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Fue en 2011 en que se fundó la casa productora Contrabajo Films y este 2014 lanzan su primer cortometraje producido "El último de la bola", dirigido por Tony Macías, escrito por Enoc Leaño-en la imagen-, quien también actúa y producido por Idalia Figueroa; ellos tres son los socios de este naciente proyecto que busca afanoso el posesionarse en el cine nacional.
Este cortometraje que ya se presentó en el Festival de Cannes en el Short Film Corner, tiene como protagonista a Roberto Sosa, padre quien interpreta a un revolucionario, que formó parte del ejército villista, actuación creíble, retazo de la historia de México que ganó una mención honorífica en el SAMO INDIE.
Por ahora "El último de la bola" se continúa presentando en diversos festivales nacionales e internacionales. Contrabajo films tiene otros proyectos, la filmación de tres nuevos cortometrajes: "Los lilos", "El escribidor" y "Los parquistas", así como el inicio de la filmación en diciembre próximo del largometraje de ficción "La última neurona" con guión de Enoc Leaño y la dirección de Efrén Gutiérrez.
Asimismo, se está proyectando una serie de televisión en torno a la Decena Trágica y están buscando financiamiento para poder rodar en 2015 el largometraje "Jeremías 33.3".
Contrabajo films busca la calidad en cada uno de sus proyectos audiovisuales, para ello se han unido tres personas muy creativas como Enoc Leaño, egresado del Cut de la UNAM con más de 20 años de experiencia como actor profesional, especialmente recordado en cine por su participación en "Colosio" y en "Rudo y Cursi".
En tanto, Idalia Figueroa es oriunda de Sonora y la vimos en "7 soles"; mientras que Tony Macías egresado de la Universidad Iberoamericana, ha dirigido varias campañas publicitarias y realizado videos institucionales.
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En 2005, Marcos Carnevale realizó una tierna comedia romántica en torno a un inesperado amor senil, protagonizada por una inolvidable China Zorrilla y el actor español Manuel Alexandre, ambos ya desaparecidos. Poco más de 10 años después Hollywood realiza un remake de "Elsa y Fred", ahora la acción dramática se traslada a Nueva Orleans, y la dirección le fue encargada a Michael Radford, ("El cartero"), que si bien da un trabajo fílmico digno, no llega a tener la chispa de la cinta en que se basó.
A su favor tiene que es protagonizada por dos grandes actores, Chsitopher Plummer, que está delicioso como un Fred, irónico y caústico y Shirley Mc Claine, que si bien está graciosa no logra superar a China Zorrilla.
Estamos ante un melodrama que hace hincapié en la soledad de las personas de la tercera edad, quienes deben de inventarse más de una nueva estrategia para superar el tedio y la monotonía, para Fred será todo un hallazgo conocer a su imaginativa vecina Elsa, quien le inocula el entusiasmo vital.
Elsa tiene el gran sueño de viajar a Italia y sumergirse en la Fuente de Trevi como hicieran Anita Ekberg y Marcello Mastroianni en "La dolce vita", Fred le cumplirá su sueño.
Un ritmo ágil preside esta película, que a pesar de su buena factura era innecesaria por la redondez de su predecesora. Una vez más queda patente la falta de imaginación de los guionistas hollywoodenses para generar nuevas historias.
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Un humor corrosivo e impío preside la dramaturgia de Luis Ayhllón en la obra "Rosa mexicano" que busca ser una fuerte crítica al Star System de la televisión mexicana, y al mismo tiempo el cómo una serie de ilusiones rosáceas desembocan en un laberinto pesadillesco, digno de las autorías de Dante o Franz Kafka. Flor (la joven Gimena Gómez) es la protagonista de una historia de la cual no podrá prever su desenlace, conocer y platicar con su actor admirado le costará muy caro.
Ayhllón le hace guiños al imaginario del cineasta David Lynch, en cuanto a su discurso fragmentario y el juego con máscaras de animales, que el realizador uitlizó en su película "El imperio". La dramaturgia de "Rosa mexicano" se presenta como un modelo para armar; entre la televisora, el bosque impenetrable, la casa de la madre posesiva y la ciudad en abstracto.
Actúan en diversos papeles, Rodrigo Virago y Francisco Cardoso, así como la gran actriz Aída López, indudablemente por su experiencia y talento la mejor del conjunto.
La dirección certera es de Martín Acosta, que encuentra su buen complemento con la sencilla escenografía de Julia Reyes Retana y la iluminación de Matías Gorlero.
"Rosa mexicano" es una obra que perturba por el manejo del lenguaje y la incertidumbre de lo que vendrá después hasta el hada que caracteriza Aída López es macabra y Flor el personaje más inocente terminará sometida ante la crueldad del universo.
El 9 de noviembre, "Rosa mexicano" termina temporada en el Teatro El Galeón.
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No siempre conocemos a las personas en su esencia íntima, las apariencias engañan, cada ser humano guarda secretos que se encuentran albergados en lo más profundo de sí mismo. De ello da constancia la obra "Las heridas del viento" del dramaturgo español Juan Carlos Rubio, que se presenta los martes a las 20:30 horas en el Círculo Teatral, en la colonia Condesa hasta mediados del próximo mes de diciembre.
Dos personajes se confrontan el hijo de un hombre recién fallecido (Javier Olguín), quien alterna funciones con Allan Flores y un hombre de edad madura, decepcionado por la vida, quien supo amar intensamente (un estupendo Antonio Algarra).
Unas cartas un tanto amarillentas son las que develerán el misterio, y en algún momento de la obra dirá uno de los personajes: "Siempre me ha sorprendido el interés de las personas por conocer a los demás en una faceta distinta a la que nos presentan... Todos tenemos derecho a guardar una buena ración de misterio."
Una escenografía minimalista preside este montaje, semeja un muelle para remitir al espectador a un inminente naufragio. El joven y el hombre maduro terminarán por comprenderse el uno al otro, a partir de una mirada.
Luly Rede es la autora de una dirección sensible, donde fragmentos de música melancólica dan mayor realce a la acción dramática.
"Las heridas del viento" cuenta con un lenguaje poético habitado por las metáforas y nos permite corrobar en el presente montaje que la sencillez y la desnudez en escena, donde se da mayor peso al trabajo interpretativo bien valen la pena.
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Este 2014 se celebraron los 450 años de William Shakespeare (1564-1616), sin lugar a dudas una de las cimas de la dramaturgia de todos los tiempos, quién no recuerda su fantasía de "Sueño de una noche de verano", lo mismo que su gran tratado de los celos en "Otelo", o esa gran tragedia de la vejez que es "El rey Lear" o las dudas existenciales de un titubeante "Hamlet", por mencionar tan sólo cuatro de sus obras.
La Compañía Nacional de Teatro tuvo a bien montar la trilogía Coroliano, la primera de ellas con el texto del propio Cisne de Avon, la segunda la adaptación que hiciera Bertold Brecht y una tercera en base al imaginario de Gunter Grass.
David Olguín es el director del montaje de "Coroliano" de Shakespeare, que la semana pasada ofreció 4 funciones en el teatro Julio Jiménez Rueda, es una tragedia escrita en 5 actos, traducida por Otto Minera. La puesta en escena dura 3 horas con 20 minutos y tiene como ejes temáticos: La política, el poder, la guerra y el hambre.
El argumento se resume en Cayo Marcio (Juan Carlos Remolina) un general romano quien tras abatir la población de Corioli es llamado "Coroliano", él sigue avanzando para salvar a su pueblo de la miseria y hambre que padece, y su madre (en la imagen Julieta Egurrola, gran interpretación) y su atribulada mujer Virgilia (Erica de la Llave) le piden que salve a la ciudad. Coroliano tendrá un trágico fin.
La obra más política y menos lírica de Shakespeare cuenta con una funcional escenografía de Jorge Ballina, a base de dos paredes móviles que se van moviendo para dar diversos espacios y tiempos de la acción teatral.
Además de los actores mencionados, participa elenco estable de la CNT, donde destacan Óscar Nárvaez, Diego Jaurégui, Enrique Arreola, Emma DIb y Rodrigo Vázquez, entre otros.
"Coroliano" es un lamento estridente en torno de la injusticia social y la necesidad de una auténtica democracia. Es tan actual como al momento de haber sido escrita. Tendrá de nueva cuenta funciones en el Jiménez Rueda, del 13 al 16 de noviembre de este año.
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A Luis Estrada le gusta la farsa, la sátira como una herramienta para criticar la situación que vive un México cada vez más resquebrajado; de ello dejo constancia desde su filme "La ley de Herodes", primera parte de una tetralogía que hoy culmina con "La dictadura perfecta", película que contenderá para buscar su nominación a mejor película iberoamericana en los Premios Goya.
La frase del título del filme pertenece a Mario Vargas Llosa, quien hace algunos años así definió a México.
Con un guión del propio Luis Estrada en colaboración con Pablo Sampietro se despliega una cinta que tiene dos vertientes temáticas, por un lado la manipulación de la información por parte de la televisora local, el punto alto de la trama y por la otra, la corrupción de un gobernador de poca monta Carmelo Vargas (caracterizado por Damián Álcazar el actor fetiche del director).
Con casi dos horas y media de metraje se desarrolla "La dictadura perfecta", que si bien tiene buen ritmo, no profundiza en su crítica al gobierno y tampoco presenta situaciones realmente hilarantes.
De lo más destacable de este reparto multiestelar están las actuaciones de Oswaldo Benavides como el reportero estrella, de Saúl Lisazo como el comentarista televisivo, una breve participación de Joaquín Cosío como el diputado de la oposición y de una sutil Silvia Navarro.
Para quien esto escribe "La dictadura perfecta" es una película mediana, que si bien muestra el oficio de Luis Estrada, se queda en la epidermis de los problemas que muestra.
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