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Es necesario apartar la fecha en la agenda.El próximo sábado 19 de marzo, a partir de las 10:30 a.m. se llevará a cabo el Noveno Gran Maratón de Teatro para Niños y Jóvenes en el Centro Cultural del Bosque.
Promete ser todo un agasajo. Incluirá más de 25 puestas en escena, habrá espectáculos al aire libre, así como diversos talleres como de lucha libre, pantomina, manualidades y libros. Para confirmar horarios, se sugiere visitar la página www.teatro.bellas artes, gob. mx
Es la forma para conmemorar el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes, que este año se festeja el domingo 20 de marzo.
Durante todo el día se podrán ver montajes y todo es de entrada gratuita, con el objeto de acercar a niños y jóvenes al hecho escénico.
Lorena Abrahamsohn, subdirectora de los Programas de Teatro para Niños, Jóvenes y Escolar comentó: "En el marco de las celebraciones del Día Mundial del Teatro, año con año se realiza el Maratón. A nueve años de haberse iniciado, esta actividad se ha consolidado como uno de los encuentros familiares y artísticos más importantes de la Ciudad de México."
Este año en colaboración con Divulgación de la Ciencia de la UNAM, se incluirá Prometeo , un autobus escénico.
También se cuenta con el apoyo de la ASSITEJ, asociación internacional de teatro para la infancia y la juventud. Este año, dicha agrupación apoya la campaña "Lleva un niño al teatro", haciéndose hincapié en la inclusión.
Entre los montajes que se presentarán están "La doncella ponzoñosa", "Aquí entre dos somos tres", "El oso que no lo era", "Lo queda de nosotros", "Cuando canta un alebrije" y "El increíble caso de los hombres libros" entre otros.
Se trata de una valiosa oportunidad para ver propuestas creativas y enfrentar el teatro, que siempre será un generoso vehículo de educación.
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Una de las facetas menos conocidas del gran poeta portugués Fernando Pessoa, son los diversos aforismos que escribió.
Un aforismo suele ser el inicio de un texto en prosa o un poema al cual el autor ya no le dio continuidad.
Pequeñas joyas lingüísticas que invitan a una reflexión.
- No hay normas. Todos los hombres son excepciones a una regla que no existe.
-¡Sé plural como el Universo!
El desdoblamiento del yo es un fenómeno
, en gran número de casos, de una masturbación.
-Somos avatares de la estupidez pasada.
-Nunca tuve dinero para poder tener tedio a placer.
-La triste confianza en el futuro.
-Ver siempre será la mejor metáfora de conocer.
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No cabe la menor duda de que Robert de Niro es un actor multifacético, lo mismo se adapta al drama más oscuro que a la comedia. Lo que sí sería deseable es que escogiera con mayor cuidado los papeles que interpreta.
Ello viene a colación por la comedieta "Mi abuelo es un peligro" ("Dirty Granpa), dirigida por el guionista Dan Mazer ("Borat", "Bruno").
De Niro da vida a un ex general del ejército, recientemente viudo, quien busca gozar la vida a un cien por ciento.
Acompañado por Jason, su nieto (Zac Efron) se internarán por un viaje por Florida, y el abuelo estará a la caza de bellas mujeres, tragos y de ser posible hasta orgías.
Estamos ante un filme subido de tono que ridiculiza a la vejez; sustentada en el chiste fácil llega a abrumar debido a que hay una sobresaturación de gags cómicos, que el desarrollo de la historia se torna tedioso.
En un inicio Jason próximo a casarse se muestra reticente a seguir al abuelo en sus locuras, pero al poco tiempo se contagia y vive con él más de una descabellada peripecia.
Los momentos divertidos son pocos y la premisa de la pareja dispareja abuelo- nieto llega también a fatigar.
En suma, que sea el espectador quien decida si ve o no "Mi abuelo es un peligro", una película mediocre e irritante.
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Tras su paso en el 19 Tour de Cine Francés, la comedia romántica "Me quiere no me quiere" ("Un peau beaucoup aveuglément", Francia 2015) llega a su estreno comercial.
Se trata de la ópera prima del actor y guionista Clovis Cornillac, a quien hemos visto en cintas como: "París 36" o "El inspector Bellamy" de Chabrol. Él apuesta por el clásico patrón de una Chic Flick: Chico conoce chica, al principio ambos tienen diferencias, pero liman asperezas y terminan enamorándose.
Endeble pero eficaz con un ritmo fluido se desarrolla una grata comedia. Él es un inventor de juegos y rompecabezas (el propio Cornillac), necesita de un silencio casi absoluto para sacar adelante su trabajo.
En el departamento de a lado llega una vecina (la graciosa Mélanie Bernier) quien es una dedicada pianista, pero algo retraída quien se está preparando para un importante concurso.
Una frágil pared separa a ambos personajes y se suscitarán una serie de peripecias, hasta que ambos se enamoran sin conocerse; se comunican vía el muro que los separa.
Y junto a ellos, dos entrañable personajes secundarios, Arthus amigo de él, sumamente bonachón, que incluso le ayuda a hacer las compras del supermercado y con ella su hermana, algo latosa (Lilou Fogli), ambos terminarán como "celestinos" de la peculiar pareja.
"Me quiere no me quiere" maneja una historia alegre y ligera que ofrece entretenimiento para un espectador no exigente; le ayuda que está sustentada en un guión gracioso y en el carisma de la pareja protagonista.
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George W. Bush decide reelegirse como presidente en el 2004, es entonces cuando la productora de noticias de la CBS (una gran actuación de Cate Blanchett) y su socio, el periodista Dan Rather (Robert Redford) se dan a la tarea de desentrañar una serie de eventos que no califican al político para aspirar al puesto, desatando una gran tormenta informativa de altos niveles.
Tal es la partida del trepidante thriller periodístico "La verdad" (Estados Unidos, 2015), que marca el debut como director de James Vanderblit- guionista de una de las mejores películas de David Fincher "Zodiac" (2007). Y como resultado entrega un filme elegante, que es a un mismo tiempo, valiente por la intrepidez periodística que va más allá de los intereses creados y desesperanzador porque no siempre la lucha contra un sistema establecido tiene grandes resultados.
Ambos intenta poner a luz unos documentos oficiales, cuando Bush tuvo un penoso resultado en su juventud como oficial en la Guerra de Vietnam. Ello lo presentan a modo de docuficción en el programa de "60 minutos" y es la evidencia de alguien que planeó desde siempre ocupar la silla presidencial.
Sin duda, el centro de este filme es la gran actuación de Cate Blanchett como Mary Mapes, la informadora que supo denunciar los maltratos en Abu Ghraib en Irak, bien secundada por el veterano Robert Redford como el periodista Rather.
El guión del propio Vanderblit basado en las memorias de Mapes es sólido y ofrece un drama periodístico detallado que nos recuerda thrillers de los 70, dirigidos por Alan J. Pakula como "Todos los hombres del presidente" y tiene la virtud de llevar al espectador a cuestionarse en torno a qué tan legítimo es llegar al conocimiento último y como gestionar las dificultades y ambigüedades que se presentan en el camino, en esta búsqueda de lo absoluto.
Filme que lleva a una profunda reflexión alrededor de la ética periodística y la verosimilitud. A lo largo del mismo hay un buen ritmo, excelentes vueltas de tuerca y lo cierto es que logra atrapar la atención de principio a fin. Es tan potente como la recientemente oscareada "Spotlight" a mejor película.
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Desde muy joven Noemí Atamoros ha sido una mujer inquieta, gran parte de su vida la ha dedicado al periodismo, largos años fue colaboradora asidua de "Excélsior". Ella fue presidenta de la Sociedad Cultural Sor Juana Inés de la Cruz y ha sido propulsora del taller literario Tirant Le Blanc desde más de una década. Es autora de "Nueva Iconografía de Sor Juana Inés de la Cruz publicada en 1999. De ella publicamos un bello texto de carácter autobiográfico.
YO SOY...
Yo soy amatista, rubí, perla y jade. Soy un roble. Muero de pie. Soy el otoño y todos sus colores. Camino de Soria a Logroño. Amaneceres y ocasos. Cierro círculos. Soy la sala donde se oye música. Soy la música. Un delicioso platillo de quesos, un tequila, una pera jugosa. Un hogar. Un librero junto a la cama. Soy mis hijos, mis nietos y toda su descendencia. Avenida arbolada. Un tigre hembra para descifrar los símbolos de mi pelaje. Retozo en las grandes llanuras africanas. Bosque, selva, desierto, caravana, oasis, palmera, racimo, dátil, el río Nilo. El Duero para pasar por Soria y llegar a Portugal. El Papaloapan, mariposa, cenzontle, trino, vuelo. El Coatzacoalcos de mis recuerdos. Playa, arena, caracola y mar. Luna, estrella, sol. Guitarra. Canción de amor... Escritora. Pintora impresionista. Fuego intenso. Soy ayer, hoy y mañana. Soy siempre. Soy el Universo. Soy toda en el Uno y una en el Todo.
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Mediados del siglo XIX, la gran atracción del Gothic Hall de Nueva York, era la sinaloense Julia Pastrana (1834-1860), una especie de mujer orangután, puesto que padecía la extraña enfermedad de hipertricosis lanuginosa, es decir estaba cubierta de vello, la mayor parte de su cuerpo, además de ser barbada.
A ella le dedicada el talentoso dramaturgo mexicano David Olguín, su obra "La belleza", misma que bucea en los ignotos fenómenos humanos, no se trata de buscar respuesta, tan sólo se busca mostrar.
Julia, quien atrajo la pasión amorosa del empresario norteamericano Theodore Lent, quien también perversamente se dedicó a explotar.
Estamos ante una delicada puesta en escena, que tiene a tres excelentes intérpretes, Lent con una magistral y deliciosa interpretación de Laura Almela y "Vengan, venga, horroríncese ante lo indescriptible", en tanto Mauricio Pimentel da vida a la graciosa y frágil Julia, así como a la rebelde Marie Bartel mientras que Rodrigo Espinosa saca adelante con versatilidad a una serie de personajes, entre los que se encuentra Charles Darwin.
A lo largo de 95 minutos, el espectador se convierte en una especie de voyeur de lo que sucede entre bambalinas del circo, de seres que buscan sobrevivir, pese a ser diferentes al resto que lo rodea.
Una gran iluminación y una escenografía sencilla pero funcional de Gabriel Pascal es el marco para el desarrollo de una obra que cuestiona el concepto de la belleza, que no necesariamente es externa, sino que se puede encontrar en la cartografía interna del ser humano.
Estamos ante una obra- también dirigida por el propio Olguín., que lleva el juego de la teatralidad hasta sus últimas consecuencias y que interna de manera atinada en la poética de la fealdad. Subyace el subtexto que lo singular y lo extraño depende del enfoque de cada mirada.
"La belleza" es su segunda temporada (la primera fue del 19 de noviembre al 15 de diciembre del 2015) se presenta en el Teatro El Milagro (Milán 24), los jueves y viernes a las 20:30 horas, los sábados a las 19 y los domingos 18 horas. Es un montaje imperdible.
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Líneas en fuga se suma a las celebración del cuarto centenario de la muerte del Cisne de Avon, con uno de sus bellos sonetos. Independientemente de su muy reconocida labor como dramaturgo, William Shakespeare (1564-1616) tuvo el don de la poesía, recordemos tan solo "Venus y Adonis" o esos maravillosos sonetos dedicados al amor, precisamente hemos seleccionado el primero de ellos, en una versión del novelista Manuel Mujica Lainez.
COMO UN ACTOR VACILANTE EN EL PROSCENIO
Como un actor vacilante en el proscenio
que temeroso su papel confunde,
o como el poseído de la ira
que desfallece por su propio exceso,
así yo, desconfiando de mí mismo,
callo en la ceremonia enamorada,
y se diría que mi amor decae
cuando lo agobia la amorosa fuerza.
Deja que la elocuencia de mis libros
sin voz, transmita el habla de mi pecho
que pide amor y busca recompensa,
más que otra lengua de expresivo alcance.
Del mundo amor aprende a leer lo escrito,
que oír con ojos es amante astucia.
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El patriarca (Miguel Flores) de una familia zapoteca está a punto de morir, no lo sabe a ciencia cierta pero lo presiente. Por tal motivo convoca a cuatro de sus sobrinos que son como sus hijos. Y les tiene reservada una petición muy especial, que ellos representen algunos pasajes de el "Popol Vuh".
Tal es el centro motor del argumento de "Punta Cometa" escrita por Verónica Musalem y dirigida con gran sentido visual por David Ferré.
Estamos ante una obra que se mueve en dos planos: el meramente cotidiano, presidido por algunas borracheras y un segundo plano que es onírico que pasa en una especie de tiempo y espacio suspendidos.
Los cuatro hermanos tratan de convivir entre ellos, pero la tarea les resulta un tanto difícil, así tenemos al genio en física (Juan Carlos Vives), a la hermana escritora (Sonia Franco), a la que es multi-empleos y un ser errante (Lourdes Echevarría) y al hermano naturista (Francisco Mena), entre ellos se refleja una clara relación de amor-odio. Han tomado caminos diferentes, pero las circunstancias los hacen convivir.
Una presencia fuerte y definitiva la tiene la matrona del clan (Muriel Ricard), siempre acompañada por la fiel nana (Gabriela Betancourt), ésta última conoce muy bien los secretos familiares.
"Punta Cometa" ofrece un viaje entre el mundo palpable, el inframundo y las fantasías de cada uno de los participantes en este singular convivio, donde cada uno de ellos, tiene la oportunidad de salir transformado (a).
La puesta en escena es dinámica, tan sólo cuatro mamparas sirven para representar el comedor familiar o el teatrino onírico, mamparas diseñadas por Alain Kerriou, a su vez responsable de la iluminación. Es necesario destacar que el equipo actoral está muy bien.
"Punta Cometa" retrata las complejas relaciones familiares, al tiempo que es un llamado a revivir mitos que permitan un reencuentro con las propias raíces.
Tiene temporada en el Teatro Orientación hasta el próximo 20 de marzo con funciones: los jueves y viernes a las 20 horas, sábado a las 19 y domingo a las 18 horas.
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La vida
y su paso apresurado,
días y horas que se agotan
en un futuro incierto.
Ella se limita
a delinear
una bitácora de la desolación.
Es excesivo su desasosiego,
la desubicación de su alma errante.
Vaga y divaga
entregándose
a las resonancias de su ser.
Se sabe una solitaria.
Se permite ser lacerada
por la tristeza.
Ya no le basta fingir
una alegría aparente,
tal vez engañe a los otros,
más no a sí misma.
No halla salida
a la oquedad de su laberinto.
Su óptica de la vida
está desfasada.
Su mirada se oculta
bajo unos lentes oscuros,
las ojeras se dilatan
debajo de sus ojos,
cada vez más opacos.
¡Cómo quisiera ser dueña
de misterios gozosos!
¡ Cómo desearía volver
a ser esa Mujer Camaleón
que alguna vez fue!
Apuestas fallidas
en su actual estado
de desconcierto.
Le duele aproximarse
a la vejez,
le duelen sus sueños truncos.
Ni siquiera la poesía
le brinda consuelo.
Cuando la luna asoma,
crece su abatimiento
y desearía convertirse
en una Medusa
para que sus heridas
ya no supuraran.
Perla Schwartz
septiembre 2015
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Hay ocasiones en que una va al cine, tan sólo buscando un rato ameno y un salir de la a veces, difícil cotidianeidad. Fue así como el domingo en Cinépolis Diana tuve oportunidad de ver dos películas: la mexicana "Busco novio para mi mujer" y la cinta de animación norteamericana "Anomalisa".
"BUSCO NOVIO PARA MI MUJER"- Tras nueve años de ausencia en la dirección cinematográfica, Enrique Begné ("Dos abrazos") regresa con una comedia romántica "Busco novio para mi mujer" (2015), la cual es una reelaboración de la cinta argentina "Un novio para mi mujer" (2008) dirigida por Juan Taratuto.
Estamos ante una comedia romántica que cuenta con una buena factura, con personajes bien estructurados y cuya premisa es original, un hombre ya no soporta los maloores humores y la negatividad de su mujer. Y es así como por consejos de amigos, contrata al Tiger Cordera (Jesús Ochoa), todo un profesional en el arte de la seducción.
Paco (Arath de la Torre) por miedo no se atreve a decirle a Dana, su mujer (Sandra Echeverría) que ha llegado el momento de romper su matrimonio.
Ambos protagonistas De la Torre y Echeverría tienen una buena química en pantalla, dan muestra de esa relación amor y odio que prevalece entre ellos.
A un buen ritmo transcurre esta comedia, que pese a algunos baches argumentales, se puede disfrutar puesto que cumple con su cometido de divertir. En los papeles secundarios, destacan las actuaciones de Mónica Huarte como siempre poseedora de una gran bis cómica y de Mauricio Isaac.
"ANOMALISA"- Es una cinta de animación que cautiva lo mismo por su realización en Stop Motion, que por la temática que toca el amor, el dolor y la soledad. Realizada por Charlie Kaufman y Duke Johnson, nos interna al mundo de Michael Stone, un profesional en temas de motivación.
Y oh paradoja lo que logra para otros, no lo consigue para sí mismo. Entre más prospera es su carrera, más solo se siente y su vacío existencial crece de modo desmesurado.
Filme bizarro- que fue el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia del 2015-, ofrece una comedia negra, que pese a su sencillez es compleja y nos interna en el modo de ser y de sentir de aquellos que ya no saben cómo asirse en la vida. Al grado que la voz de una mujer Lisa, lo cautiva y piensa que así tendrá una nueva oportunidad de cariño y comprensión.
Cinta de animación para adultos de primer nivel que se disfruta y que también se continúa exhibiendo en Cineteca Nacional.
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Se puede tener pareja pero no siempre se le comprende a fondo. Una cuestión son las apariencias y otra el penetrar o tener establecida una complicidad amorosa con el otro (a). Tal es lo que nos plantea la obra "Oír aullar una vez a los lobos" escrita y dirigida por José Alberto Gallardo; se trata de una reposición, que durará hasta el 6 de marzo. Temporada que se realiza en Un teatro en la colonia Condesa.
Esta obra parte a modo de inspiración de la novela "La mujer zurda" de Peter Handke; en ambas tanto en la novela como en el texto dramático se hace hincapié en la soledad y la falta de entendimiento.
Para expresar estos dos sentimientos, José Alberto Gallardo recurre a un cubo donde se encuentra el comedor de la pareja, el cual es tan claustrofóbico como lo que viven Marianne (Jessica Sandoval) y Estefan (Francisco Rubio); esta especie de asfixia cotidiana se agudiza con la iluminación y la música, apoyos que muestran a una pareja que está junta, aunque ignore el cómo.
"Oír aullar una vez a los lobos" es un montaje creativo, respaldado por un gran equipo. Microcosmos que se fractura una y otra vez hasta que de nueva cuenta es reconstruido, pese al cruento invierno y los desajustes emocionales.
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"A mí en el pecho el corazón se oprime/ sólo en mirarte; ni la voz acierta/de mi garganta a prorrumpir; y rota /calla la lengua."
Safo
Son los años 50 en Nueva York, Carol lleva una vida en apariencia estable. Está casada y tiene una hija. Tiene el potencial económico para cumplir el más pequeño de sus caprichos. Ella nunca imaginó que su bitácora existencial diera un giro de 360 grados; bastó con ir a una tienda departamental a comprar unos guantes, cuando con la vendedora se da un flechazo instantáneo, la antesala de una pasión inesperada.
Tal es el inicio del drama romántico "Carol" (Estados Unidos, Gran Bretaña, 2015), dirigida con elegancia por Todd Haynes ("I am not There")
Filme que se basa en la novela "A Price of Salt", publicada por Patricia Highsmith con pseudónimo en 1952, y que sólo casi tres décadas después la autora la editó como "Carol" y con su nombre.
Como un cuadro en movimiento de Edward Hooper va transcurriendo esta película, poco dialogada, y que en el intercambio de miradas tiene uno de sus más altos valores.
Cada plano, cada secuencia están sumamente cuidada. Todo se encuentra al servicio de mostrar un romance lésbico entre Carol (estupenda Cate Blanchett) y Therese (Rooney Mara, que con todo merecimiento ganó el Premio a la Mejor Actriz en Cannes). Hay que destacar la gran química entre ambas actrices, que sí llegan a transmitir la complejidad del deseo humano.
Tristemente, Haynes se queda a medio camino, preocupado por el esteticismo, le faltó imprimir mayor vitalidad a su trabajo, que se queda en un término muy tibio, no obstante la dirección de arte y la bella fotografía de Edward Lachman.
Haynes no llega a las intensidades melodramáticas, que en su momento, sí alcanzó en "Lejos del cielo".
Sin embargo, "Carol" está nominada a 6 Premios Óscar entre ellos a mejor actriz para Blanchett y mejor actriz de reparto para Rooney Mara.
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Pese a todo
continúas viva,
tu piel se regodea
con la intemperie.
Pese a todo
recibes
el cobijo de la lluvia
y eres capaz
de enceguecer
ante el contacto
del sol abrasador.
Pese a todo
surcaste los mares
del insomne verano
y puedes deletrear
con cimentado orgullo
ese, tu nombre
que creías olvidado.
Perla Schwartz
enero 2016
La devoción y el amor maternos puestos a toda prueba, así como la inocencia y el ingenio infantil son la columna vertebral de "La habitación" ("Room", Irlanda 2015), cinta que en breve llegará a la cartelera comercial. Dirigida por Lenny Abrahamson ("Frank") es un trabajo fílmico que conmueve al mismo tiempo que aterra.
Ma (estupenda Brie Larson) y Jack (toda una revelación Jack Tremblay) viven confinados en una habitación, un estrecho universo de 10 metros cuadrados). Al inicio del filme vemos como el pequeño de apenas 5 años saluda a los muebles, al lavabo, la regadera, el sanitario, es como si fuera su fauna mágica que lo acompaña. En tanto, Ma se empeña de hacer la vida llevadera a su hijo, aunque en ocasiones le falta la suficiente entereza.
De vez en vez, ellos son visitados por Nick (Sean Bridgers), que podemos suponer es el hombre que los mantiene en "un secuestro", desafortunadamente y éste es uno de los puntos débiles del argumento, nunca se nos revelará el porque.
La primera parte de "La habitación" muestra con intensidad, un estadio claustrofóbico, donde sólo el amor permite tolerar lo intolerable; y donde el proceso emocional de los protagonistas se afianza para tener cierta libertad, pese al encierro.
El filme pierde su fuerza hipnótica en una segunda parte, cuando el pequeño Jack debe confrontar un mundo de afuera, que como es de suponer le costará trabajo adaptarse, puesto que no todo es como se ve en la televisión, amén que tendrá nostalgia de su anterior espacio y donde Ma tendrá un quiebre emocional, aunque sus padres (William H. Macy y Joan Allen) tratarán de apoyarla.
Esta segunda parte carece en definitiva de la maestría de la primera. Abrahamson se muestra como un gran director de actores y presenta un tenso cuento de supervivencia.
Este filme está nominado a cuatro premios Óscar que incluye mejor película, mejor director, mejor guión adaptado de Emma Donogue en base a su novela homónima publicada en el 2010 y como mejor actriz a Brie Larson.
En suma, "La habitación" es visible sobre todo por su primera parte sumamente lograda y que cimbra nuestras fibras más sensibles.
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Por sexta ocasión se lleva a cabo My French Film Festival, que pretende dar visibilidad a los nuevos cineastas franceses, aunque se incluyen algunos reconocidos como es el caso de Catherine Corsini.
Es un Festival que se lleva a cabo en la red y que es gratuito en su visionado, inició el pasado 18 de enero y termina el próximo 18 de febrero. En México está link al mismo en www.moreliafilmfest.com o en la página web myfrenchfilmfestival.com
Se puede votar en la red. Este año se han agrupado 10 largometrajes y 10 cortometrajes a concurso y fuera del mismo una cinta de patrimonio así como 2 filmes canadienses de habla francesa.
Es una vía para actualizarse de nuevas tendencias cinematográficas y conocer trabajos que de seguro, la mayoría de ellos nunca veremos en cartelera.
Tuve la oportunidad de ver los 3 cortometrajes de animación. El primero de ellos "La última puerta" de Sacha Ferner, realizado en blanco y negro, nos enfrenta con una fábula de un pequeño que tiene una cabeza siamesa.
Él nunca sale de su casa y tiene que descubrir el mundo por sí mismo. Su madre le da lecciones hasta que sucede un evento que le trastoca su cotidianeidad.
Fábula contemporánea en torno a los miedos y a la necesidad de ir descubrimiento, cuando lo más simple se convierte en extraordinario.
Por su parte "H. busca mujer" de Marsha Moshkova es un tierno cortometraje de un pintor que realiza autorretratos, y a quien le agota la creatividad por la falta de inspiración en una musa.
Cuando llega a una peculiar agencia matrimonial, su vida da un giro de 360 grados.
Hay que destacar en este trabajo como las pinturas adquieren vida vía la animación. Aunque su historia no propone nada nuevo, tiene a su favor su bien cuidada realización.
Y finalmente un tercer cortometraje, el más flojo de los tres que lleva por título "Almuerzo dominical" de Celine Devaux, que nos interna en una reunión de campo de una familia en exceso disfuncional, que al embriagarse, pierden control de sí mismos. Cortometraje que tiene un formato cercano a la historieta, pero cuyo argumento se queda un tanto trunco, igual que su realización, que es en exceso
rudimentaria.
Les sugiero asomarse al French Film Festival es una grata experiencia a vivir en el propio ordenador.
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En esta ocasión, el poeta invitado es el sueco Tomas Transtromer (1931-2015), que en el 2011 se hizo acreedor al Premio Nobel de Literatura. Él solía afirmar que "La poesía es algo parecido a un sueño en la vigilia". La narradora y poeta Aline Petterson hizo la traducción de su libro "La fúnebre góndola" que data de 1996, mismo que fue publicado en edición bilingue por Difusión Cultural de la UNAM.
En el prólogo a esta edición apunta Aline:"Su escritura es tan pulida y desnuda que estremece.Y como suele ser el caso de quienes viven en regiones de clima extremo, luz y oscuridad con los secretos y peligros que entrañan, así como los astros o el paisaje...o el silencio o las artes son temas que aparecen a su menudo en su poesía."
De "La fúnebre góndola", he elegido algunos haikus de Transtromer que suscitan una gran emoción a partir de su intensa brevedad.
HAIKUS
I
Los cables de alta tensión
se despliegan por el reino del frío
al norte de toda música.
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II
Debemos vivir
con el estilo fino de la hierba
y la risotada del sótano.
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III
Orquídeas.
Pasan los barcoestanque.
Es luna llena.
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IV
Susurró el follaje:
Un puercoespín toca el órgano.
Y las campanas sonaron.
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V
Y la noche arranca
del oriente al poniente
a la velocidad de la luna.
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VI
Presencia de Dios.
Es el túnel de los trinos
se abre el cerrojo del portón
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Es la década de los 50, una joven irlandesa aspira a cambiar su vida, no obstante sus miedos e inseguridades. Apoyada por su hermana y su contacto con un sacerdote irlandés decide viajar a Nueva York a la búsqueda de nuevos horizontes.
Es así como inicia el melodrama romántico agridulce "Brooklyn" (Irlanda 2015) de John Crowley, el cual es distribuido por Cinépolis y que cuenta con tres nominaciones para el Óscar: Mejor película, mejor guión adaptado y mejor actriz.
Estamos ante un bien cuidado filme, que cuenta con encuadres precisos y elegantes movimientos de cámara y un diseño de producción sumamente cuidado para el desarrollo de una historia- que pese a que en algunos momentos es predecible, cautiva por la ternura que encierra y por tener en Saoirse Ronan ("Caminos de libertad), a una gran protagonista como Eilis Lacey, la chica apocada y tímida que en Brooklyn tendrá no tan sólo su oportunidad de crecimiento personal, sino de conocer al agradable Tony Fiorello, un italoamericano con el cual conocerá las delicias del primer amor.
El filme aborda, aunque sea un poco superficial, lo que implica a ser un inmigrante en un país ajeno al suyo propio y la necesidad de construir una nueva casa. Es un filme con un buen guión de Nick Hornby basado en la novela homónima de Colin Toibin que cuida el no caer en un melodrama cursi y chabacano, amén de que Crowley sabe dirigir a sus actores. Están en el elenco con papeles secundarios la gran Julia Walters como la dueña de la casa de huéspedes, donde Eilis llega a residir y como el sacerdote el veterano Joan Broadbent, ambos un soporte para el despliegue histriónico de Ronan, quien realmente cautiva.
"Brooklyn" cuenta con una bella fotografía de Yves Belangerque hace digerible una película que se encuentra en la frontera de un cine comercial de nivel y el cine alterno. Sus atmósferas están muy bien logradas.
Es una cinta que se ve con gusto y que maneja con sensibilidad, el tema de las tomas de decisión que trastocan una vida; así como el sacrificio y el poder del amor. En suma no es trabajo fílmico que cambiará los derroteros de la historia del cine, pero sí es una película que se deja ver con gusto.
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Ellos han compartido más de cuatro décadas; han sabido permanecer juntos en las buenas y las malas. Subyace en su relación una complicidad cotidiana que amenaza con tambalearse, cuando un día llega una carta. Ha aparecido entre la nieve de los Alpes Suizos, el cuerpo de Katia, antigua novia de Geoff.
Tal es la trama del gran filme británico "45 años" (2015) dirigido por Andrew Haig ("Weekend"), filme que parte de un relato escrito por David Constantine. A partir de una historia sencilla, en apariencia ordinaria se reconstruye la complejidad de una pareja de la tercera edad que vive en la campiña inglesa de Norfolk, como resultado hay un retrato del cómo el amor se erosiona con el paso del tiempo.
Haigh sustenta su historia, en una gran pareja protagónica conformada por Geoff (un excelso Tom Courtenay, recordemóslo en "La soledad del corredor del fondo), pero la que resulta avasalladora en su interpretación es Charlotte Rampling ("Portero de noche") como Kate.
Ambos obtuvieron el Oso de Plata en la Berlinale, como mejor actor y mejor actriz, respectivamente.
Rampling también está nominada al Óscar como mejor actriz.
Haigh maneja una sencilla estructura que va de lunes, cuando Geoff recibe la carta hasta llegar al sábado, cuando el matrimonio ha de celebrar en una fiesta, sus 45 años.
Diversos planos del paisaje que los rodea se amalgaman con lo que ellos van sintiendo, un caos de emociones encontradas. Geoff se muestra hermético e inquieto. Kate se llega a sentir un tanto traicionada, pero con inteligencia emocional intentará sobreponerse.
A buen ritmo, se despliega esta película que en sus silencios e intercambio de miradas tiene uno de sus mayores logros. Kate llora por dentro y embelesa a partir de sus miradas y gestualidad.
"45 días" es un filme que más que detenerse en la vejez, muestra con sensibilidad, la desnudez de las contradictorias pasiones humanas y el cómo una pareja afronta un desmantelamiento interior, una crisis que han de superar o no.
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"El secreto de una buena vejez no es otra cosa que un pacto honrado con la soledad."
Gabriel García Márquez
"La visita del ángel" es una obra que Vicente Leñero (1933-2014), ese gran dramaturgo humanista escribiera en la década de los 80, su primer montaje fue dirigido en 1981 por Ignacio Retes, hoy retorna a los escenarios bajo la dirección de Raúl Quintanilla.
Estamos ante una puesta en escena hiperrealista donde se privilegia el espacio (notable escenografía de Mónica Kubli), la intimidad de un departamento clasemediero, donde el espectador puede ver la sala de estar, el comedor y la cocina. Al inicio un suave olor a café nos adentran a un departamento donde viven dos ancianos, quiénes en la soledad compartida han encontrado su modo de vida.
Una existencia cotidiana que por unas horas se trastoca con la irrupción de su nieta Malú (Estefanía Hinojosa, quien alterna funciones con Carolina Miranda). La joven irrumpe como una especie de huracán en un espacio donde son más los silencios que las palabras; en una complicidad de años, conformada por el matrimonio de sus abuelos (Gastón Melo y Concepción Márquez, ésta última en la imagen, cortesía de Ana Araceli Alvarado).
Se muestra la brecha generacional, la nieta habla y habla como una tarabilla, en tanto los abuelos la escuchan atentos, tratando de desentrañar que es lo que ella vivencia.
El cariño se transforma en una fuerza motora de sutil acercamiento. Los ancianos trascienden ese tiempo inmóvil en el cual se encuentran confinados.
Raul Quintanilla no logra cuajar en su dirección, puesto que los tres actores participantes se encuentran en diversos tonos: Gastón Melo luce en exceso apagado; Estefanía Hinojosa rebosa vitalidad, pero ésta llega a ser exorbitante al grado que en momentos es capaz de exasperar y en tanto Concepción Márquez, la mejor del trío, a través de su gestualidad conecta muy bien con el rol que caracteriza.
Puesta en escena hiperrealista, donde la abuela prepara alimentos en escena; en tanto el abuelo lee el periódico y recuerda sus antiguos tiempos como profesor universitario. Un gran acierto es que los espectadores son especies de voyeurs de lo que sucede en escena, dada la proximidad que tienen con el evento teatral.
Bien dice en algún momento, el abuelo:_"Perder el tiempo es una blasfemia." Por ello, vivir se eleva como un valor esencial en este texto experimental de Leñero.
"La visita del ángel" que se presenta en el Círculo Teatral con funciones los jueves y viernes a las 20:30 horas; los sábados a las 18 y 20 horas, en tanto los domingos a las 18 horas es un homenaje a Vicente Leñero, uno de nuestros mayores dramaturgos, y ello se logró a iniciativa de María Antonia Yanes, su productora, quien fuera una de sus alumnas.
La corta temporada termina el próximo 21 de febrero.
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William Carlos Williams (1883-1963) fue un poeta norteamericano en cuya obra se deja sentir la huella del Imaginismo, pensemos en Hilda Doolittle al lado del modernismo. Él pensaba que: "No hay ideas sino en las cosas" (como queda constancia en el poema "A modo de una canción). En su poesía se enraiza en lo coloquial y la sencillez expresiva; al tiempo que ofrece al lector una gran intimidad lírica. Autor de múltiples libros, pero sin duda, el más destacado es Paterson (1958), el cual es una especie de biografía épica.
A continuación dos de sus poemas, el afamado intitulado "La carretilla roja" y el ya mencionado "A modo de una canción"
"La carretilla roja"
Cuánto depende
de una carretilla
roja
bruñida por el agua
de la lluvia
junto a los blancos
polluelos.
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"A modo de una canción"
Espere la víbora bajo
la maleza
y sea de palabras
la escritura lenta y ágil,
pronta al ataque,
paciente en la espera,
siempre en vela
-para por la metáfora reconciliar
la gente y las piedras.
Crea (Ideas, no
salvo en cosas) ¡Inventa!
Saxífraga es mi flor que parte
las rocas.
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"Mi historia es pulverizada todos los días por el presente de la vida."
Marguerite Duras
"La vida material"
Marguerite Duras (1914-1995) nunca se conformó; siempre se reconstruyó a sí misma. Sus textos, escritura continua sobre la cresta de las palabras, los reescribió una y otra vez. Su literatura apasionada, nunca pretendió ser definitiva.
Así tenemos por ejemplo Destruir dice que es una apología a la destrucción, la guerra y el conformismo burgués, dos mujeres y dos hombres se encuentran en un hotel aislado en el bosque, conforme los días pasan, cada uno de ellos experimentan un fuerte cambio interno que desembocará en un profunda transformación interna.
Duras siempre creyó que tan sólo "el pensamiento femenino" podría salvar al mundo, decía: "Los hombres siguen, las mujeres comienzan." En mayo del 68, ella se dejó llevar por una ola de feminismo extremista, se negó a seguir militando al decepcionarse de las promesas incumplidas del Partido Comunista y fue cuando optó por replegarse y concentrarse en su literatura, así como el cine y el teatro.
Marguerite Duras nació en 1914 en Indochina francesa cerca de Saigón y murió 81 años después en París. Su carrera literaria la inicia en 1943 con la publicación de "Los imprudentes", a la cual se sumarían una veintena de libros más. Sus historias retrataron a seres marginales o adúletros que buscan escapar de la alienación amorosa o de su soledad, a partir del viaje, el crimen o la muerte.
Sus textos tienen como columna vertebral, el deseo, el amor y la pasión unidos por lo general a la locura, el escándalo y el riesgo.
En uno de sus más bellos textos El mal de la muerte narra la vida de un hombre aquejado por la imposibilidad de amar, lo cual lo mata en vida.
Su escritura se caracteriza por una serie de imágenes fragmentadas, superpuestas que quiebran la narración tradicional de una historia y dan lugar a un relato que apenas se deja entrever. Alguna vez ella dijo en una entrevista: "Salto continuamente de un tema a otro, ho hay un orden cronológico porque no creo en él. ¿Qué interés tiene establecer una cronología? Es infantil..."
Siempre gustó de hacer uso de las técnicas de lo visual para que un hecho, se pudiera observar y aquilatar desde diversos puntos de vista, en momentos parece entregar guiones cinematográficos como pudiera suceder con su afamada novela El amante.
En su obra, lo esencial de la vida está en los detalles mismos. Cada gesto nos remite a la humanidad entera. Cada uno de sus personajes carga la apabullante soledad y angustia de todos los hombres. Marguerite Duras supo plasmar en sus textos la evanescencia del hombre moderno.
Sus últimos años de vida fueron sumamente difíciles, por estar atrapada en un cuerpo destrozado por el tabaco y el alcoholismo
Sin duda, ella se erige como una de las grandes escritoras del siglo XX.
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En México conocimos al dramaturgo quebecua Michel Marc Bouchard por sus obras "Los endebles" y "Tom en la granja", ambas dirigidas por Boris Schoemann. Ahora tenemos la oportunidad de conocer una tercer obra que data del 2000 en traducción de Pilar Sánchez Navarro con el sugerente título de "Bajo la mirada de las moscas", misma que se basa en la parábola del hijo pródigo perteneciente al Evangelio de San Lucas del Nuevo Testamento.
A lo largo de esta pieza que contiene un punzante humor negro se despliega una gran violencia emocional en tercera dimensión, de la que ninguno de los personajes salen ilesos. Se muestra lo complicado que son los lazos familiares, sobre todo cuando estos se desenvuelven en la órbita de víctima y victimario.
Texto potente y desolador que nos lleva a las entrañas de una familia disfuncional, presidida por la madre (Pilar Pellicer, quien con este montaje celebra 55 años de trayectoria). Y junto a ella, Primo (un estupendo villano encarnado por Antón Araiza), quien a su antojo manipula a todos, en su búsqueda de venganza por la muerte intempestiva de su madre.
Boris Schoemann es el responsable de una puesta en escena que se desarrolla con un buen trazo y que sabe confrontar la alegoría, siendo uno de sus más intesos momentos dramáticos, la recreación de La Piedad de Miguel Ángel. La escenografía en blanco y negro de Xóchitl González muestra una mansión pulcra que contrasta con los cerdos que rodean a dicho espacio, mismos que sólo son sugeridos, pero cuyo olor se siente presente.
Bruno, el hijo pródigo (con un sobrio trabajo actoral de Constantino Morán) regresa tras 3 días de ausencia, acompañado por su joven novia (Teté Espinoza, quien imprime aire a tan compleja trama). Y como contrapunto tenemos al veterinario y su esposa (Miguel Romero y Pilar Boliver), en cierto modo, los visitantes inoportunos y espectadores de las desaveniencias familiares.
Y dos sirvientas (Mercedes Olea y Stephanie Izquierdo), quiénes se limitan a obedecer órdenes contradictorias.
"Bajo la mirada de las moscas" es un montaje bien cuidado de una pieza teatral que balancea la poesía en el texto con una ironía punzante, como por ejemplo:"Dicen que desde la muerte de su madre, las moscas lo aconsejan." Aquí Bouchard hace referencia al malévolo Primo.
Relaciones familiares truncas, venganzas desbordadas y adicciones son tan sólo algunos de los temas de este texto dramático difícil de digerir, pero que vale la pena ver por toda la complejidad que encierra, amén de su eleborada puesta en escena.
Se presenta de miércoles a viernes a las 20 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque hasta el próximo 7 de febrero.
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Son muchas las películas que han abordado el periodismo, recordemos tan sólo algunas de ellas:
"El ciudadano Kane" (1941), "Primera plana" (1974), "El cuarto poder" (1952) y "Buenas noches, buena suerte" (2005). A ellas se suma el elegante drama periodístico "En primera plana" ("Spotlight", Estados Unidos, 2015), dirigida por Tomas MaCarthy ("Zapatero a tus zapatos), con un guión de su autoría en colaboración con Josh Singer.
Se trata de una reivindicación del periodismo de investigación en torno a religiosos pederastas en Boston en la década de los 70 en Boston, misma que se realiza en el 2001. Se muestra el cómo un grupo de periodistas de "Boston Globe" se apasionan por el tema, sin importarles todos los obstáculos que se anteponen en su camino para llegar a desentrañar un asunto delicado que dejó a muchas víctimas afectadas psicológicamente.
MaCarthy dirige con mano firme a un grupo de actores (Michael Keaton, Raquel McAdams, Mark Ruffalo y Stanley Tucci, entre otros) para darnos una película con un buen ritmo narrativo, bien construido, sobrio que deja fuera cualquier tipo de sentimentalismos.
"En primera plana" es un thriller que es ágil y convincente a un mismo tiempo que va hacia la búsqueda de una verdad más allá de encubrimientos políticos y religiosos y que nos recuerda a su antecesora "Todos los hombres del presidente" (1976) dirigida por Alan Pakula.
Se deja constancia de un gran profesionalismo que va más allá del periodismo express. Inteligente y metódico retrato que da constancia de que el rastreo de archivos, las entrevistas, el cotejo de información son panacea de un oficio bien entendido.
Este filme está nominado al Óscar a mejor película, mejor guión y mejor director entre otras categorías.
Tuve la oportunidad de verlo en Cinépolis Diana.
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La reflexión profunda sobre el lenguaje y sus misterios, el silencio, la soledad y la muerte son ejes temáticos de la malograda poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972). Poesía que apuesta por la desnudez; poesía que se cimenta en un fuerte vaivén que oscila entre apegarse y deslindarse de la vida a un mismo tiempo.
Pizarnik fue una gran poeta, aunque ella misma no se lo creyera. Leemos en sus diarios en mayo de 1966: "...Lo esencial es la falta de confianza en mis medios innatos...en mis recursos internos, espirituales o imaginativos."
En su obra destacan: "El árbol de Diana" donde alcanza su madurez como escritora, así como "El infierno musical" y "Extracción de la piedra de la locura". A continuación dos poemas breves de su autoría, que la colocan como una de las poetas imprescindibles.
COLD IN HAND BLUES
y que es lo que vas a decir
voy a decir solamente algo
y que es lo que vas a hacer
voy a ocultarme en el lenguaje
y por qué
tengo miedo.
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NAUFRAGIO INCONCLUSO
Este temporal a destiempo, estas rejas en las niñas
de mis ojos. Esta pequeña historia de amor que
se cierra como un abanico que abierto mostraba a la
bella alucinada; la más desnuda del bosque en el
silencio musical de los abrazos.
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Sin lugar a dudas, Fernando Pessoa(1888-1935) es uno de los más grandes poetas de Portugal. Él hizo de la contradicción, un camino de expresión.Él hizo uso de los heterónimos para desplegar en la poesía, las 4 voces que lo habitaban. En esta ocasión he escogido un poema escrito por su heterónimo Álvaro de Campos, un poeta exaltado, algo neurótico, quien tiene vasos comunicantes con Walt Whitman. Un poema poco conocido en traducción de Marcelo Cohen.
CLEARLY NON-CAMPOS!
No sé cuál es el sentimiento, aún no expresado,
que súbitamente, como un sofoco, me aflige
el corazón que, de repente,
entre lo que vive, se olvida.
No sé cuál es el sentimiento
que me desvía del camino,
que me da de pronto
repugnancia de aquello a lo que iba,
ganas de no llegar nunca a casa,
un deseo de indefinido,
un deseo lúcido de indefinido.
Cuatro veces cambió la estación falsa
del año falso, en el curso inmutable
del tiempo consecuente;
al verde sigue la seca, y a la seca el verde,
y nadie sabe cuál es primero
ni cuál último
y acaban.
(Sin fecha)
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El cine de Nanno Moretti ("La habitación del hijo", "Habemus Papa") se ha caracterizado por fusionar el hiperrealismo con una ironía sutil, además de propiciar una reflexión en sus espectadores. Es un cine sumamente personal que aborda los temas más profundos de la existencia humana.
"Mía madre" (Italia, 2015) no es la excepción. Estamos ante un inteligente díptico tragicómico que entremezcla el cómo se afronta la muerte de un ser querido, al tiempo que muestra las dificultades para filmar una película cuando la vida personal se ve enfrentada a un momento de crisis.
Es así como Margherita (la espléndida Margherita Buy en su tercera colaboración con el director) se encuentra rodando una cinta con mensaje social en torno a un empresario norteamericano que va adquirir una fábrica itala en plena bancarrota. Este personaje que impone los tintes humorísticos está caracterizado por John Torturro en un rol que le viene justo, un divo veleidoso y caprichoso que le dará a la cineasta más de un dolor de cabeza.
Margherita se halla inmersa en un mar de emociones contradictorias al vivenciar el creciente deterioro físico de su madre, quien es cuidada en el hospital por su hermano Giovanni (interpretado por el propio Moretti, en la fotografía junto a Margherita Buy).
Y por si fuera poco, la realizadora también tiene que lidiar con Livia, su caprichosa hija adolescente.
De modo equilibrado, a lo largo del film se entremezcla lo onírico, el bagaje de recuerdos y la contundencia de la realidad para dejar patente la impotencia humana ante la llegada de la muerte inminente.
Filme complejo, que es a un mismo tiempo sensible y conmovedor. Tiene la virtud de ser contenido y no caer en excesos melodramáticos, lo mismo arranca una tenue sonrisa que el llanto. Un gran acierto es la música elegida que corresponde a un melancólico Cuarteto de Cuerdas de la autoría de Philip Glass interpretado por Kronos Quartet.
También hay que destacar que "Mía madre" es un canto al amor filial y el cómo cuesta trabajo dejar partir a nuestros seres queridos.
Tragedia y comedia se intercalan en una película con momentos poderosos.
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Él tiene aparentemente un buen matrimonio con una colega pintora, ambos se complementan a la perfección, comparten el arte y la vida cotidiana. Ambos se aman profundamente, pero todo cambia en el momento en que Einar comienza a suplir a la modelo femenina de su esposa, es cuando descubre en el fondo de su alma, que nació en el cuerpo equivocado.
Tal es el planteamiento del emotivo filme "La chica danesa"(Inglaterra, 2015), dirigido por Tom Hooper ("El discurso del rey", "Los miserables"), que tiene en Eddie Redmayne a un gran intérprete- de hecho por segundo año consecutivo ha sido nominado a mejor actor- premio que obtuvo en 2015.
En base a la novela homónima escrita por David Ehershoff que data del 2001 se filmó una película preciosista que tiene uno de sus más altos valores en su bien cuidada dirección de arte. Es un filme que pone el dedo en la llaga en una historia transgresora en torno al primer hombre que se sometió a una intervención quirúrgica para cambio de sexo.
Con un buen ritmo se despliega "La chica danesa" que se basa en la historia real de Einar Wegener (1882-1931) y su compañera Gerda ((1885-1940), dos pintores danesas, él primero centrado en el paisajismo y la segunda en los retratos e ilustraciones para revistas de moda. Cabe destacar que la actriz Alicia Vinkader ofrece una gran caracterización de esta mujer sumamente liberal para su época.
Hooper dirige con habilidad un biopic que nos interna en los recovecos más ocultos de la condición humana y la imperiosa necesidad de ser. Lili Elbe el nombre que adopta Einar para ajustarse a su nueva personalidad es muestra del atrevimiento que tuvo a principios de siglo XX, de transgredir normas establecidas para estar más acorde a sus necesidades vitales y emotivas.
"La chica danesa" es un trabajo fílmico que tiene la virtud de conmover y que realiza su homenaje cuidado y nada sensacionalista a la transexualidad, un gran complemento es la bella música compuesta pore Alexandre Desplat.
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