunta el dramaturgo y director español Guillermo Heras en el programa de mano: "El miedo al terrorismo no puede combatirse con simple terrorismo de estado, por eso hay que leer el texto de Mayorga... Todos somos posibles perros policía en el caso de que no extrememos al máximo el pensamiento de libertad interior.

"La paz perpetua" tiene una última función, el próximo martes 28 de febrero a las 20 horas en el Teatro "El Granero Xavier Rojas" en el Centro Cultural del Bosque.

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MACBETH, VIGENTE A CUATRO SIGLOS EN EL CIRCULO TEATRAL

Hay obras que nunca pierden su vigencia, tal parece que la reafirman con el paso del tiempo, tal pareciera que se renuevan y se adaptan al nuevo entorno socio-histórico, tal es el caso de "Macbeth" escrita por el genial William Shakespeare hacia  1605-1606, ahora sus 5 actos han quedado reducidos a hora y media de montaje, en una certera adaptación de Fernando Castaños, quien parte de la premisa del poeta León Felipe en cuánto Macbeth es el asesino del sueño. El estudioso apunta certero en el programa de mano: "Con sus decisiones, ha matado el mejor nutriente del cuerpo y el más preciado bálsamo de la mente. No dormirá más y su día se ha vuelto interminable."
Precisamente un ámbito onírico donde los fantasmas de la culpa rondan a los personajes centrales transcurre este Macbeth renovado y revitalizado que recientemente se reestrenó en el Círculo Teatral, con la dirección de la experimentada Marta Luna, quien opta por una puesta en escena minimalista, para darle peso al discurso poético filosófico de la pluma shakespiriana. Son 4 los personajes en escena:  Macbeth (interpretado sensiblemente por Víctor Carpinteiro), una estupenda Ángeles Marín da vida a esa arpía que fue Lady Macbeth; mientras que Rafael Cortés caracteriza a Macduff y de un modo lúdico y siniestro Claudia Frías, es la bruja, la Hécate que gusta del sabor de la venganza.
En este montaje que cuenta con escenografía e iluminación de Arturo Nava y un estilizado vestuario de la talentosa Cristina Sauza, un elemento vertebral es la partitura musical creada por Alejandro Castaños, que da un realce a la tensión dramática.

La ambición desmedida y la traición a ultranza con tal de obtener el poder son los temas de este "Macbeth" vigente desde hace más de 4 siglos. No cabe la menor duda de que Shakespeare conocía a profundidad las aristas más oscuras de la condición humana y que con su pluma las supo delinear con gran sabiduría.
"Macbeth" tiene funciones, los viernes a las 20.30 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas en el Círculo Teatral, en Av. Veracruz 109, col. Condesa

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JUAREZ 6.01: TRAMITES KAFKIANOS EN EL AEROPUERTO

"El respeto al derecho me es ajeno" es la frase slogan que preside a la obra de enredos "Juárez 6.01" escrita por Eduardo Castañeda y dirigida por el director uruguayo Ernesto Álvarez, la cual el pasado 17 de febrero inició temporada en el Teatro Casa de la Paz de la Universidad Autonóma Metropolitana. Tres pasajeros sudamericanos, dos argentinos y un uruguayo son detenidos en las oficinas migratorias del Aeropuerto de la Ciudad de México, se les culpa de ser cómplices de un narcotraficante que viajaba con ellos.
Serán interrogados por Felipe Díaz, el agente aduanal (espléndido Juan Carlos Medellín) quien buscará sumergirlos en todo un laberinto de interrogantes que los haga contradecirse.
Corrupción, mentira y traición son los temas centrales que Castañeda maneja con filosa ironía.
Los interrogados son el uruguayo Ricardo Mass (interpretado por el experimentado Juan Carlos Colombo) un profesor venido a menos, que recientemente se ha divorciado, Sol Méndez da vida a una supuesta actriz, aunque es otra su interpretación real y Juan Martín Jaurégui interpreta a Diego Moretti, un supuesto empresario argentino, aunque más bien es un gigoló.
"Juárez 6.01" es una obra hilarante, pero que en el trasfondo maneja una acre reflexión de estos tiempos globalizados, donde pueden emerger más de una víctima inocente y esos oscuros entretejidos de la burocracia que son kafkianos. Dividida en 2 actos, el primero se prolonga, requeriría de ser abreviado y un segundo contundente que propone un buen cierre.

La temporada comprende funciones, los jueves y viernes a las 20 horas, y sábados y domingos a las 18 horas.

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GARDENIA CLUB: ARCHIPIÉLAGO DE SOLITARIOS

Hay noches eternamente largas, noches en que es necesario despejarse de la apabullante soledad e ir a bailar, a cantar, a distraerse a interrelacionarse con interlocutores anónimos. Esa es la propuesta del joven dramaturgo mexicano Eloy Hernández en "Gardenia Club", montaje espéctaculo que se viene presentando los miércoles a las 20.30 horas en el Foro La Gruta, dentro del ciclo de Óperas Primas.

La sensualidad, la melancolìa, y esa necesidad de ternura es lo que viven cada uno de los personajes que se dan cita en este cabaret, donde bailar de modo incansable significa una liberaciòn. Forman el elenco: Alma Chávez, Ana Zavala, Andrea Riera, Arturo Bàez y Eduardo Tànus. Dirigidos por Lila Avilès, quién busca imprimir un tono lúdico su puesta en escena.
  La idea de Eloy Hernández es buena, le faltó investigar un poco más en torno al vestuario de la época de los 40, y en haber seleccionado canciones más homógeneas, porque lo mismo oímos fragmentos del bolero cubano "Dos gardenias" que de la elegía francesa "No me arrepiento de nada", ello le hubiera dado una mayor consistencia a una obra que nos remite a la cruenta soledad de muchedumbres que se vive en las grandes urbes.
  Asimismo, hay que destacar que se trata de una puesta en escena interactiva, antes de la función se les invita a los espectadores una copa de vino, y a lo largo del desarrollo de la obra se les invita a danzar y a hacerse partìcipes de ese sentimiento de orfandad que experimentan la mayoría de los personajes.

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Flechas del ángel del olvido: en torno a la memoria y la identidad

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Caso Romeo Julieta: de intriga, amor y muerte

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