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martes, 29 de mayo de 2012

"EL HOMBRE QUE VIVIÓ EN UN ZAPATO": ENTRE LA CORDURA Y LA INSANIA

Una frágil frontera, en algunos casos casi imperceptible es la que separa la sanidad mental de la locura, dos mundos complementarios, pero no tan compatibles del todo,  ello queda patente en el documental "El hombre que vivió en un zapato" (2011), ópera prima de Gabriella Gómez Mont, que tras haber participado  en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2011, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2012 y Rivera Maya Film Festival 2012, ahora le toca  su turno en Distrital, que arrancará el próximo viernes 1 de junio.
"El hombre que vivió en un zapato" tiene por protagonista a un excéntrico personaje José Luis Robles- Gil, conocido como el güero", a él le fue diagnosticado  un desorden mental, pero no lo suficientemente severo como para estar internado en un psiquiátrico.
Hombre obsesivo, especialista en matemáticas, quién en Sonia, una mujer de origen oaxaqueño, ha tenido su cómplice de vida, a pesar de soportar encierro y más de una idea un tanto estrafalaria.
Ni más ni menos, la primer novia de "El güero", fue la talentosa performancera Rocío Boliver, conocida como "La Congelada de Uva", cuya presencia en el documental, es uno de los puntos más altos, para que el espectador comprenda los vasos comunicantes entre salud mental y locura.
Gómez Mont  entrega una historia muy interesante, con buen formato cinematográfico, su trabajo es un tanto disperso, le hizo falta un hilo conductor más preciso, además de mostrar la inteligencia excepcional de su protagonista.
Rodrigo Sandoval a través de su lente fotográfica nos entrega un gran trabajo que se complementa con la música de la autoría de Jerónimo González.

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viernes, 25 de mayo de 2012

CRÓNICA DE UNA DES INVITACIÓN NO ANUCIADA

Hoy me siento en la necesidad de parafrasear al gran Gabriel García Márquez, me encuentro invadida por la rabia, la decepción y la impotencia y por qué no? Por una profunda amargura. Había sido invitada oficialmente- por una plática previa y por una carta oficial que llegó a mi mail a ser jurado de un Festival Internacional de Cine Español a celebrarse en octubre próximo del presente año. Y ¡Oh sorpresa!  literalmente fui des invitada, debido, me argumentaron a la presión de una Institución mexicana que impuso en mi lugar- a otro jurado, una documentalista, so pretexto que debía de proyectarse su trabajo fílmico dentro de la retrospectiva de Cine Mexicano a realizarse en dicho evento fílmico.
Si bien considero que es trascendental e importante el contenido de dicho documental, su formato es en exceso poco original y televisivo.
Me duele esta des invitación. No se vale ilusionar a quien esto escribe, si la promesa se la llevará el viento y será ceniza dispersa entre los intereses creados.
Me siento copartícipe de un juego sucio, nulificada en mis saberes- que tanto trabajo me ha costado adquirir y ninguneada como ser humano, expectante, que aún cree en el género humano.
Es justo y necesario hacer saber mi indignación, no me puedo ni debo quedar callada ante quiénes ejercen el poder de una manera tan arbitraria.
A lo mejor, no lo niego, estoy en exceso exacerbada; pero si es válido alzar la voz ante lo injusto.
Des invitar es un acto poco ético, un poner al otro en una posición de inútil, de artefacto inservible.
Y hoy me pregunto: ¿Valdrá la pena seguir siendo tan apasionada por y para el cine? 
Para mí, fue un inesperado golpe bajo... las fuerzas se merman. Y reflexiono, no sólo nuestro mundo se encuentra en una severa crisis económica, también los valores humanos andan bamboleantes.
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miércoles, 23 de mayo de 2012

EL CUERVO, GUÍA PARA UN ASESINO: POE COMO PRETEXTO

Qué lástima que una buena idea como la de utilizar algunos de los cuentos del escritor Edgar Allan Poe, como sustento de atmósferas y el desarrollo de una trama, no llegue a cuajar del todo, y se quede en la epidermis de "El cuervo: guía para un asesino", tercer largometraje dirigido por  James Mc Teigue ("V de venganza").
En efecto este trabajo fílmico, que a nivel visual si se interna en una estética de lo gótico y en varios momentos de lo gore, no debería llevar como protagonista a Poe, pues estamos más bien ante un thriller policíaco y de suspenso que se sitúa en Baltimore en 1849, año de la inexplicable y prematura muerte del gran escritor norteamericano, donde se empiezan a suscitar diversos crímenes- ésto es casi lo inverosímil que siguen como modelo varios de sus cuentos como "Los crímenes de la calle Morgue", "La fosa y el péndulo", "El corazón delator" o "La máscara de la muerte roja", entre otras.
Dudo que un asesino serial tenga tanta cultura literaria, aquí les falla a los guionistas Ben Livingston y Hannah Shakespeare. En un inicio, Poe es el sospecho de cometer los crímenes, pero al poco tiempo, él será aliado del detective Fields para intentar dar con el artífice.
Poe es interpretado medianamente por John Cussack, un poco mejor está el solvente Luke Evans como el investigador policíaco,. la amada "Anabel Lee", es caracterizada por Alice Eve.
Lo más rescatable de este filme de Mc Teigue, es como se apuntaba la creación de atmósferas perturbadoras, y el mantener un suspenso, que se va desvaneciendo conforme avanza "El cuervo: guía para un asesino".
En lo personal, me hubiera gustado más un biopic en torno al complejo Poe, y de su poema que da título a la película, tan sólo se toma la frase "Nevermore".
"El cuervo:guía para un asesino", Estados Unidos, España, Hungría, 2012. Dirección: James Mac Teigue. Intérpretes: John Cussack, Alice Eve, Luke Evans. Duración: 110 minutos
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domingo, 20 de mayo de 2012

PINA: UN DOCUMENTAL DONDE LAS COREOGRAFÍAS CONSTRUYEN LA ESENCIA DE UNA CREADORA

Un documental no convencional, un documental que busca transmitir la esencia de una creadora fundamental en el contexto de la danza contemporánea, un documental que va entretejiendo fragmentos de teatro-danza con testimonios de sus intérpretes, eso es el maravilloso trabajo fílmico de Wim Wenders: "Pina"(2011), Premio al mejor documental del Cine Europeo, 2011.
Para entrar en esta película filmada en 3D- aunque considero que no hacia falta, por más que dicho formato esté bien empleado-, deberíamos partir de una reflexión del sabio Gilles Deleuze: "El cuerpo ya no es el obstáculo que separa el pensamiento de sí mismo." ("La imagen-tiempo, estudios de cine 2").
Porque Pina Bausch (1940-2009), la innovadora bailarina y coreógrafa germana buscó crear una especie de danza episódica, que contenía varias acciones escénicas simultáneas, sin un aparente hilo conductor, pero si habitada por imágenes impactantes y por el uso de varias experiencias de sus bailarines.
Su amigo, el cineasta Wim Wenders, la entiende a profundidad y nos entrega un documental mágico, un gran espectáculo visual, que lo mismo se desarrolla en el teatro, que en escenarios urbanos o en medio de la majestuosa naturaleza.
Un tributo emotivo y muy hermoso en su estática, que mantiene en vilo al espectador durante los 100 minutos que dura. Nostalgia y sensibilidad van de la mano en este paseo dancístico que nos invita a conocer un poco más de la Bausch, quien afirmará en una entrevista que le realizado el periódico "El País" (3 octubre.1985): "Hay que dejar que cada uno se exprese según sus motivaciones internas."
Y esta reflexión es la que preside el elaborado trabajo de los bailarines de la Tanztheater Wupertal, algunos alemanes y otros provenientes de Estados Unidos, España, Francia, Japón e Italia, lo que nos remite a un multiculturalismo hermanado en el arte del movimiento.
En "Pina" se rescata una de las coreografías más aplaudidas de Bausch "Café Mueller", así como otras que nos remiten a dejarse ir en la levedad, en asumir el costo de la pasión amorosa en el dolor, o  en la convivencia plena con el agua y sus derroteros inabarcables.
Ver "Pina" es toda una experiencia sensitiva, con una espléndida fotografía de Helene Louvant y la selección musical a cargo de Thom, ni le falta ni le sobra.
Casi hacia el final se escucha uno de los lemas que rigió la labor creativa de la gran Pïna: "Baila, baila, sino estamos perdidos."
En algunas sedes de Cinépolis, tras 3 semanas de su estreno, se sigue manteniendo la proyección de "Pina". Es una película que no hay que perderse.
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jueves, 17 de mayo de 2012

¡OH SIMONE!

¡Oh Simone!
Ella tiene
los ojos azul oceánico
mira y traspasa
la pesadez del viento...
sus ojos translucen
el halo de la inteligencia.
Ser para construir,
cuestionar para  enraizarse.
Ella prosigue
si trayecto
y es la invitada,
o la anfitriona pariense
al trascender
el estatismo
de las palabras.
Tiene una dulce fuerza
en su decir,
sabe posesionarse
de sus días y sus horas,
se transfigura
en una Diosa del Conocimiento.
Junto con Sartre
viaja a bordo
de una nube de humo
y remontan los Jardínes
de Luxemburgo.
Los árboles acogen
sus charlas filosóficas
su numen se fusiona
con el humus de la tierra,
Simone y Jean Paul,
uno y el otro,
Simone, cerco luminoso,
mujer éterea,
mujer raíz...
hoy nos acompañas.
     Perla Schwartz
      marzo 2011

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lunes, 14 de mayo de 2012

"KIWI": LOS DESDICHADOS NIÑOS DE LA CALLE

Daniel Danis es uno de los dramaturgos canadienses más sobresalientes de la actualidad, nacido en Ontario, en 1962 tiene tiempo que le ha interesado concientizar al espectador adolescente por medio del hecho teatral, así lo muestran obras d su autoría como: "Las imágenes de la piel" y en forma más reciente "Kiwi", ésta última se viene presentando dentro del ciclo de teatro para niños y adolescentes del INBA, el Instituto Nacional de Bellas Artes.
Boris Schoemann, el gran promotor del teatro canadiense en nuestro país, es el responsable de una puesta en escena, donde apuesta a un escenario casi vacío, dos sillas sobre una tarima, y al talento interpretativo de sus dos actores: Olivia Lagunas, haciendo despliegue de sus inconmensurables interpretativas, acompañada de Guillermo Villegas, que lleva a buen término su caracterización.
"Kiwi" es una obra que se centra en dos niños de la calle del Canadá contemporáneo, desprotegidos, dejados a la mano de Dios, que tienen que inventarse más de una estrategia para lograr tan difícil sobrevivencia.en una urbe que continuamente amenaza con devorarlos, esa promesa de bienestar y prosperidad, les es ajena a estos seres, a quiénes la inocencia se les trunca de un hachazo.
En "Kiwi" el espectador tiene la oportunidad de estar ante esos pequeños juegos cotidianos, necesarios para seguir de pie.
Obra cruda y desgarradora, que al final, tiene una breve luz, pero en exceso tenue como para calmar el desasosiego que despierta en el público. 
Los niños de la calle en esta obra se bautizan a sí mismos con nombres de frutas y verduras, para así encontrar una breve motivación para no desfallecer, en este sentido, es muy elocuente la frase: "Tener nombre de fruta o de verdura no te cambia en nada, pero te limpia."
"Kiwi" en su brevedad, es contundente y universal, es permitir asomarnos a lo más bajo de la sociedad contemporánea globalizadora. Complementan el equipo de este estupendo montaje: Jorge Kuri en la iluminación, Joaquín López "Chas" en un equilibrado diseño sonoro, Pilar Boliver en la realización del vestuario y las jóvenes Victoria Benet y Eunice Rocha en los rubros de asistencia de dirección y producción ejecutiva.
Esta obra se presenta sábados y domingos, a las 13 horas en la Sala Xavier Villaurrutia, y terminará temporada el próximo 1 de julio.
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domingo, 13 de mayo de 2012

"LA LISTA": DEL PERFECCIONISMO, LA CULPA Y LA PÉRDIDA

Frases tajantes a manera de hachazos que buscan penetrar la densidad del aire; frases que se van agrupando en listas de tareas importantes e impostergables, y otras flotantes. Un método para organizar la vida cotidiana, así habla la mujer de "La lista" de la dramaturga canadiense Jennifer Tremblay, una mujer que aspira a controlar hasta el más mínimo detalle de su rutina diaria, una mujer que no sólo se siente responsable de sí misma, sino de quiénes le rodean.
Mahalat Sánchez da vida en la escena a esta mujer que viaja en la cuerda del equilibrista, entre su neurosis cabalgante y su profunda orfandad emocional, una mujer que se define a sí misma: "Soy una fruta amarga en la ciudad o el campo".  Los primeros 10 minutos del montaje dirigido por Alaciel Molas, la mujer de espaldas a los espectadores, se mira y admira ante un espejo, para dejar aflorar toda esa amargura y culpa que siente por la muerte intempestiva de su Carolyn, su amiga, aún  y cuando no sea su responsabilidad.
Y tras el estatismo fluye la acción dramática, teniendo como entorno una escenografía minimalista, unas mamparas blancas, una mesa con un florero y el el afortunado juego de luces, escenografía e iluminación a cargo de Sergio López Vigueras.
Y una espléndida  traducción del texto original por parte de Humberto Pérez Mortera.
"La lista" es una obra escrita por una mujer, dirigida a un público femenino, aunque sin caer en los excesos de un recalcitrante discurso feminista, más Tremblay escribe desde el fondo de su ser, para presentar a una atribulada ama de casa de clase media, que por atender a los otros, se ha olvido de mimarse, de escucharse, una mujer con una identidad desdibujada que está segura que "terminará en el fondo de un ropero", parafraseando a Sor Juana, ella se siente como "la peor de todas".
De los momentos más emotivos y mejor trazados en su trabajo como directora, Alaciel Molas, pone a su mujer a acomodar, a atiborrar de espigas un florero vacío, hasta que éstas quedan tan apretadas que se hostigan las unas a las otras, metáfora de una existencia que está a la deriva, a pesar de estar tan llena de tareas a cumplir.
 La soledad profunda, irreversible es el hilo vertebral del discurso dramatúrgico de una obra que conmueve, que pone nuestros sentimientos a la intemperie, que nos invita a reflexionar hasta dónde y cuándo una obsesión debe de marcar una vida.
"La lista" de Jennifer Tremblay se presenta los sábados a las 19 horas en el Teatro La Capilla, Madrid 13, la entrada general es de $120.00 y de $80.00 para estudiantes, maestros e INAPAM, terminará temporada el próximo 14 de julio.
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viernes, 11 de mayo de 2012

LA PRIMERA SEMANA DE CINE MEXICANO INDEPENDIENTE INICIARÁ EL 17 DE MAYO EN CINETECA DE NUEVO LEON

El cine nacional busca nuevos caminos de exhibición y esto lo ha entendido a ciencia cabal, razón por la cual ha programado la Primera Semana de Cine Mexicano Independiente, la cual se iniciará el próximo 17 de mayo en la Cineteca de Nuevo León con la proyección de "El lenguaje de los machetes" de Kyzza Terrazas, ésta es una de las 9 películas seleccionadas por Cineteca Nacional, en complicidad con programadores de destacados festivales de cine de México.
Se trata de abrir nuevos canales de un cine, que por lo general no es aceptado por los distribuidores, un cine que tiene una voz personal, una honestidad, además de calidad artística. Se busca difundir nuestra cinematografía, sobre todo aquella que arriesga en sus propuestas. Además del filme ya mencionado, conforman la programación "Lluvia de luna" de la experimentada Maryse Sistach que es una elegía en torno a la hija muerta, en el marco de la cosmogonía maya, lo mismo que el documental de Everardo González "Cuates de Australia" que narra el periplo de una comunidad coahuilense , afectada por la sequía.
Asimismo se suman: "El sueño de Lu" de Hari Sama, que es una mirada de corte intimista en torno al duelo que experimenta una madre ante la muerte de su hijo; "Paraísos artificiales" de Yulene Olaizola sobre una chica adicta a las drogas y su búsqueda por afianzarse a su realidad; "Asalto al cine" dirigida por Iria Gómez donde nos acerca a las faltas de oportunidades de varios jóvenes en una sociedad globalizante.
  También se podrán ver: "Los últimos cristeros" de Matías Meyer un filme de carácter histórico que recrea episodios de la Guerra Cristera, además de "La castración" de Iván Lowenberg quien propone una reflexión en torno a la sexualidad, el amor y el perdón, así como el documental de Juan Manuel Sepúlveda "Lecciones de guerra" sobre las secuelas que vive el pueblo maya de Guatemala, tras el cruento homicidio que se cometió durante la década de los 80.
La primera semana de cine mexicano independiente, tras presentarse en Nuevo León, recorrerá algunas plazas del interior de la República Mexicana, como son: El Centro Cultural Tijuana en Baja California, la Cineteca Municipal Silvestre Revueltas en Durango,  el Cine Alcalá en Oaxaca, el Cine Morelos de Cuernavaca, para después ser proyectada en  Cinépolis Costa Rica en Agosto, llegando a la Ciudad de México, en el mes de septiembre. 
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jueves, 10 de mayo de 2012

MI SEMANA CON MARILYN: UN TRIBUTO A UN ICONO CINEMATOGRÁFICO

Sin lugar a dudas como Marilyn Monroe no hay dos, fue única y ello se vuelve a constatar en la película "Mi semana con Marilyn" del director inglés Simón Curtis, en su primera incursión en la dirección cinematográfica, él se basa en un libro de Colin Clark, donde se relatan los incidentes ocurridos durante la filmación de "El príncipe y la corista" en 1956, siendo el realizador, el mítico y talentoso actor inglés Lawrence Olivier. Este filme, extrae un capítulo poco conocido de la diva de Hollywood, para ofrecer al espectador, la gran tensión en el rodaje de una cinta clásica, donde compartía créditos la rubia de Hollywood.
Lo más destacable de este trabajo, es sin lugar a dudas la espléndida caracterización de Michelle Williams, quien sabe introducirse en la epidermis de la Monroe, a cada momento, con su inseguridad y aterradora soledad, nos recuerda los versos que a ella le dedicara el poeta nicaragüense Ernesto Cardenal: "Ella tenía hambre de amor y le ofrecimos tranquilizantes."
Sin ser la gran película, pero eso sí, muy bien hecha y con una espléndida ambientación de época, "Mi semana con Marilyn" nos da una probadita de esa Monroe, que buscaba ser grande, a pesar de todos los obstáculos que se le antepusieron en el camino y su inmensa necesidad de ser amada, para sentirse segura en la vida. Michelle Williams se adentra en la actriz para recrearla. Para quién ésto escribe, injustamente no se le dio el Óscar a la mejor actriz, puesto que su interpretación es muy buena.
Asimismo cabe destacar la caracterización de Kenneth Branagah como Lawrence Olivier, puesto que despliega sus dotes histriónicas, lo mismo que el joven Eddie Redmayne dando vida a Colin Clark, quien queda embelesado por Marilyn.
Cine dentro del cine, recuperación nostálgica de tiempos idos y muestra de los altibajos a la hora de filmar. Película recomendable ante todo para los cinéfilos de corazón, que parte de un guión escrito con delicadeza por  Adrian Hodges, con bella música de la dupla conformada por Alexandre Desplat y Conrand Pope.
"Mi semana con Marilyn" es una grata sorpresa, aun y cuando no alcance altos vuelos.
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miércoles, 9 de mayo de 2012

LA ILUSIÓN DE CORNEILLE EN VERSIÓN LIBRE

Y los clásicos por siempre continuarán vigentes, es tal la grandeza de su arte, que pasa el tiempo y se les sigue viendo y apreciando con especial deleite, tal es el caso de Pierre Corneille, dramaturgo galo del siglo XVII, de quien el dramaturgo norteamericano Tony Kusher, hizo una versión libre de su obra "La ilusión cómica", de este texto parte el director Mauricio García Lozano, quién monta con su habitual solvencia "La ilusión" con alumnos egresados de Casazul Argos en un espectáculo que se presenta de jueves a domingo en el Teatro El Milagro.
Estamos ante una comedia hilada con un fino humor, y que recurre a la estrategia de teatro dentro del teatro, al experimentado Jorge Ballina, le correspondió el diseño de la escenografía y la iluminación, logrando transportar al espectador a través de los tiempos, a un montaje escenificado hace más de 4 siglos.
 El domingo 6 de mayo- puesto que alternan funciones, el elenco fue Arturo Galicia Lara, Horacio Borsani, Nora del Cueto y Teresa Ibarra, entre otros, representando todos ellos varios roles, que se suceden en la cueva de un mago, ante los ojos de un padre, que vía los recuerdos quiere recuperar al hijo, a quien tiene perdido largo tiempo.
En algún momento apunta el mago al respecto: "El corazón persigue el recuerdo en la caverna de los sueños". Y ésto es precisamente lo que sucede en la lúdica obra de Corneille,  donde la realidad se entremezcla con la ficción, donde el presente se pierde por los laberintos del pasado, donde el teatro da pie a crear nuevos submundos en él mismo.
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lunes, 7 de mayo de 2012

FLOR DE FANGO: UNA LOLITA A LA MEXICANA

Guillermo González Montes, egresado del CUEC, Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, tras haber realizado algunos cortometrajes y documentales, debuta con el largometraje de ficción "Flor de fango", título tomado de un tango homónimo y de la novela, que lleva el mismo nombre de José María Vargas Vila, misma que fue publicada en 1918.
El joven cineasta transfiere a la realidad mexicana a la nínfula, que tanta fama tuvo a partir de la novela "Lolita" de Nabokov, que en su momento el gran Stanley Kubrick, llevó a la pantalla grande. Augusto Talanquer (un correcto Odiseo Bichir), investigador bioquímico, píerde todo contacto con la realidad tangible, cuando de manera circunstancial, conoce a la adolescente Marlene (Claudia Zepeda, en su debut cinematográfico), su aparentemente estable relación marital con Ruth ( una vez más Claudia Ramírez, en la pantalla grande), se debilita, ante la apabullante presencia de la joven nínfula, que da la casualidad que fue hija de una prostituta.
Augusto, al sentir que pierde a Marlene, la va a buscar a Tampico, Tamaulipas, pasando más de una peripecia hasta hallarla, pero no para siempre.
La premisa de la ópera prima de González Montes resulta interesante, él le apuesta al melodrama, lo desafortunado es que a la casi mitad del metraje, lo que prometía ser un buen filme, se torna un melodrama excesivo que roza las fronteras de un thriller no del todo bien entendido. Puesto que Augusto será en exceso vapuleado y humillado en su búsqueda de Marlene, la joven que le ha devuelto los ímpetus de vida.
Se cae en el guión del propio Guillermo González Montes en muchos excesos y hasta situaciones increíbles, pero ello no obsta para que sea un buen inicio como director de ficción. Hay una coherente línea narrativa, que en ningún momento se pierde y que nos lleva hacia una obsesión pasional de altos calibres.
La mitad del filme transcurre en Tampico, Tamaulipas, y se supieron utilizar muy bien los 15 millones de presupuesto, la fotografía de J. A. Lendo, respalda esta odisea de Augusto Talanquer, cuya vida se trastocará.
"Flor de fango" fue filmada, gracias a ser apoyada por el programa conjunto de IMCINE-UNAM, y es de esperarse que rebase su primer semana de exhibición, puesto que tiene mayor calidad que muchas otras cintas de ficción mexicana.
"Flor de fango", México, 2010. Dirección y guión: Guillermo González Montes, Fotografía: J. A. Lendo. Intérpretes: Odiseo Bichir, Claudia Estrada, Claudia Ramírez, actuación especial de Ernesto Gómez Cruz, duración: 110 minutos.
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sábado, 5 de mayo de 2012

EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD: AFERRARSE A LA VIDA

No siempre se necesita de un guión novedoso para crear una gran película, tal es el caso de la comedia inglesa "El exótico hotel Marigold" de John Madden ("Shakespeare apasionado", "Al filo de la mentira"), quien con una historia un tanto convencional, construye un filme gozoso, una comedia melodramática que gira en torno a la vejez, y cuyo guión escrito con agudeza por Ol Parker, parte de la novela homónima de la autoría de Deborah Moggach.
Un grupo de jubilados británicos, sin saber que hacer con sus respectivas vidas, algunos de ellos, un estorbo para sus familias, otros totalmente desencantados de la vida que llevan, buceando por Internet, se enteran de la existencia de un hotel que se encuentra ubicado en una exótica población de la India, y deciden viajar ahí, para cambiar de aires y renovarse.
Entre una mirada humana, y en momentos patética, sin estar exenta de una agridulce ironía, transcurre esta cinta, cuyo mayor valor, sin lugar a dudas, es contar con un reparto de experimentados intérpretes de primera línea como son: Judi Dench, Tom Wilkinson, Penélope Wilton, Bill Night y Maggie Smith, ésta última soberbia, quien se lleva las palmas, sin que ello desmerezca el resto de bien trazadas actuaciones.
A este grupo que se conocerá de modo azaroso, les pesará a adaptarse a un país tan disímil como la India, valores culturales totalmente opuestos a los suyos, una de ellas trabajará por primera vez en su vida; otro que es gay irá a la búsqueda del amor de su vida y una más tratará de encontrar inútilmente un affaire que la motive a salir hacia adelante.
"El exótico hotel Marigold" nos habla del cómo aferrarse a la vida, aún y cuando la cartografía del rostro esté surcada de arrugas y ya no se tenga el ímpetu de la juventud.
Madden es un cineasta que sabe dirigir actores y crear atmósferas y como resultado estamos ante una grata comedia inglesa, gozosa para los más jóvenes como para la gente mayor.
"El exótico hotel Marigold", Inglaterra, 2011. Dirección: John Madden. Guión: Ol Parker en base a la novela homónima de Deborah Moggach. Música: Thomas Newman. Fotografía: Ben Davis. Intérpretes: Judi Dench, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Bill Night, Penélope Wilton. Duración: 124 minutos
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jueves, 3 de mayo de 2012

LA SEÑORA MIRA...

LA SEÑORA MIRA
El yo sabe del principio del mundo, porque yo mismo puedo comenzar en todo momento.
      Juan Jacobo Rosseau
La señora mira
y se admira
ante
esos pequeños/grandes detalles
que la rodean.
Se deja ir
entre las corrientes
      del vaivén cotidiano,
se abandona
al goce
    y a la irreverencia,
La señora mira
a través de sus ojos
y surgen innumerables escenas,
se aminora
     su orfandad emocional
                 irreversible.
La señora mira 
y se admira
del desvanecimiento
de la espesa nube de smog,
deja de sentir trastocado
su halo de Amazona errante.
    Ella se ha apoderado
de los contornos de la noche,
     en el territorio oscuro
  se sabe viva,
      pese a todo.
       Perla Schwartz
         nov. 2011
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