"EL LIBERTINO": UNA DIVERTIDA COMEDIA DE ENREDOS

Una comedia fársica, de enredos y sumamente picaresca es la de "El libertino" escrita por el francés Eric Emmanuel Schmitt, que con la hábil traducción de Otto Minera y Elisa Aranda se presenta en el Teatro Helénico. Esta obra escrita en 1997 (la imagen es cortesía de la producción) nos presenta a Denis Diderot (1713-1784), el filósofo de la Ilustración, uno de los promotores de la Gran Enciclopedia, como un pensador congruente consigo mismo y como amante total de las mujeres que se le acercan.
La acción transcurre en el pabellón de la casa del barón Holbach, donde el intelectual se tiene que afanar a escribir un artículo en torno a la moral; pero dadas las circunstancias le resulta más práctico vivirla hasta límites insospechados, que desarrollar una redacción congruente.
Diderot está caracterizado de manera brillante por Rafael Sánchez Navarro, con gran manejo de su lenguaje corporal, e imprimiéndole a su personaje, tintes de encantador y cínico a un mismo tiempo.
Él interactuará con una pintora de origen prusiano-ruso Anna Dorothea Therbouche interpretada con gracia y desenvoltura por Marina de Tavira; así como una breve escena con Mme. Diderot (Karina Gidi), su grácil hija Angelique (Marcela Guiraldo) y con la hija de su anfitrión (Andrea Guerrero).
Una y otra vez, será interrumpido por el fiel Baronnet quien lo exhortará a proseguir con su tarea intelectual. Éste último es actuado por Alberto Dányuro.
Todos bajo una cuidadosa dirección de Otto Minera quien le imprime un buen ritmo, a una obra un tanto discursiva, que transita de la reflexión filosófica al escarceo pasional. La escenografía y la iluminación es de la autoría de Jorge Kuri Neuman es el marco ideal para el desarrollo de la historia.
"El libertino" es una divertida comedia de época que nos muestra el cómo se maneja la doble y triple moral, con el mayor descaro. Tiene funciones: Los viernes a las 20:30; los sábados a las 18 y 20:30 y los domingos a las 17 y 19:15 horas.

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"CUATRO ÚLTIMAS COSAS": DE LA ORFANDAD EN FAMILIA

Fuerte es la incomunicación que prevalece en una familia rural irlandesa, cada cual es una isla lleno de temores e incertidumbres para interrelacionarse. Cada cual vive para sí mismo. Tal es la temática que plantea la desgarradora obra "Cuatro últimas cosas" escrita por la dramaturga irlandesa Lisa Tierney-Keogh, obra que se estrenó el año pasado en los Estados Unidos, su actual lugar de residencia.
Tres monólogos son los que se entrecruzan, los de una joven hipersensible (con una gran interpretación de Itari Marta), los de su adusto padre Raúl Adalid, y el de Bob, el perro (caracterizado con gran dulzura por Emilia Cuaik, quien a su vez es el traductor y adaptador de esta tragedia contemporánea).
Obra narratúrgica, donde se cuenta más lo sucedido, que vivir la acción dramática es dirigida con sensibilidad por Jorge Cuaik (quien anteriormente se había dedicado al cine), él opta por una sencilla escenografía compuesta por una tarima inclinada, y al lado una silla y del otro una banca.
Son elementos suficientes para dar un peso mayor al despliegue actoral el cual está consolidado en sus tres intérpretes.
"Cuatro últimas cosas" es una obra que duele, que muestra cómo la depresión es un cáncer emocional que corroe, así como la necesidad de realmente saber dar afecto a nuestra gente más cercana. El texto de Tierney-Keogh está habitado por bien logradas metáforas que sustentan una trama que bucea en los recovecos más oscuros e inexplicables de la psique humana.
Se presenta en el Foro Shakespeare de viernes a domingo hasta el 28 de junio.

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"DESPERTAR A LA VIDA WIT": CUANDO LA MUERTE SE APROXIMA

"Y la muerte voraz en un solo instante/ de mi cuerpo, el alma dividirá". John Donne
Viviane Bearing busca y desea permanecer estoica hacia lo inexorable, encuentra en la ironía, un medio para salvaguardar su integridad. Un avanzado cáncer de ovario la corroe, pero ella no se dejará vencer tan fácilmente; Viviane es el personaje protagónico de "Despertar a la vida Wit" de la dramaturga Margaret Edson, obra que data de mediados de 1990.
Paloma Woolrich interpreta de modo magistral a Viviane, en ningún momento se sobreactua, sabe transmitir el sube y baja anímico de una maestra de literatura inglesa, especializada en el poeta metafísico John Donne del siglo XVII, una mujer sumamente solitaria, ávida de ternura, que en un momento álgido, tuvo que asumir el que su vida diera una giro de 360 grados.
El joven director Diego del Río ("Master Class", "El chofer y la señora Daisy") es el responsable de una pulcra y bien lograda puesta en escena, donde la iluminación, en momentos en penumbras de Matías Gorlero se convierte en un personaje más, debido a que da cuenta del calidoscopio anímico de la protagonista, a lo que se suma la escenografía del equipo de Laura Rode, que juega con los grises, el azul y un poco con el negro.
"Despertar a la vida Wit" juega también con la meta teatralidad, porque Viviane se asume como una actriz que dará vida a un personaje atribulado, da pauta de algunas de sus escenas, y por supuesto del desmontaje de su propia vida.
Complementan el elenco Concepción Márquez como su mentora, Fernando Becerril, como el padre y el médico que la atiende y los jóvenes actores Luis Arrieta dando vida al médico residente y Marisa Rubio como la jefe de enfermeras, todos ellos con actuaciones eficaces.
Este montaje consterna a la mayoría de los espectadores, nunca cae en un melodrama facilista, mantiene un tono medio en torno a esas ingratas sorpresas y reveses de la existencia.
Para terminar esta breve nota crítica que mejor que retomar la reflexión de la gran tanatóloga Elizabeth Kubbler Ross que reproduce Diego del Río en el programa de mano: "Busqué a mi alma y no la encontré. Busqué a mi Dios y me eludió. Busqué a mi hermano y encontré a mi Dios y a mi alma."
"Wit tiene funciones sábados y domingos en el Teatro Milán. De seguro será una de las puestas en escena más sobresalientes del 2015.

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"LA MUJER JUSTA: DE AMORES, DESAMORES Y DESEOS TRUNCOS

Amores y desamores desde tres puntos de vista, monólogos que son trazados por una pluma sabia y sutil es lo que nos propone el montaje de "La mujer justa", en base a la novela homónima de Sandor Marai ("El último encuentro", "La herencia de Eszter"), en una versión teatral de los argentinos Hugo Urquijo y Graciela Dufau.
El director Enrique Singer acude a una puesta en claroscuros, iluminación de Víctor Zapatero y apenas unas sillas para dar paso a los pensamientos de sus personajes. Teatro de la palabra, que recrea retazos del pasados para cuenta de seres errantes y solitarios que no se supieron dar a las jugadas de Eros.
Ella María (Verónica Langer, propulsora del proyecto), es una mujer que cae en la desolación al enterarse que Peter, su marido (Juan Carlos Colombo) le ha sido infiel con Judit (Marina de Tavira, antigua ama de llaves de su suegra).
El contrapunto es Lazar el escritor ((Héctor Holten que develará algunas de las pistas y misterios. El elenco formado también por Tina French como la suegra, viste de colores oscuros para dar cuenta que no siempre se puede estar bien en la vida, puesto que son muchas las caretas que usan y cuando se recapacita es demasiado tarde.
Destacan sobre por su trabajo, las tres actrices que imprimen las huellas de un cataclismo emocional. Esto ha de ser tan sólo una probadita de la pluma de Marai, un escritor que conocía a fondo los recovecos de las pasiones humanas.
El montaje de "La mujer justa" termina su temporada este próximo 1 de junio en la Sala Xavier Villaurrutia, pero es de esperarse que en breve otro teatro la acoge, porque bien la pena, un trazo escénico puntual, al que aúnan importantes reflexiones de la pasión humana. 

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WADJI MOUAWAD: MEMORIOSO

Wadji Mouawad es un dramaturgo de origen libanés, nacido en 1968 y quien gracias a Hugo Arrevillaga ha sido dado a conocer en nuestro país con su teatralogía "La sangre de las promesas" ("Litoral", "Incendios", "Bosques" y "Cielos"). Por primera vez visita nuestro país y presentó dos emotivas funciones de su monólogo "Seuls" ("Sólos", el cual se publicó por primera vez en 2008). Ambas funciones fueron en el Teatro de la Ciudad.
Un escenario casi tan deshabitado como el alma de Harwan (una especie de alter ego de Mouawad, quien escribió el texto, lo actúa y se autodirige) , en un afán de saldar cuentas con su pasado y con su padre moribundo, donde fueron demasiado altas las cuotas de incomunicación.
Huír de un Líbano incendiario, vivir en exilio en Quebec desde 1983, Harwan afanoso busca afanoso busca terminar su tesis sobre el dramaturgo Robert Lepage, que nunca tiene tiempo para hablar con el doctorando.
Lluvia de palabras, preguntas sin retorno; recordar al Líbano y el territorio de los sueños perdidos en la trastienda de la memoria; Reproches y recuerdos se reflejan en el diálogo entre padre e hijo, éste inspirado en 2 cuadros de su admirado Rembrandt "El hijo pródigo" y "El sacrificio de Abraham por Isaac".
Mouawad/Harwan es el binomio del artista no comprendido, así como el hacedor de imágenes entre un yo disímil a la realidad que lo rodea.
También deja entrever decepciones que le ha traído la vida, y al hallar el amasijo de sus voces interiores será capaz de flotar en una realidad multicolor. De ver cielos verdes con estrellas rosadas, vislumbrará su alma creativa como respuesta a su soledad y  orfandad emocional.
El escuchar "Una furtiva lágrima" de Donizzetti transporta al espectador a la interioridad de un Harwan que siempre está dispuesto a renacer.

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PAISAJE MARINO CON TIBURONES Y BAILARINA

Soportar los vaivenes de la vida a través del amor, hallarlo en el momento más inesperado... compartir dos soledades a dúo... tal es la propuesta dramatúrgica de Don Nigro en "Paisaje marino con tiburones y bailarina", que tiene su segunda temporada en el Foro Shakespeare hasta el próximo 7 de abril (la primera fue en el Teatro El Granero "Xavier Rojas").
La obra dirigida por Bruno Bichir quien también interpreta a Ben, encuentra en la joven actriz y traductora del texto a Tato Alexander como Tracy, un buen complemento. Dos seres desorientados que intentan construir una relación, a pesar de tener que surcar por montañas de traumas y por ceder parte de la parcela de sus respectivas libertades.
Ben es escritor, pero para mantenerse trabaja como bibliotecario- aquí un acierto de la escenografía de Gabriel Pascal, presidida por volúmenes y volúmenes de libros, sobre un piso de arena, y al fondo un refrigerador, que funciona como tal, y como armario.
Ben es un hombre hosco, pero dispuesto a salir de su autismo al rescatar de las aguas del mar a Tracy, una chica rebelde, en exceso libertaria, pero tan ávida de ternura como él.
Como un tercer personaje de esta obra está la música de la autoría de David Martínez, que lo mismo nos remite a los estados anímicos de la pareja, que al fluir incesante del mar.
Don Nigro maneja monólogos entrecruzados, así como diálogos donde impera una agridulce ironía, que refleja al veleidoso Eros, y el cómo dos soledades se liberan de la oscuridad al lograr fundirse en una sola.

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"TRAICIÓN": CONCIERTO A TRES VOCES

Harold Pinter, Premio Nobel de Literatura 2005, es uno de los dramaturgos contemporáneos más destacados, profundo conocedor de la condición humana, supo construir diálogos que remiten a una lectura compleja de las contradicciones y la problemática de las relaciones interpersonales.
Una de sus obras más emblemáticas es "Traición", que desde el pasado 10 de febrero y hasta finales de mayo tiene temporada en el Teatro del Centro Cultural Helénico.
Enrique Singer es el director de este montaje, donde apuesta al minimalismo, y al trabajo de sus 3 actores principales, que viven a lo largo de poco menos de 2 horas, un tour de force. "Traición" es un rompecabezas para armar que abarca 9 años en las vidas de Emma (estupenda Marina de Tavira), objeto amoroso de su esposo Robert (Bruno Bichir) y de  Jerry, amigo íntimo de su marido y a su vez el amante temporario de la manipuladora mujer (Juan Manuel Bernal).
Pinter opta por un flashback, hilvanado a través de momentos estelares para desarrollar una historia, donde siempre se encuentra latente una profunda violencia emocional, teñida de cinismo y despreocupación.
Un panel ciclorama, es combinado con imágenes de multimedia para ubicar las diversas escenas de una obra, donde los silencios, vienen a aumentar la tensión dramática. Un triángulo amoroso donde se pierden los límites entre víctima y victimario. Tanto de Tavira, como Bichir y Bernal se apropian de sus personajes para ir desplegando sus diversas facetas emotivas.
Miguel Ángel Loyo aparece tan sólo en una escena, como mesero de un restaurante italiano.

"Traición" es de esas obras que nos reconcilian con la magia y riqueza que sostienen al buen teatro. Tiene funciones en el Teatro del Centro Cultural Helénico, los viernes a las 19 y 21:15 horas, los sábados a las 18 y 20.30 horas, así como los domingos a las 17:30 y 20 horas. El costo del boleto es de $450.00, $300.00 y $160.00

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EL CERDO FILOSOFA ANTES DE IR AL MATADERO

El mayor reto para cualquier actor o actriz es interpretar un monólogo, él o ella se enfrenta al escenario y tiene el reto de poder involucrar a los espectadores, con textos que por lo general son sumamente discursivos. Jesús Ochoa sale más que avante con su gran caracterización en el espectáculo unipersonal "El cerdo", texto que se basa en "Estrategia para dos jamones" del malogrado dramaturgo francés Raymond Cousse (1942-1991).
Antonio Castro es el director responsable de un texto extraño, enigmático, pero pleno de sabiduría, un cerdo en su chiquero de tan sólo 16 metros cuadrados se pone a filosofar, pocas horas antes de ser sacrificado en el matadero.
El resultado es una disertación en torno a la contradictoria condición humana, sobre todo en los momentos en que se confronta a cuestiones de poder.
Diatraba socio-política que aborda temas como la familia, la lealtad, el cariño, con frases que en momentos son muy contundentes, algunas son tan acres que duelen como si un bisturí hubiese sido puesto en la sensibilidad. Un cerdo que camina incansablemente en diagonal y que exhorta a ser respetado en sus rutinas cotidianas, un cerdo orgulloso, de ser crío de un semental, pero que sabe que su vida será corta: "porque un cerdo tiene sólo una dirección, el campo, el chiquero y de ahí al matadero."
Una escenografía e iluminación diseñadas por Mónica Raya, es el marco ideal donde se desarrolla este trabajo, donde Ochoa muestra sus grandes dotes histriónicas, para dar vida a este cerdo inconforme con la circunstancia que le tocó vivir.
Se agradece a Rubén Lara haber arriesgado a producir teatro de calidad, ese teatro que rebasa el status de entretenimiento y que invita a un cuestionamiento, de ¿Quiénes somos? y ¿Qué hacemos en este mundo?

"El cerdo" de Raymond Couse se presenta los sábados a las 18 y 20 horas y los domingos a las 18 horas en el Teatro 11 de Julio.

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