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TERCAMENTE
Tercamente una escribe poesía
a modo de un salvoconducto
para sobrevivir
en tiempos mercuriales,
tiempos en que se desvanece
en astillas de inexistencia,
tiempos que irrumpen
en la laboriosa paciencia
del corazón.
Tercamente
se busca una salvación
al penetrar en las palabras,
a veces,
éstas se aletargan
y se niegan a llegar.
Los espejismos se confabulan
y una permanece inerme
en medio de la inhóspita intemperie,
que amenaza con derribar
cualquier atisbo de cordura.
Tercamente
se insiste en trazar
un derrotero luminoso
tercamente se insiste
en avasallar al desconcierto,
pero, más de una vez:
El caos impone su ley.
Perla Schwartz
Abril 2013
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Un mundo globalizado, cada vez más poblado por almas errantes que difícilmente logran comunicarse entre sí, los sentimientos permanecen soterrados y es muy endeble la energía que fluye entre un ser y otro. Entre Nueva York y el Distrito Federal transcurre una historia de dos solitarios "profesionales", por un lado Susan (estupenda Lucy Liu), quien recientemente terminó una relación afectiva y Roberto (Tenoch Huerta), ambos son los protagonistas de "Nómadas", el segundo largometraje de ficción de Ricardo Benet ("Noticias lejanas").
Susan realiza la investigación para un documental que de cuenta en torno a los suicidas en el metro; Roberto es un migrante de paso, cuyo oficio es limpiar amplios ventanales de los rascacielos; el azar cruza su camino y lo que sucede lo narra Benet a través de sutiles atmósferas y mucha poesía visual; se apoya en la gran fotografía de Martín Boege.
Un filme que nos remite a ese exilio que todo lo abarca, el externo y más grave aquel que es interno, que habla de un extrañamiento con la propia esencia, un defenderse de recibir nuevos golpes. El paisaje exterior es extensión de los paisajes internos que nos muestran los rostros de ambos protagonistas.
"Nómadas" es una película sensible, una película hecha con alma. Imperdible.
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El cine... siempre el cine, dos festivales están próximos a iniciarse en el Distrito Federal, el jueves 30 de mayo, inaugura el XVII Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video, Mix Dominante en Cineteca Nacional con la proyección del inquietante documental "Quebranto" (México, 2013) , dirigido por Roberto Fiesco, trabajo ganador de tres premios en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el humor negro es el tono adoptado para narrar retazos de la historia de un actor transexual, quien descubre su identidad, viviendo intensamente al lado de su madre, su cómplice en la aventura.
Una de las grandes ofertas que ofrece Mix este 2013 es el homenaje al gran cineasta canadiense John Greyson, director de "Los endebles", dos veces premiado con el Teddy que da la Berlinale, un hombre que siempre ha defendido los derechos humanos gays y que trabaja a partir de una hibridez entre la ficción y el documental.
Serán 5 largometrajes mexicanos los que también recupera el Mix, dirigido con gran pasión por Arturo Castelán, éstos son: "Marcelo" de Omar Yñigo, donde actúan Aarón Díaz y Laura Zapata, el documental de Michael Ramos "Los exóticos" sobre luchadores de lucha libre con vestimenta especial; "Cuando chocan las olas" un melodrama de la autoría de Abraham Miranda, entre otros.
La programación del Mix se podrá ver todo el mes de junio, además de Cineteca Nacional, en el Cine Lido, en Cinépolis Diana, Voces en tinta, y el Cinematógrafo del Chopo entre otras sedes.
Mientras que, la cuarta edición de Distrital arranca el martes 4 de junio para finalizar el domingo 9 de junio, siendo uno de sus puntos más altos la retrospectiva de Léos Carax, cineasta gala, del que recientemente vimos "Holy Motors". Ahora , bajo la dirección de Juan Carlos Bastarrachea, Distrital ha programado 60 filmes, se contará con 65 invitados nacionales e internacionales; y contará con el apoyo de la Secretaría de Cultura del DF.
Son siete las secciones de este festín cinéfilo: Estrenos mexicanos, cine emergente local; Meridianos, dedicado a la cinematografía iberoamericana; en Topografías se presentan estrenos mundiales, Cuadrante se enfoca a esa fusión entre cine y música, Archipiélagos, este año dedicado a Carax como se apunta líneas más arriba; Distrito X, cine y experimentación y Otros mundos, sección para mesas de discusión, conciertos, exposiciones, etc.
Las funciones de Distrital podrán verse en Cine Tonala, El IFAL, el Bicho, Cineteca Nacional, el Instituto Goethe. Vivamos a plenitud el cine!!!
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En Cineteca Nacional, que tiene una gran oferta de películas propositivas, tuve la oportunidad de ver "Siete días en La Habana" (Cuba- España, 2012), una película- río, conformada por la mirada de siete realizadores (me preguntó porque no fue invitada al proyecto, aunque sea una cineasta). Siete perspectivas de una realidad, película donde participan: Gaspar Noe, Laurent Cantet, Julio Medem, Elías Suleiman, Pablo Trapero y Juan Carlos Tabío. Un acercamiento a los secretos cubanos.
Siete días de la semana, para pintar retazos con un guión del escritor Leonardo Padura, y sin lugar a dudas el segmento más logrado, más poético y cinematográfico, es el firmado por el palestino Suleiman; en el cual un cineasta vaga como presencia fantasmal, entre los pasillos de su hotel, las calles y la playa 19, a la espera de que se concrete su entrevista con Fidel Castro.
Casi sin palabras, Suleiman se convierte en un observador, ubicado desde el extrañamiento, las tomas frente al mar, donde vemos a mujeres observándolo, son de gran belleza.
En segundo lugar- a quien esto escribe-, le agradó el segmento "Dulce amargo", de Tabío ("Lista de espera"), con todo el sabor y la frescura cubana para una crónica de un catastrófico día cotidiano en la vida de una mujer, que se divide entre preparar postres y su participación como psicóloga en un programa de televisión, esa mujer es interpretada por la gran actriz Mirtha Ibarra. Y el otro segmento rescatable de "Siete días en La Habana", es el de Pablo Trapero haciendo dupla con Emir Kusturica quien se interpreta a sí mismo como un cineasta "desmadroso" y alcoholizado, a ser homenajeado en el Festival de Cine en la capital cubana; este corto es fresco e irreverente.
Y el corto que es lamentable por ser cursi y artificioso, es el tercero dirigido por Julio Medem, a pesar de actuar Daniel Bruhl.
En suma, "Siete días en La Habana" es un filme visible que nos lleva por la sensualidad y esa alegría de los cubanos, que no se ha visto afectada, a pesar de sus grandes carencias.
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TEOREMA DE LAS OSCILACIONES
"Y organicé los ejércitos de mi mente".
Orhan Pamuk La vida nueva
Estoy a la deriva
inmersa
en la fragilidad del vaivén,
no encuentro un rumbo a seguir,
no emerge el alfabeto de luz:
está soterrado.
La tristeza se impone,
el mundo se detiene
en realidades que no son,
realidades incapaces
de conjurar el vacío.
Vivo en un tiempo suspendido
me pierdo en un camino
sin retorno,
opto por surcar
los laberintos de la desmemoria.
Delirio de los sentidos
aquelarre de un corazón desvencijado,
música en caos que estalla
contra un muro de contención.
La ciudad:
absurdo escenario de accidentes
y provocaciones.
El alma permanece
enraizada en un claroscuro
y todo corre el riesgo
de transformarse
en una mascarada.
Extraviarse
entre recuerdos obtusos,
resucitar ciertas pulsaciones,
acceder a la vida en movimiento.
Permanezco distante
como si me condujera
una voz en off
las intromisiones se presentan
en un fundido en negro.
La mente se trastoca
a través de imágenes congeladas
teme reincidir
en una nueva entrega amorosa
sin respuesta,
es preferible participar
en un tiempo intermitente.
El teorema de las oscilaciones,
esas ecuaciones irresolutas
que devienen en la impotencia.
Caer y caer
la densidad de la noche,
caer y caer
la espesura de las sombras.
Oscuridad irredenta,
erosión en la entrega,
surgimiento de una travesía
la imaginación se obstina,
se despliega
ante el horror del mundo,
deliberadamente se inserta
en una noche sin fronteras.
Deletrear,
configurar palabras,
el engranaje estalla
pero no rebasa
a la opresora realidad.
Ambiente que se aferra
a la conquista de las palabras,
se avasalla
a la tenaz melancolía,
tras la espera inútil
renace la esperanza,
se concluye un itinerario,
se fusiona el agua
con el fuego.
Renace la opción
para superar
la geometría de la confusión.
Perla Schwartz (nov. 2006- feb 2013)
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Jaime Chabaud, Premio Juan Ruiz de Alarcón 2013) entrega un estremecedor monólogo de los niños que son reclutados desde temprana edad para pasar a formar parte del crimen organizado en el monólogo "El Kame Hame Ha", título tomado de la afamada serie de dibujos animados "Dragón Ball" y que nos remite a una técnica de combate ficticio de los mangas.
Jesús Jiménez es el responsable de la puesta en escena y de la dirección de la misma, y logra consolidar un muy trabajo interpretativo del actor Estebán Castellanos. Un joven cuya vida se trunca, muy a su pesar.
Varias acciones físicas se van hilvanando con el desarrollo de una obra que dura aproximadamente una hora con quince minutos; tiempo suficiente para comprometernos con un joven ajeno a la realidad que vive en una correccional para menores, donde sabe de antemano que sus días están contados.
Texto fuerte que nos invita a reflexionar sobre la crisis social que nos encontramos viviendo en estos tiempos masificadores y globalizantes. "El Kame Same Ha" es un ejemplo de un monólogo desarrollado con brío, donde Jiménez y Castellanos son la dupla necesaria para dar vida al discurso de Chabaud.
Este monólogo termina hoy miércoles 22 de mayo, temporada en el Teatro Benito Juárez del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del D.F.
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MARÍA: GUARDIANA DEL LOGOS
A María Zambrano
Buscadora de la gran verdad
surcas entre
esas fronteras intangibles
donde el ser reposa.
Activas tu memoria
la vigilia te resguarda,
Antígona/La Muerta Viviente
fue tu alter ego;
María/ Antígona
accede a la luz de la sabiduría.
Poeta-filósofa
te internas
por los caminos de la revelación.
Larga vida de una mujer transterrada
imbuida en los ecos
de San Juan de la Cruz,
alcanzas
las tesituras de una Noche Oscura,
conquistas el Sueño Creador.
Tu batalla transcurre
entre el limonero y el naranjo,
te posesionas de
la grandeza del Universo
tu gato te maúlla
con ternura,
trastoca
la savia de tu corazón.
Fuiste la primer filósofa
en Tierras Castellanas,
siempre fiel a tu credo,
enamorada de las disquisiciones,
siempre añorante de tu España natal
en tu errancia geográfica
imbuida en el Tratado de las Pasiones,
spinoziana, supiste
pensar en femenino:
intuir, exponer
para derribar la prisión de un cuerpo.
María emerges como la Guardiana del Logos,
supiste adueñarte
de la vastedad de tu mente,
María, mujer de intensidades
has resistido el devenir
de los tiempos,
ahora eres una peregrina
resguardada bajo el manto de un místico silencio.
Perla Schwartz, mayo 2013
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Ha pasado poco más de un año de que "Mariachi gringo", coproducción mexicano- norteamericana se hiciera acreedora al Mayahuel de mejor película mexicana en el Fe
stival Internacional de Guadalajara en 2012, ahora tiene su corrida comercial, es innegable que Tom Gustafson, su director entrega un trabajo de buena factura en cuanto formato, es ágil el guión de Cony Krueckeberg, colorida la fotografía de Kira Kelby, lo desafortunado es que esta cinta es en exceso folclorista y recurre al catálogo de tópicos del entrechoque de culturas, la mexicana y la norteamericana.
La anécdota es sencilla, Edward ( Shawn Ashmore, lo habíamos visto en "X Men"), es un joven de Kansas que por azares del destino conoce a Alberto (Fernando Becerril), un músico inmigrante mexicano, y encuentra la posibilidad de viajar a México, más específicamente a Guadalajara para convertirse en mariachi profesional.
Y por supuesto- para agregar este toque pasional-, Edward se enamorará de la juguetona Lilia (Martha Higareda), quien junto con su madre (la grata Adriana Barraza) regentean un restaurante de comida típica en la Perla Tapatía.
Gustafson busca dar un viaje de iniciación, un cambio radical en la vida de un joven, sin embargo no alcanza mayores vuelos, más que desplegar a Guadalajara como una tarjeta postal y a darle al espectador, una linda historia romántica, donde las diferencias son derribadas por la pasión amorosa.
De los puntos altos de "Mariachi gringo" que cuenta con varias secuencias musicales, se encuentra la participación de la gran cantante Lila Downs caracterizando a la prima de Lilia. Filme disfrutable, a pesar de su toque superficial e insisto folclorista.
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"Trotacalles" (México, 1951), fue el tercer largometraje de Matilde Landeta, con un argumento de su autoría; y con fotografía de Rosalío Solano y música de Gonzalo Curiel, donde destaca la canción que da título al filme "Pobre trotacalles", con letra de Carlos Crespo. Gracias a la gentileza de Antonia Rojas, la coordinadora del Centro de Documentación de Filmoteca de la UNAM, ayer vimos y debatimos en torno a "Trotacalles", en mi curso de "Cine de mujeres: una mirada intimista", que se imparte en la mencionada institución universitaria.
No es común que una mujer en la década de los 50 abordara el tema de la prostitución como lo hizo doña Mati, y por ello la sociedad patriarcal-machista le hizo pagar un precio, casi 4 décadas sin dirigir cine.
De un modo un tanto maniqueo, se nos presenta a dos hermanas, Elena (la bellísima y malograda Miroslava), la hermana rica, la práctica, la pecadora y como contrapartida, la dulce y sufrida María (Elda Peralta), la mujer de la calle; la vida las enfrenta y ambas sin saberlo en un principio compartirán la pasión por el mismo hombre, Rudy (Ernesto Alonso), hombre frívolo, explotador de mujeres.
Landeta nos presenta a través de las dos hermanas, apuntes de "El eterno femenino", es decir la santa contra la pecadora.
"Trotacalles" es un melodrama cabaretero, con tintes del cine negro y con apuntes costumbristas, en torno a la doble moral; ingenua, en momentos telenovelesca; pero que tiene uno de sus más altos valores, al exaltar la "sororidad", la complicidad femenina de las prostitutas, ante Luz (Isabela Corona), cuando ésta agoniza a causa de una enfermedad terminal.
Si bien "Trotacalles" no tiene los grandes logros en cuanto a lenguaje cinematográfico si pensamos en "Sensualidad" de Alberto Gout o "Salón México" de Emilio "Indio" Fernández, si logra transmitir a los espectadores un opresivo universo femenino y ello, se agradece.
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A sus pocos más de 70 años, el gran actor Dustin Hoffman toma el reto de estar detrás de las cámaras, nunca es tarde y menos cuando se bordea en torno a un tema inquietante para el período existencial del director, como es la vejez, ese proceso natural de la vida que a todos nos llega, a pesar de que no se desee.
Hoffman opta por trabajar con una adaptación de la obra teatral "Quartet" de Ronald Harwood, responsable de un guión equilibrado y el resultado es una bella comedia romántica surcada por una agridulce ironía, coproducción inglesa y norteamericana, filmada en el 2012, y que tuve el agrado de ver en Cinépolis Diana.
"Cuatro notas de amor" (su ripioso título en español) es ante todo un filme de actores, cuenta con la estupenda Maggie Smith, Tom Courtnay, Billy Conolly y Michael Gambon , entre otros.
Estamos ante un filme comercial de buena factura, que cuenta con la fotografía de John de Borman y una gran selección musical que estuvo a cargo de Darío Manicelli. (sobre todo temas de Verdi).
Una casa de músicos retirados, los cuales gracias a su pasión por el pentagrama, logran vivir a plenitud la última etapa de su cronología existencial.
Hoffman se maneja a sus anchas y casi logra un filme de autor que es muy disfrutable, que cuenta con un ritmo ágil, y que encaja el molde de una comedia inglesa old fashion. Maggie Smith, sencillamente está deliciosa como la diva egocéntrica, que se reencuentra con Reginald (guapo y efectivo Tom Courtney), el amor de su vida; y mención aparte merece el trabajo interpretativo de Billy Conelly como el lúdico y frívolo Wilfred.
"Cuatro notas de amor" es un divertimento, que deja entrever que los últimos días de la bitácora terrenal, aún pueden tener giros sorpresivos, días en que la complicidad en la amistad es una de las anclas para proseguir.
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Me parece un gran acierto, que los productores Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo han decido llevar al gran público, un texto de David Mamet (Chicago, 1947), uno de los más emblemáticos dramaturgos norteamericanos, se trata de una adaptación de "Glengarry Glen Ross", que en su montaje lleva por título "Éxito a cualquier precio", la adaptación es de Alberto Lomnitz (con un exceso de palabras altisonantes, tal vez para tornar más áspero lo que sucede en una oficina de bienes y raíces) y la dirección es de Enrique Singer, quién hace 3 años, montó otra obra de Mamet, la perturbadora "Oleanna".
Siete actores son los que participan en "Éxito a todo precio" y son: Héctor Bonilla, Juan Carlos Colombo, Julio Bracho, Patricio Castillo, Juan Carlos Beyer, Javier Díaz Dueñas y Bruno Bichir, siendo estos dos últimos, los que tienen un mejor desempeño electoral.
La trama gira en torno al cómo los empleados son puestos a competir para no perder su empleo, y ello deriva en una serie de tensiones interpersonales, donde aunque se recurra a embustes o a la corrupción, se hace necesario sobrevivir cueste lo que cueste.
De lo más destacable de este montaje es la bella escenografía diseñada por el talentoso Jorge Ballina, que consiste en una oficina con vetustos escritorios, casi en ruinas, y el decorado de un restorán chino, donde diversos personajes se reúnen para conspirar.
En poco menos de dos horas, el espectador se compenetra con los efectos de un mundo globalizador y competitivo, y a pesar que Mamet escribiera esta obra hace casi 3 décadas, en 1984, es más actual que nunca.
"Éxito a cualquier precio" se presenta en el Teatro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Ángel (se sugiere consultar cartelera para los días y horarios)
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VIVO
Vivo entre las intermitencias
de la realidad y la ficción
que me diseño
es el mejor método
para sobrevivir
día a día
en un mundo desajustado
donde abundan
las catástrofes cotidianas
donde la soledad
es un elixir amargo.
Las certezas se desintegran,
se aposentan
en el lugar más sórdido
de una mente
que opta por empantanarlas.
La realidad es un lastre;
la ficción, un remanso
presidida
por la benevolencia de la imaginación.
¡Cuán difícil es hallar un punto medio!
se despliega el quiebre,
no basta con ser irredenta
para vencer al vacío.
Perla Schwartz
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